18. August 2013

Mach’s gut, Lina Liebhund!

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: — VSz | Klangverführer @ 22:22

Heute trauern wir um Lina. Nur ein Jahr und einen Monat, nachdem ich sie adoptiert habe, wurde sie sehr, sehr krank. Anderthalb Wochen später ist sie verstorben. Jetzt habe ich keinen Liebhund mehr. Du bist das Beste, was mir je passiert ist, meine Süße! Ich bin so froh, dass ich dich kennenlernen durfte.

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16. April 2013

A certain will to be independent from clichés: die Dirty Honkers und ihr Futurist Retro Swing Tech im Klangverführer-Interview

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: , — VSz | Klangverführer @ 08:09

Schon einen Tag, nachdem wir uns mit Louise Gold zum Interview getroffen haben, stehen wir auch schon wieder mitten in Neukölln, denn auch die Dirty Honkers, vielen bekannt als Kings & Queen of Retro Futurist Electro, haben hier ihre Headquarters aufgeschlagen. Eigentlich hätten wir also gleich hier übernachten können. Indessen hätte dies Lina Liebhund um einen weiteren Versuch gebracht, den gestrengen Herren Polizisten in Schwarz, auf die sie aus welchen Gründen auch immer total abfährt, auf dem Alexanderplatz eine Streicheleinheit zu entlocken.

Leider wollten die Beamten auch diesmal nicht mit Lina kuscheln – doch Ersatz fand sich schnell in Gad Baruch Hinkis, dem musikalischen Kopf der Dirty Honkers, und auch Sängerin Andrea Roberts und Saxophonist Florent Mannant sparten nicht mit Streicheleinheiten. Vollends versöhnlich gestimmt war das Tierchen wieder, als es in der Honkers-Küche diesen tollen, deckellosen Mülleimer entdeckte – im Liebhund’schen Universum ein unwiderstehlicher Genuss, für den man Ärger mit seinem Menschen gern in Kauf nimmt.

Und während die drei Musiker und ich dem Hund abwechselnd leere Streichholzschachteln, gebrauchte Teebeutel & Co. wieder aus der Schnauze operieren, gelingt es uns nebenbei, über die Songs ihres neuen Albums Superskrunk zu sprechen, die sich oft aus den Live-Shows entwickeln, über die Berliner Electro Swing-Szene und den unbedingten Willen, sich nicht darauf limitieren zu lassen, und nicht zuletzt über das Superhelden-Image, das sich die Honkers kürzlich verpasst haben. Viel Vergnügen damit!


Honkerfied: Wenn Lina Liebhund nicht weiß, wie ihr geschieht, sind – v.l.n.r. – Andrea, Gad und Florent von den Dirty Honkers daran Schuld!

Klangverführer: When I first heard about you, the first thing that attracted my attention was your band name. I wondered – and I still do – what in the world made you name yourself “Dirty Honkers”?

Florent: I guess it was a little bit of a brainstorm. We started doing music before we had a name.

Andrea: Yeah, we started collecting a lot of words that we associated to, and „dirty“ was one of them, and the word „honkers“ sounded very cartoonesque and we were quite Swing-orientated and thought about cartooney music … And it also can mean „a big nose“ or „big boobies“, or the sound that a goose make – we have two saxophones and they really sound like ducks or geese.

Gad: And it’s a good combination– like, „Dirty Honkers“ is what we sometimes like to direct our sounds to, like a really explosive horn, like the horn of an old, loud car.

Listening to your new album, the first impression is: Oh, this is just another act riding on the Electro Swing wave. But soon the music turns out to be going beyond that and you hear vocal big band with a Rock’n’Roll attitude and techno beat, which is retro and futuristic at once and which I would describe best as “Swingtech” … How would you yourself describe your kind of music?

Andrea: Dirty Honkers!

Gad: Thanks a lot for the compliment, first of all! Well think, for a long time we used to describe our music as „Dirty Swing Tech“.

Andrea: Yeah, the vibe is sometimes more Swing, then we actually do have more of a Rock vibe in it, there are some songs on the album which have a surf vibe and really go away from the genre, so it also became tricky for us to just put a title on our music. Basically, we really like to take retro sounds and mix them with new-timey beats like techno or Drum&Bass …

Gad: You can also call it skrunk, skrunk music!

Florent: We develop the music rather from the stage than from the studio, always thinking about what we can do to make the concert exciting, to make it a really vibrant experience, and that’s why we always think of dance music, that makes a lot of sense.

Andrea: It’s a constant development because when we first started, we had a lot of songs, and then we found out what we really wanted to do: to make the kids dance. That was really a huge requirement. So the music definitely went a bit in the direction of electro and techno so we could create songs that the kids will move their hands and shake their heads to, pretty upbeat music.

Which makes it quite difficult listening to it in your living-room! Talking about Electro and Techno, your music sounds, at least to my ears, very metropolitan – not to say, very Berlin. Which role does this city play for the way you sound or for the Dirty Honkers, in general?

Gad: It’s hard to say how Berlin influences us. I think mostly it just influences us in the sense that we can do our thing here, that we can be ourselves. And maybe because each one of us can be more his- or herself, the combination between all three of us is less influenced by Berlin, you know? Because Berlin is so very much letting you be who you actually are you are less influenced by Berlin. Like, if I imagine that something like this would happen in London, for example, then maybe we would – because we would be forced to fit into the scene because it’s so hard there – sound more like London. But because we live in Berlin, each of us can really bring his or her own influences and create something that doesn’t sound like anything else for us.

Does that mean that Berlin, compared to London for example, gives you a unique artistic freedom by letting you be who you are?

Gad: I would say it’s freedom on an individual level for us to bring our own influences, but we definitely do have a relationship with the German and in particular with the Berlin Electro Swing scene. I think we helped a lot to bring Electro Swing into Germany before it was popular here.

Andrea: I definitely think that the fact that Berlin is not an expensive capital city definitely plays a role on the freedom you have. You don’t have to push yourself in a certain genre and can afford to be more experimental and more open. But there are definitely small vibes of minimal techno that you hear on songs like for instance „Party People“, and minimal techno definitely comes from the Berlin techno scene – you can hear it in all the clubs … So I would definitely say that Berlin, at least unconsciously from hanging out in clubs, influences the sound that we make.

Florent: Well, I think Berlin has influenced us in a way … for me personally, I grew up here for ten years, and when I first came here I really discovered a wide spectrum of how you can make music. I think Berlin has this very strong call of musicianship. All levels, all backgrounds, street musicians, very high-end musicians, there is really everything here. And it also clashes together very intensely. And I think this also brings this wide range of sound and music and inspiration you cannot find everywhere. In summer for instance, in Berlin you have music everywhere, outside, inside, late, early and this naturally influences us.

Andrea: Plus, on a show aspect level, we have a bit of a Punk Rock attitude that’s coming out of Berlin, kind of „Ach, scheißegal, let’s get drunk“, this kind of party vibe that you can do what you want. When my brother came here from Canada he was like, wow, I’m drinking a beer on the street – it’s a huge thing! Canada is really strict about this, you can get in jail. And here you can feel like you can party all hours to, whatever, eight in the next morning, and this kind of brings this Punk Rock attitude into your stage vibe, like „I’m partying in a cellar, in a dirty club and it’s ten o’clock in the morning, I’m pretty drunk“, you know? It’s not so detectable in our music but in the stage attitude.

Gad: Maybe an interesting point is that there is this contrast in the electro scene and in the live scene, whereas the electro scene is very, very specific, divided into sub-genres and sub-sub-genres, and you can’t go too wild in that. But, in contrast to the live scene which is very free and displays a more Punk Rock attitude by letting people do interesting things, the electro scene influenced us in the way that we all come from that scene individually and it’s a good place to come from.

Your first hit song was “Gingerbread Man” from your first album, an almost “classic” Electro Swing track. The songs of your new album sound much more freaky, overexcited, and, yeah, simply “superskrunk”. What has changed, musically speaking, and why?

Florent: I think „Gingerbread Man“ already stands out on our first album if you listen to the whole thing, it has more Electro Swing sounds …

Andrea: Yeah, more of a pop vibe …

Florent: It’s definitely more poppy with that Jazz guitar …

More acoustic!

Florent: True. But meanwhile due to the fact that we played a lot we play a lot of big sounds. We came to develop the sound towards larger audiences, you know, we tend to play late shows and big parties, and that influenced the way we develop our music. We still have the playfulness of our acoustic side, but the sound is cultivated differently.

Andrea: We’re really sensitive to our audiences, we roll with the punches here for we are very flexible people. We love to make music and we still have the same instrumentation, but if we’re playing at two in the morning or at midnight in place of a live show at nine or ten o’clock, then you have to conduct yourself a bit differently. We are doing more and more of this late-night stage shows where people expect some freaky fun dance music, so we went into the direction that we like to dance on stage ourselves. Our set is quite dynamic; it starts a bit more songey, then it’s going quite techno in the middle and at the end it’s a big mash-up of party-hardy music … So our new album is definitely party music.

Talking about your musical roots, I think Gad’s lay in the Tel Aviv HipHop scene …

Gad: … and Rave! HipHop and Rave!

… whereas Andrea and Paul played Swing and Rock’n’Roll with the Berlin-based “Haferflocken Swingers”. What would you say, how does the musical background of each of you influence the Dirty Honkers?

Andrea: Just exactly as how it is, of course!

Gad: Definitely, I’m the one with sounds, like I bring a lot of rave into the whole thing, and hiphop with the rap, and Florent is definitely the jazzer, he brings rich harmonies, arrangements and improvisations … A lot of the songs come from Jazz and a lot of the themes we wrote were developed in the show by just improvising on something. And on this Album, Andrea has brought a lot of this Rock’n’Roll edge, that’s something she really pushed for.

Andrea: I like Rock’n’Roll – and Pop.

Gad: Yeah, she’s really on top of the arrangements, like getting everything not too much, like pop structures, coupled with her Rock’n’Roll attitude.

Florent: And, what is more, that we don’t come from the same places. That means from before we met we only shared specific influences. The only thing we really had in common was that we wanted to work around Swing. That was the base.

Andrea: I think another huge thing is that it’s not just about Swing music, it’s really about Jazz music where our music comes from, playing a theme together as well as going for the solo improvisations … It’s more like the soul of the music. We’re not just doing cliché swing. For instance, with the Haferflocken Swingers it was really like going to where Swing music came from, like New Orleans traditional Jazz, Blues, Dixieland, but more about the idea of how the music was played and not too much …

Gad: … more like the raw energy! And I think this energy is also very much in the Dirty Honkers.

Like you’re trying to extract the soul or spirit or energy of that music and translate it into something more contemporary?

Florent: Definitely. And also in the attitude and a lot of times in the groove itself we extract these old grooves, like just sampling a riff and putting it on a house beat.

Andrea: We like it when it actually swings.

Florent: But when it comes to production, we don’t use samples, that’s why we also sound kinda different. We actually record the horns by ourselves that we put on our beats.

Gad: And through the Swing network – Berlin actually has a big underground scene – we know a lot of musicians who are always happy to participate. We prefer to have a real musician playing on the track rather than using a sample. It’s more soulful.

Let’s move on to the subject of favorites. My favorite track on your new album is “Back to the jungle”, I like its oriental approach, and I like “Dirty Looks” for its laidbackness – is there one of the songs that you like best?

Andrea: I’m starting to become a pretty big freakin‘ fan of „Oh Doctor“.

Gad: It’s surprising, it’s refreshing – it’s the last song we did for the album. And it was a mess! We had it for a long time, this song, we had to re-arrange it for the album and it was like mission: impossible. But everything fit together in the end and now we are just so happy with it.

Andrea: It’s really retro, but it’s more than cliché Electro Swing. People that only know us from „Gingerbread Man“ are looking for that and will not find it. Maybe they are disappointed, but we don’t care, because we admit to the evolution of music and maybe the next album will be one hundred percent different from this one! Now, this is our second full-length album, and with every time that we play together or recording together we’re learning so much more about each other, or how the music works or how to record – it’s a huge learning process.

Gad: We have a certain will to be independent from clichés. So people who know us for Electro Swing – and don’t get me wrong, „Ginger Bread Man“ is a great track, but it’s not necessarily the music we want to be identified with. We have a lot more to say. And because this whole Electro Swing movement … I think it’s great, but it also puts limitations on the directions and on the way you do it. And we don’t want that. We want to keep some freedom. So that’s also why we take different directions, as a kind of statement, saying: We’re not what you want us to be. We are gonna be wild and we are gonna be experimental and we want to try to sound unique. And I think we do and I think this uniqueness is our strength.

I understand that being associated with a certain genre puts limitations on a musician, but I think for the audience, especially the younger one, Electro Swing is a great thing because it lets them discover some classics, for instance Ella Fitzgerald records which they probably wouldn’t have heard otherwise!

Gad: Yes, and I think Electro Swing is also nice because it connects to Swing dancing – and for me it’s also like a gateway for … first of all, like you said, for getting to know some of the roots of modern dance music, and secondly for changing the attitude that is going on on the dancefloor in the clubs. In Electro Swing, you can actually couple dance, or pretend to couple dance which is sometimes good enough but is something that was not done for decades! So this is maybe like a gateway to something else.

Florent: Yes, that’s a very good point, I also think. Because if you go to any club nowadays, people are dancing in their bubble, not paying attention to the other.

And it takes people away from this monotonous four-to-the-floor thing because it operates with off-beats and stuff. So I think it brings a bit more musicality into music.

Florent: Yes, it can be very musical! But again, it depends on how you do it, but it can definitely be very musical.

Andrea: This is the most important thing for us, I think we don’t want to be a too much classified genre because each of us has so many musical ideas from so many different genres that it’s impossible that they know where each of their ideas come from.

Gad: And only in the last year we have kinda decided with ourselves that we’re gonna try to get this balance of making music that people would want to hear but being true to ourselves and not being too much in this Electro Swing …

Alright, completely different question: If I look at your promo pictures, I experience style seems to play an important role for you. Can the Dirty Honkers be described as a kind of Gesamtkunstwerk, a total work of art?

Andrea: We’re definitely very do-it-yourself, D.I.Y. I’m making the costumes, Gad is producing the music and Florent is doing the graphics and the website. We’re not really hiring people to do our dirty work. So it’s that we really create this superhero vibe image by ourselves, come up with concepts and develop our image around it – though it changes quite often.

Talking about this superhero thing – do you enjoy slipping in this role from time to time?

Gad: Yes, but it’s not about creating a totally different alter ego but having our own characters – only bigger. This is the first time we really put on these characters with the pictures and the video. It’s actually the first time we’re going for this superhero thing. We will not go on stage and pretend to be someone who we are not – it’s always gonna be us, you know? Our real characters can always be identified on stage.

Florent: But yes, it’s definitely like a “Gesamtkunstwerk” because I think it’s far beyond only the music . We have a lot to show, so during the concert itself it’s not only about the music, definitely not. It’s like we interact with the audience. For instance, Gad made some custom-made joy sticks … There’s a lot going on in the show, and we are very aware of the impact of the image and we play with that, I think. We want the people to scream when we come on stage – we want to make it Hollywood-style, you know?! Hollywood-Las Vegas.

It must be therefore that the Dirty Honkers are kind of notorious for their live shows! Talking about the synthesis of arts … . You just mentioned that Gad has created some kind of a self-constructed joystick controls to generate certain special effects?

Gad: Basically it’s because I have to apply a critique on electronic music. If you want to play live – you need some instruments to do that. And the instruments that are on the market are not at all good for being in a live band, cuz it’s no instruments that you can hold and go to the public and play on. Usually it’s like a box.

Using a laptop on stage is not an option?

Gad: Oh, we have a laptop, it’s there. But I’m not gonna go behind the laptop and work on it during a live show! And even if it’s an instrument, it works like a laptop: It’s a heavy box with buttons and knobs and you can’t do anything with it! So taking a joy stick or a game controller is a cheap and easy way to do it. They are already built for control – you just gotta connect them to your computer and you can control basically anything you want!

It gives you the freedom to move.

Gad: The freedom to move – and I don’t have to look at its screen. I can make sound effects, or now I only started to play melodic solos, Andrea is controlling her vocal effects – there’s a lot you can do with a game controller! Florent now has a dance mat. We used to have a foot station with pedals and buttons, but that was way too heavy …

Florent: And it was much less fun than the dance mat. You can make loops, you can make effects … If we want, we can sound like a wall of sound, we can improvise …

Andrea: That’s when it comes back again to the spirit of Jazz music, of improvising … The controllers give us a lot of freedom to improvise and to have fun. It’s cool when you have this option.

And I think its playfulness is also a big part of it, isn’t it?

Gad: Definitely the playfulness! And I think in this band, we have in each category – the music, the image, everything – we have a lot of important subjects to say, but on top of everything, it’s just fun. We’re just about having fun. And having people together, having fun together – and lose your inhibition. I think one of the best compliments we have ever got is in our shows … we want people to dance … and the girls dance without noticing what’s going on, like completely losing themselves in music.

Florent: Amen.

Once again, talking about your live shows … You’ll be celebrating the album release on the 19th of April at Festsaal Kreuzberg. What can your audience expect?

All: Should we tell her?

Florent: I think we want to make it definitely special because we play in Berlin a couple of times in a year, that’s why it must be extra-special, for sure. So we are gonna have a couple of surprises like …

Gad: We’re gonna have guests. Beautiful guests.

Florent: Without being too detailed, because we want to save some surprises … It will be flashy.

Andrea: It’s gonna be flashy, it’s gonna be fun.

Florent: We will also be screening our latest video for “Static” on an big screen behind the band.

Well, we’re almost done. Is there anything left you would like the world to now?

Andrea: Be prepared to dance.

Gad: And give us all your virgin daughters!

Florent: Yeah, be prepared to be honkerfied.

Gad: Warm up your nipples …

Andrea: … it’s gonna be a honkin’ good time!

Superskrunk erscheint am 19. April 2013 – klar, dass das mit einer Superrecordreleaseparty gefeiert wird: Im Festsaal Kreuzberg in der Honkers-Wahlheimat Berlin. Gehen Sie hin, wenn Sie können!

7. April 2013

Musik für eine gewisse Ewigkeit: Louise Gold im Klangverführer-Interview

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: , — VSz | Klangverführer @ 16:20

Lina Liebhund, deren Umbenennung in Kira Chaosköter nur noch eine Frage von Tagen ist, ist nicht gut drauf. Anstatt ihrer Vorliebe für Männer in Uniform bei den nicht wirklich amüsierten Polizeibeamten auf dem Alexanderplatz nachgehen zu können, musste sie betreffs Streicheleinheiten mit dem weitaus willigeren Security-Mann der Sparkasse vorlieb nehmen. Louise Gold ist dagegen ziemlich gut drauf, als sie uns zum Interview in einer kleinen Café-Kneipe in jener Gegend trifft, die von Leuten, die sich für hip halten, immernoch gern als „Kreuzkölln“ bezeichnet wird, wo wir über das Debütalbum von ihr und dem Hans-Quarz-Orchester sprechen wollen. Ihren Humor verliert sie selbst dann nicht, als Lina zeigt, wie man mit einer einzigen beiläufigen Schwanzbewegung den Couchtisch elegant abräumen kann. Ich verliere meine gute Laune allerdings beinahe, als ich bei der Abschrift des Interviewbandes feststelle, dass manche Stellen durch ein ostblockagentenmäßiges Knirschen und Knacken nahezu unhörbar gemacht wurden – nämlich in jenen Momenten, als Lina während der Aufnahme versucht, unter dem Couchtisch hindurchzukriechen um sich von Louise streicheln zu lassen. Das tut diesem schrecklich charmanten Interview allerdings keinen Abbruch – und gestreichelt wurde Lina von Louise schlussendlich auch noch.

Lesen Sie über stilechte Fünfziger- und Sechzigerjahre-Sounds inklusive Elvis-Echo vom Band-Hall-Gerät, die Jazzpolizei, warum der Bossa Nova nun einmal Schuld und Debut, auch wenn es (auch) auf CD erscheint, eigentlich eine dem Albumkonzept folgende Schallplatte ist, erfahren Sie, was es mit dem Singenlernen durch Hören auf sich hat und begleiten Sie Louise Gold auf einer ihrer Bergtouren durch Südtirol, die ihr die Inspiration für eines iher Stücke eingegeben hat, dessen Hintergrundgeschichte man nie vermutet hätte, wie es da so locker im Easy-Listeing-Gewand daherkommt. Letzten Endes geht es nämlich auch bei Louise Gold um nichts Geringeres als die Besessenheit von der Idee, ein Stück weiter, ein Stück höher zu kommen als jeder andere Mensch zuvor. Und dort eine nahezu himmlische Ruhe zu finden.

Ein Stück weiter gegangen ist auch Freddy Mercury mit seinen symphonischen Rocksongs, die die Klanglandschaft der späten Siebziger revolutionierten. Von Louise Gold wird er als Songwriter und Entertainer zu dem Maße verehrt, dass sie auf der Vinylversion von Debut eines seiner Lieder covert – und zwar im typischen Retro-Bigband-Gewand von Louise Gold & the Quarz Orchestra. Sie als treuer Klangblog-Leser können ein handsigniertes Exemplar davon gewinnen – und zwar pünktlich zum Erscheinen des Albums am 26. April 2013. Weitere Infos dazu folgen später. Erst einmal aber viel Spaß mit dem Interview!


Das große Gähnen täuscht: Was Louise Gold zu erzählen hat, ist alles andere als langweilig!

Klangverführer: Ihr habt das aktuelle Album von Louise Gold & The Quarz Orchestra schlicht „Debut“ genannt. Wolltet ihr damit alles, was euch als Einzelpersonen bislang musikalisch ausgemacht hat, auf null setzen?

Louise Gold: Es hat eigentlich eher etwas damit zu tun, dass ich persönlich noch gar keine Platte veröffentlicht habe. Ich fand es insofern lustig, weil ich mittlerweile nicht mehr so superjung bin – dieses Debüt mit achtunddreißig war mir wichtig. Und bei Hans Quarz ist das ja im Grunde genommen genauso: Genau wie ich hat er auf ein paar Platten mitgespielt und ist auf ein paar Compilations vertreten, aber so eine richtige eigene Platte … Das ist für uns beide die erste, das heißt, „Debut“ ist wirklich unser Debüt! Außerdem ist es ja natürlich so, dass dieser Titel so auftrumpft, nach dem Motto: Debut – hallo, hier sind wir. Das war mir wichtig.

Es ist ja auch definitiv ein guter Titel! Du hast vor ein paar Tagen auf Facebook das Lob der, Zitat: „deutschen Jazzpolizei“ Jazzthing, gepostet. Die schreibt unter anderem, dass euer Album wunderbare Musik bietet und leider viel zu kurz ist. Ist es dir, als jemand, der vom Pop kommt, wichtig, auch von den Jazzern anerkannt zu werden?

(Überlegt) Ja klar, schon, absolut. Ich würde mich halt nicht als klassische Jazz-Sängerin bezeichnen, denn meine Kolleginnen, die ganz konkret aus dem Jazz-Bereich kommen und auch studiert haben, besitzen letztendlich technisch eine viel größere Versiertheit. Ich singe wirklich Pop-Gesang, ich improvisiere im Grunde genommen auch nicht. Ich improvisiere, wenn ich Songs schreibe, da versuche ich, verschiedene Melodien auszuprobieren und vielleicht auch noch in den Proben – aber live mache ich das eigentlich nicht, weil es mir auch gar nicht entspricht. Aber doch, natürlich ist mir das wichtig – ich arbeite mit Jazz-Musikern zusammen, und mir ist es natürlich wichtig, dass die akzeptieren und gut finden, was wir da zusammen machen! Andererseits finde ich es auch toll, dass es diese Fusionen gibt, dass ich mich dennoch nicht so sehr verändert habe in dem, was ich mache und wie ich singe, und der Hans eben auch nicht: Dann entsteht etwas dazwischen, etwas, das aus dem zusammengesetzt ist, was wir beide erschaffen.

Du hast gerade Hans erwähnt, und das führt mich dann auch gleich zu meiner nächsten Frage: Wie hast du eigentlich mit dem Quarz Orchestra, also vor allem mit dem Jazz-Posaunisten und Arrangeur Hans Quarz, zusammengefunden?

Das war ganz lustig. 2008 haben wir ja diese Band gegründet – oder eher eine Vorstufe dieser Band, denn das Ganze hat sich sehr entwickelt. Ich wurde Hans von einem anderen Musiker, der zu jener Zeit in der Band war und jetzt nicht mehr dabei ist, vorgestellt. Beziehungsweise, ich wollte mit diesem anderen Musiker, der Bassist ist, eine Band gründen, und der meinte, „Ich kenn‘ den Hans Quarz, das ist ein ganz toller Arrangeur und Posaunist“, ja, und so hat er uns zusammengebracht. Es hat dann auch gleich gefunkt, wir mochten uns sehr gerne und haben auch festgestellt, dass wir einen ähnlichen Geschmack und ähnliche Vorstellungen haben. Angefangen haben wir als Swing-Quartett, haben Jazz-Standards gespielt und wollten mit den Gigs ein bisschen Geld verdienen – über die Zeit hat sich das aber stark verändert: Hans und ich haben angefangen, eigene Songs zu schreiben, weil es uns ein bisschen langweilig wurde, dann sind die beiden anderen Gründungsmitglieder ausgestiegen, für die zwei andere kamen, sodass wir wieder eine Zeitlang als Quartett weitergemacht haben … Ja, und irgendwann wurde es eben dieses Sextett, wir haben festgestellt, dass wir gut zusammen arbeiten können, und es ist etwas Schönes dabei herausgekommen.

Wenn man eure Platte einlegt, ist das erste, was einem begegnet, dieser weiche Bossa-Nova-Klangteppich. Es gab ja vor etwa zehn Jahren mal eine richtige Bossa-Nova-Welle, die mit dem 50. Jubiläum des Bossa Nova 2008 wohl ihren Höhepunkt erreicht hat. Damals kam kein Stück Popmusik, das etwas auf sich hielt, ohne die brasilianischen Rhythmen aus. Danach ebbte die Welle aber ab, und in den letzten Jahren war vom Bossa kaum noch etwas zu hören gewesen. Und dann kommt ihr und macht eine Platte mit Bossa-Nova-Elementen … Warum jetzt?

Schuld war nur der Bossa Nova, fällt mir da ein (lacht). Mir ist es ehrlich gesagt gar nicht so aufgefallen, dass es diese Welle gegeben hat, wobei ich jetzt, wo du es erzählst, so ein bisschen etwas erinnere … Bei uns sind das auf jeden Fall in erster Linie musikalische Überlegungen. Wir haben ursprünglich Swing gemacht, sodass auch die eigenen Songs, die wir geschrieben haben, zunächst sehr Swing-lastig waren. Irgendwann habe ich gesagt, dass ich gern auch meine Popsongs einbringen will, damit das ein wenig aufgebrochen wird. Der erste Song von diesen Popsongs, den wir gemeinsam gemacht haben, war „If I don’t have love“, welcher dann zum ersten Song unseres Albums geworden ist. Jedenfalls: als Hans ihn arrangierte, fiel ihm auf dass da einfach kein Swing-Rhythmus dazu passt und wir überlegten, wie wir damit umgehen. In der Probe, als wir es zu dritt mit Florian, dem Gitarristen gespielt haben, ist dann aus der Situation heraus ein Bossa Nova entstanden, und ich fand das total schön! Insofern war es bei uns weniger eine konzeptionelle, sondern tatsächlich eine musikalische Entscheidung. Der Bossa passte zu dem Song, und dem ersten folgten weitere: „Tillerman & Comrade“ ist auch ein Bossa …

… der Song, von dem es euer erstes Video gibt! Schuld war also nicht der Bossa, sondern Schuld war der Hans!

(lacht) Kann man so sagen. Aber es ist natürlich auch so, dass wir beide totale Fans der Sechzigerjahre sind, und damals gab es nunmal sehr, sehr viele Bossa Nova-Elemente, bei Burt Bacharach und diesen Easy-Listening- Geschichten… Ist also durchaus auch eine Vorliebe von uns.

Hast du das von Zuhause mitbekommen, von den Platten deiner Eltern?

Die haben zwar viele alte Sachen gehört, aber lustigerweise eher Country. Sie waren totale Musik-Freaks, mochten aber eher Hank Williams oder Glen Campbell, der in den Siebzigern aufkam, aber auch die Stones und sowas. Mit diesem Sechzigerjahre-Sound habe ich mich dann selber beschäftigt, weil ich viele alte Filme gesehen habe, Musicals, in denen Jazz-Songs verwendet wurden. Klassik dagegen haben meine Eltern gar nicht gehört; das habe ich mir später angeeignet, als ich eine Zeitlang fast ausschließlich Klassik gehört habe und auch Pianistin werden wollte. Also, als eine von meinen zehntausend Ideen, was ich mit meinem Leben so alles anfangen könnte!

Als ich vorhin gefragt habe, warum Bossa Nova, hast du ja gemeint, es sei eine musikalische Entscheidung gewesen. Wenn man eure Platte hört, fühlt man sich jetzt aber nicht nur von der Musik, sondern auch vom Klang her in die 50er-Jahre zurückversetzt. Ich stelle mir vor, dass unsere Großeltern so etwas auflegten, wenn sie zu einer mondänen Dinnerparty mit Tanz luden … Ihr habt das alles sogar auf originalem Equipment aufgenommen, richtig?

Ja, genau. Wir haben bei den „Lightning Recorders“, so heißt dieses Studio in Berlin-Rummelsburg, das in der Nähe vom Funkhaus Nalepastraße ist, aufgenommen – und mit den Jungs haben wir auch schon eine Vorgeschichte, denn wir sind etwa 2008 das erste Mal in diesem Studio gewesen – aus praktischen Überlegungen, weil wir uns da zu viert reinstellen und einfach spielen konnten. Wir waren sehr gut eingespielt, weil wir unheimlich viel aufgetreten sind, und man musste dann nicht irgendwelche Overdubs machen, was alles unheimlich lange gedauert hätte, sondern konnte das aufnehmen und fertig.

Das heißt, es ist alles auf einer Spur? Also eine Art Live-Mitschnitt?

Im Grunde genommen ja, aber „Live-Mitschnitt“ wäre ein bisschen tiefstaplerisch. Die Toningenieure haben z.B. ein Bandecho benutzt, das heißt, die Stimme wird mit einem Band aufgenommen und dabei aber gleichzeitig mit einem anderen Band um Bruchteile zeitlich versetzt noch einmal hörbar gemacht und wiederum aufgenommen – und zwar ebenfalls in Echtzeit. Der Effekt, der dadurch entsteht, ist ein analoger Hall, ein typisches Fünfzigerjahre-Echo, das beispielsweise auch Elvis Presley verwendet hat. Ich find die Toningenieure bei Lightnings unheimlich toll. Man kann mit ihnen gut zusammenarbeiten, weil sie sehr gute Ohren haben. Die sind auch selber Musiker und kennen sich mit Equipment und Sound sehr gut aus. Mich hat beeindruckt, dass man sich da einfach so hinstellt, das aufnimmt, und dass es dann so gut klingt! So warm klingt! Klar, bei dieser Herangehensweise muss man natürlich die Aufstellung der Musiker besprechen. Du brauchst schon einmal einen halben Tag, bevor du weißt, wo welcher Musiker steht, damit der Sound eine Räumlichkeit hat, die funktioniert.

Wenn man die Stücke wie ihr in Echtzeit aufnimmt, heißt das ja auch, dass man im Nachhinein keine Chance hat, etwas nachzubearbeiten, außer vielleicht soundtechnisch …

Also, wir haben das fertige Band tatsächlich mastern lassen. Du kannst damit keine Einzelspuren bearbeiten, aber du kannst den Gesamtsound etwas anheben. Wenn jetzt aber einer einen falschen Ton spielt oder ich einen falschen Ton singe, könnte man das nicht mehr ändern. Das bedeutet, man macht normalerweise so fünf bis zehn Takes von einem Song.

Und zwar nicht wie heute üblich, nur von der fraglichen Stelle, sondern ihr müsst das Ganze dann von hinten bis vorn wieder und wieder durchspielen!

Ja, aber ich wollte das so. Uns allen war das wichtig. Dabei kommt es natürlich erstmal darauf an, dass Musiker aufeinander hören. Du bist so auch abhängig von dem anderen, denn wenn der das irgendwie vergrützt und wenn er es dann das zweite oder dritte Mal vergrützt, dann denken die anderen beizeiten: hey, jetzt konzentrier dich mal!

Ich stelle mir das gerade als Sängerin schwierig vor, wenn ich an den Spannungsboden denke. Kannst du den auch beim zehnten Mal noch aufrechterhalten?

Klar, irgendwann wird es dann schwierig. Man muss sich immer wieder motivieren und sich einen Untertext schaffen. Und es ist tatsächlich so, dass an solch einem Tag irgendwann der Punkt kommt, wo es dann nicht mehr geht. Wenn man den Peak erreicht hat, geht es wieder runter. Dann muss man sich eben für eine der Versionen entscheiden – oder man macht es am nächsten Tag noch einmal. Hinterher hören wir die Versionen dann gemeinsam an und entscheiden, welche die beste ist.

In einem demokratischen Prozess?

Naja … (lacht) Nee, ich glaube, ich bin da schon ziemlich genau, was meinen Gesang anbetrifft. Oder sagen wir mal so, was die Posaune und den Gesang anbetrifft. Die sind ja schon sehr prägnant, und wenn sich der Hans da jetzt total verhupen würde und ich mich irgendwie komplett versinge, dann geht das nicht. Dann muss man eine Version nehmen, wo dafür vielleicht das Piano nicht so euphorisch glänzt. Aber klar, wenn einer jetzt mit seiner Leistung überhaupt nicht zufrieden wäre, dann würde ich auch nicht darauf bestehen, dass wir das nehmen. Dann macht man’s halt nochmal.

Wo wir über Vintage-Aufnahmetechnik sprechen – euer Album wird nicht nur auf CD erscheinen, sondern auch ganz stilecht auf Vinyl, was heutzutage ja nicht unbedingt ein preiswertes Vergnügen ist. Ihr müsst ein besonderes Verhältnis zur Schallplatte haben, oder?

Ja, das haben wir mit unserem Label Skycap Music so abgesprochen, denn es war von vornherein klar, dass diese Musik absolut Sinn macht auf Vinyl. Gerade die Vinyl-Liebhaber sind Leute, die diese Art von Musik sehr gern mögen. Es sind zum Teil auch DJs – von denen haben wir schon viele Anfragen, dass sie das unbedingt spielen wollen. Macht einfach Sinn.

Außerdem ist es ja so, dass man sagt, dass die CD eine viel kürzere Lebenszeit hat. Wenn ich dann achtzig bin und irgendwelche kleinen Enkelchen vorbeikommen und etwas hören wollen und die CD existiert nicht mehr …! Man weiß ja nicht, was mit diesen digitalen Dingern passiert. Vinyl ist mehr oder weniger unkaputtbar, es sei denn, du kratzt drauf rum … Das hat so eine gewisse Ewigkeit.

Vinyl ist uns allen in der Band wichtig, damit sind wir ja aufgewachsen, mit den Schallplatten. Ich sag auch immer noch: eine Platte machen. Der Gedanke eines Albums ist auch auf Debut ganz klar zu erkennen. Die Song-Reihenfolge habe ich auch tatsächlich in Hinblick auf ein Album mit einer A-Seite und einer B-Seite ausgewählt. Die A-Seite schließt ab mit dem Instrumental „Lullaby of Moabit“, und die B-Seite fängt dann mit „Footloose Fancy-Free“ an. Find ich extrem stimmig und sinnvoll.

Das ist lustig, denn für mich persönlich kommt der Break ein Lied vorher, denn – auch, wenn man das einer Sängerin jetzt wahrscheinlich besser nicht sagen sollte – mir gefällt das Instrumental am besten und ab da gefallen mir alle Songs gleich beim ersten Hören, was ich von den ersten paar Songs nicht behaupten kann, da brauche ich länger zum Warmwerden …

Ach, echt? Die beiden Seiten sind schon sehr unterschiedlich – und es gibt darüber auch unterschiedliche Meinungen; viele mögen vor allem den ersten Teil.

Wo wir schon mal beim Stichwort „mögen“ sind – ihr kokettiert auf eurem Album mit Miles Davis’ „Fahrstuhl zum Schafott“, und bei „Boys are Heroes“ höre ich eine dezente Annäherung an einen James-Bond-Soundtrack … Seid ihr alle glühende Cineasten oder woher kommt diese Vorliebe für Filmmusikalisches?

Also, ich kann jetzt natürlich nicht für alle anderen sprechen, aber für mich und Hans. Ich weiß, dass er sehr filmisch arrangiert – und ich bin absolut ein Filmfreak. Ich habe vor allem Bilder im Kopf und ich beschäftige mich sehr viel mit Film.

Bleiben wir noch etwas beim Stichwort „mögen“: Mir persönlich gefällt auf eurem Album „Lullaby of Moabit“ mit seiner swingenden Retro-Solo-Gitarre am besten, dicht gefolgt von „Hush Hush Bolero“ und „Footloose Fancy-Free“, wo du klingst wie Ella Fitzgerald mit Big Band. Dazu zwei Fragen: Hast du auch einen besonderen Favoriten auf dem Album? Und: Wie muss man sich ein Wiegenlied in Moabit vorstellen? Irgendwie ist das der letzte Stadtteil Berlins, den ich jetzt mit Ruhe verbunden hätte …

Das kann ich dir gar nicht richtig beantworten, weil das Hans‘ Song ist, und zwar der einzige, den er auf diesem Album ganz allein komponiert hat. Ich vermute – denn ich weiß, dass er manchmal im Moabit probt –, dass er irgendwann nachts, wie das so seine Art ist, aus dem Probenraum kam und dort rumtigerte und dabei irgendetwas im Kopf hatte, eine Melodie, die er dann aufgeschrieben hat.

Die Frage nach meinem Favoriten auf dem Album finde ich total schwierig, ehrlich gesagt, weil das immer wechselt. Also … (überlegt) … ich würde sagen, um die Essenz zwischen dem, was Hans und ich gemacht haben, zu nennen, dann ist das „Boys are Heroes“, der mir vor allem auch inhaltlich sehr wichtig ist. Der Prozess, diesen Song zu schreiben, war sehr aufregend für mich, und ich finde, dass Hans etwas absolut Großartiges daraus gemacht hat von den Arrangements her, wie du gesagt hast, dieser James-Bond-Sound …

… du singst da ja auch etwas in der Art von „they turn wives into widows“. Sind die Boys in deinem Stück Kriegshelden, wobei „Helden“ hier durchaus verächtlich zu verstehen ist, denn was für Helden sind das schon, denen ihr Kriegsspiel wichtiger ist als ihre Familien?

Nein, das hat mit Krieg nichts zu tun. Sondern damit, dass ich schon öfter in den Alpen wandern gewesen bin. Ich mache das recht regelmäßig und dann auch immer gleich so eine Hüttenwanderung über mehrere Tage. Und beim ersten Mal – ich hatte vorher gerade den Film „Nordwand“ gesehen; es gibt ja da viele Geschichten gerade aus den Zwanziger- und Dreißigerjahren, wo diese Bergsteigerei erst so richtig populär wurde –, meine Geschichte ist eigentlich genau so eine Story: Es geht um zwei Bergsteiger, die gehen in die Berge und lassen ihre Mädchen zurück im Dorf, und nur einer kehrt zurück. Darum geht es. Um diese Haltung, die oft bei jungen Männern zu finden ist, dieses testosteron-gesteuerte „Ich mach das jetzt“, ohne Rücksicht auf Verluste.

Der Song spielt auch mit der Frage, ob das etwas typisch Männliches ist und was Heldentum und Held-sein eigentlich bedeutet. Als ich auf dieser Hütte war, habe ich mit einem Bauern gesprochen, der seine zwei Söhne durch einen Absturz beim Bergsteigen verloren hat, das hat mich tief beeindruckt. Einerseits ist es so ein ganz sonniges Land, dieses Südtirol, charmante Leute, charmante Männer, die so eine bestimmte Art von Galanterie haben, die man hier nicht mehr oft antrifft, sehr traditionsbewusst auch. Andererseits haben sie einen seltsamen Stolz. Es gibt dort allerorts diese Erinnerungsmarken mit Aufschriften wie „Hier stürzte unser Sohn soundso in die Tiefe – zu Gott“. Für mich hatte das Ganze einen merkwürdigen Beigeschmack, weil es ja eben auch schön da ist.

Andererseits kann ich das auch verstehen, diese Besessenheit, etwas Bestimmtes zu erreichen, an einen bestimmten Punkt zu kommen der geografisch über allem liegt. Wenn man da oben auf dem Ortler, dem höchsten Berg Südtirols, ist – und jetzt nicht gerade mit einer Reisegruppe unterwegs ist –, dann herrscht dort die totale Ruhe, eine Ruhe über der Welt. Und wenn man dann über diese ganzen kleineren Berge schauen kann, gibt einem das natürlich auch so ein fast kindliches Allmachtgefühl. Das hat mir gefallen.

Vor allem auch eine Geschichte, die man jetzt nicht unbedingt hinter dem Song vermuten würde …

Für viele Mitteleuropäer geht es heute wohl darum, eine gewisse Spannung im Leben künstlich zu erzeugen. Weil es möglich ist. Und weil es uns an wenig mangelt.

Wobei das für mich eher eine Frage des inneren Reichtums ist. Wenn der vorhanden ist, muss ich mir keine künstliche Spannung von außen hinzuführen – ich denke jetzt an Leute, die Bungee-Jumping machen oder so … Also, ich verspüre dieses Bedürfnis überhaupt nicht!

Doch, ich kann das schon ein bisschen nachvollziehen. Ich trage auch so eine Tendenz in mir – aber ich stelle sie natürlich gleichzeitig auch in Frage.


Hans Quarz

Und „Frage“ nehme ich jetzt als Stichwort, denn zu dem, was ich vorhin gefragt habe, fällt mir noch etwas Drittes ein. Es ging ja um Lieblingsstücke und das ich eines so mag, weil ihr da nach einer gefühlten Bigband klingt, und ich frage mich: Wie habt ihr diesen unglaublich dichten Bandsound hinbekommen?

Bei vier Songs haben wir tatsächlich eine Bigband, und zwar bei „Boys are Heroes“, „Footloose Fancy-Free“, „Hush Hush Sweet Baby“ und – ach, das sind ja sogar nur drei! Da wurde unser Sextett zum Tentett, denn der Hans wollte in seiner Eigenschaft als Arrangeur natürlich Bläser, Bläser, Bläser! Wir treten in dieser Besetzung teilweise auch tatsächlich auf, und nach oben hin ist das erweiterbar. Es ist so gedacht, dass wir sechs die feste Besetzung sind, und dann, je nachdem, was wir machen wollen, kommen – gerade im Studio – noch weitere Musiker dazu.

Und der Sound auf den anderen Songs – das ist einfach das Talent von Hans! Der kann wahnsinnig gut arrangieren. Er sagt immer, also, eigentlich bräuchten wir ja viel mehr Bläser, aber er kann die Stimmen auch so setzen, dass es eine Dichte ergibt, wenn es an der Menge der Instrumente mangelt. Außerdem gehe ich davon aus, dass das auch etwas mit dem musikalischen Ohr jedes unserer Musiker zu tun hat: Wenn man aufeinander hört, ergibt das ein stimmiges Sound-Bild. Aber es stimmt, eigentlich sind das gar nicht so viele Musiker.

Wenn wir jetzt gerade die Lieder durchgezählt haben und auf drei Bigband-Stücke kommen, während ihr auf sieben anderen im Sextett spielt, dann ergibt das ein klassisches zehn-Song-Album. Ich weiß aber, dass die Vinylversion mit einem elften Track aufwarten wird …

Das wird eine Coverversion sein, und zwar „Don’t Stop Me Now“ von Queen.

Das ist spannend, denn das ist ja etwas völlig anderes! Queen im Bigband-Gewand! Warum gerade Queen?

Die Idee war eigentlich … Hans hat das Stück schon vor zwei oder drei Jahren für uns arrangiert, weil ich das gerne wollte, denn ich bin ein totaler Freddy-Mercury-Fan. Und weil ich finde, dass der ja auch sehr symphonisch komponiert hat, obwohl das Rock- und Popmusik war. Ich hatte totale Lust, dieses Lied zu singen – und vor allem, diesem Lied einen anderen, nämlich meinen Drive zu geben. Denn eigentlich ist das ja ein Testosteron-Song, so hey und wäh und so – und das mit ein bisschen Abstand zu singen, etwas entspannter auch, hat mich interessiert. Zwar schon zu sagen, ich will Spaß haben – denn genau das sagt „Don’t Stop Me Now“ ja aus: Ich will jetzt feiern“ und ich nehme mir jetzt alles“ –, aber dass man das vielleicht auch mit so einem Augenzwinkern machen kann anstatt sich an beiden Enden mit hundert Prozent Flamme abzubrennen.

Vor allem aber wollte ich dieses Lied singen weil Freddy Mercury für mich ein toller Songwriter und Entertainer war.

Auf jeden Fall ist das ein großer Anreiz, sich die Vinylversion zuzulegen! Wir haben vorhin ja von den Lieblingsstücken des Albums gesprochen, und es gibt noch eines, das ich total mag: diesen Schleicher „Any Human Heart“, der dann vollends wie das Cover eines Jazzklassikers aus den Vierzigern klingt und in jedem Realbook auftauchen könnte. Wie kommt es dass du dich nicht nur als Vokalistin, sondern auch als Texterin so sicher in dem alten Jazz-Idiom bewegst?

Das weiß ich nicht – das ist einfach so! An diesem speziellen Song hat Hans tatsächlich musikalisch einen sehr großen Anteil. Er kommt ja aus dem Jazz. Ursprünglich hatte ich ihm das Stück in einer Art Rockabilly-Version angeboten, vom Drive her, aus der er dann diesen Jazz-Drive gemacht hat. Und mit dem Text … Findest du das denn so …?

Naja, es gibt da diese Wendungen wie „come rain or come shine“, die so altmodisch und so typisch sind …

Ja, come rain or come shine … Da gibt es doch diesen Klassiker aus diesem Musical … (singt) „High as a mountain/deep as a river/come rain or come shine … Happy together, unhappy together” …

„St. Louis Woman“ von 1946“ … Der wurde in den Fünfzigern zum Standard und zum Beispiel durch Interpreten Sinatra oder Billie Holiday bekannt.

Ja, manchmal ist das bei mir auch so ein Zitat-Fimmel, einfach aus Spaß. Manche Wörter, weil ich eben viel Jazz gehört habe, kommen dann wieder und ich denke, hm, das passt da jetzt irgendwie gut rein. Ich finde das auch witzig, daraus so einen Mashup zu kreieren – oder ich bediene diese Elemente, um bei mir selber, im eigenen Flow, eine kleine Lücke aufzufüllen. Aber ich habe dafür keine Schule besucht. Ich schreibe Songs, seitdem ich vierzehn bin, und irgendwie hat es sich so entwickelt.

Ist denn Hans ´ Musik zuerst da, auf die du dann die Texte schreibst?

Nee, das ist unterschiedlich. Sehr oft ist es so, dass ich ihm etwas anbiete, mit Text, den ich immer selbst schreibe, und er verändert dann etwas. Bei „Hush Hush Sweet Baby“ zum Beispiel …

… das ist die Ballade?

Ja, bei der Ballade, da hat er sehr viel verändert in der Strophe. Der Refrain ist mehr oder weniger auf meinem Mist gewachsen, aber bei der Strophe hat er ziemlich viel Einfluss gehabt.

Das ist lustigerweise das einzige Stück eures Albums, mit dem ich überhaupt nicht warm werde!

Ach, echt? Ist halt eine Ballade …

Was ja auch völlig legitim ist. Aber ich finde da irgendwie keinen Zugang. Was schade ist, denn ich bin ein großer Freund der neun anderen Stücke. Darunter ist ja auch eine Coverversion, nämlich „A Zoot Suit For My Sunday Gal“, das 1942 von Wolfe Gilbert und Bob O’Brian geschrieben wurde. Es gibt viele berühmte Interpretationen davon, u.a. von den Andrews Sisters oder von dem legendären Bandleader Kay Kyser und seinem Orchester. Wie hat der „Zoot Suit“ seinen Weg auf euer Album gefunden?

Eigentlich war das so, dass ich mit Cherry Casino, der das mit mir zusammen singt, ein Duett machen wollte – aber wir hatten keinen Song. Dann habe ich so ein bisschen recherchiert – ich weiß gar nicht mehr, wer das angebracht hat, irgendeiner von den Musikern, und ich habe mir dann so eine Version angeschaut von Dorothy Dandridge und Paul White, da gibt es auf YouTube ein total süßes Video, wo die beiden sich schick machen und dann zum Rendezvous treffen. Ich konnte mir das sehr gut mit Cherry vorstellen und hatte auch gleich irre Bilder im Kopf falls wir mal ein Video daraus machen sollten.

Wir haben den Song ein bisschen probiert und ihm lag das auch. Und ich hatte mein Duett.

… da hätten ja Ella Fitzgerald und Louis Armstrong nahe gelegen …

Ja, wobei ich solche sehr naheliegenden Dinge meist auch ein bisschen langweilig finde. „Zoot Suit“ wurde zwar oft gecovert, ist aber trotzdem nicht bekannt, das fand ich reizvoll.

Auch im Sinne einer Wiederentdeckung für das heutige Publikum?

Ja klar. Ich finde, es ist in jedem Falle wert, Dinge neu und wieder zu entdecken, anstatt zum hundertzwanzigsten Mal dasselbe zu singen. Ich als Konsument würde mir das wünschen. Ich frage mich auch immer nach der Intention, wenn man Stücke wie „Girl from Ipanema“ zum hunderttausendsten Mal aufnimmt …

…was ja ein klassischer Bossa wäre!

Ja, aber er ist so derartig bekannt! Mir ist es auch wichtig, dass ich einen persönlichen Bezug zu einem Stück habe.

Wenn man eure Platte hört, klingst du von der ersten Silbe, die du singst, angenehm aus der Zeit gefallen – wie zu jener Zeit, als auch Schlagersängerinnen noch eine klassische Gesangsausbildung haben mussten (beispielsweise auf „Hush Hush Sweet Baby“, das auch von einer Gershwin-affinen Opernsängerin gesungen worden sein könnte) … Erzählst du mir zum Abschluss ein bisschen von deiner Ausbildung?

Ich habe gar keine, wirklich nicht. Ich habe sehr früh angefangen zu singen, aber ich habe das immer so gemacht, wie ich denke. Ich hab auch mit ganz anderen Sachen angefangen, nämlich mit Punkrock. Später habe ich viel Popmusik gemacht und hatte immer mal wieder ein bisschen privaten Gesangsunterricht – irgendwann hatte ich dann eine richtig gute Lehrerin, Eugenia Visconti. Ein paar Jahre zuvor hatte ich mit einem New Yorker Gesangslehrer gearbeitet – ja, ich habe mit vielen Leuten gearbeitet, aber nicht in einem universitären Rahmen. Ich würde schon sagen, dass ich zum größten Teil Autodidaktin bin. Ich habe halt viel gehört – habe mir unheimlich viele Sängerinnen angehört, und die, die mir gefallen haben, habe ich als Teenager und dann als junge Frau, imitiert, und daraus dann peut a peut meinen eigenen Stil entwickelt.

Louise, ich danke dir für dieses ausführliche und angenehme Gespräch!

Louise Gold & the Quarz Orchestra live erleben? Können Sie! Und zwar beim Record Release am 26. April im Roten Salon der Volksbühne Berlin! Sie können nicht dabei sein? Schade, aber notieren müssen Sie sich diesen Termin trotzdem, denn ab da steht Debut in den Läden oder bei Ihren favorisierten Online-Bezugsquellen bereit. Ein ganz besonderes Exemplar können Sie hier auf klangverführer.de gewinnen – schauen Sie dann einfach noch einmal vorbei oder abonnieren Sie den RSS-Feed vom Klangblog, der hält Sie ganz automatisch auf dem Laufenden. Bis dahin wird es auch eine Rezension auf fairaudio.de geben – in Form der Platte des Monats April!

10. Dezember 2012

Klangköpfe # 4: Kein Streichtrio, sondern eine Band (2/2)

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: , , , — VSz | Klangverführer @ 10:11

Im ersten Teil des Interviewportraits sprach ich mit B.S.O, dem BerlinerStreichOrchester, über seinen Anspruch an seine Musik, zu der auch immer untrennbar die Live-Performance gehört – und genau hier steigen wir mit dem zweiten Teil wieder ein. Außerdem verrät uns das Streichtrio, das sich lieber als Rockband sieht, warum es eine Trennung in sogenannte E- und U-Musik für unsinnig hält, wann wir endlich sein Debütalbum in den Händen halten können und dass Familie „schon irgendwie heilig“ ist – Gänsehautmomente inklusive.


Lina Liebhund lauscht …

Klangverführer: Wir sprachen gerade davon, dass Gunnar nicht mehr den Alleinunterhalter geben, sondern auch die Celli mehr in den Show-Teil eurer Gigs einbinden möchte …

Jupp: Ich finde diese Art von Bühnenperfomance gar nicht so schlimm, muss ich sagen, sie ist nur bislang relativ schwer realisierbar gewesen – und ist es immer noch. Das liegt daran, dass wir, zumindest teilweise, hinter den großen Instrumenten sitzen, außerdem hat nicht jeder von uns ein Mikrophon – meistens haben wir gerade mal eins, um Ansagen zu machen. Uns bei allem, was größer ist, als dieser Raum hier (zeigt auf den Proberaum um sich), hört uns das Publikum nicht, wenn wir unverstärkt reden. Die technischen Voraussetzungen würde ich persönlich jetzt noch in weiter Zukunft sehen.

Gunnar: Eine Voraussetzung dafür wäre – und da sind wir jetzt in der Richtung, aus der wir musikalisch herkommen: ich habe mir neulich Apokalyptika angeschaut, und die spielen größtenteils im Stehen und laufen dabei auch rum –, dass alles wireless funktioniert. Für unser aktuelles Bandbudget findet sich in dieser Kategorie nicht allzuviel, das heißt, wir müssen noch ein bisschen warten – aber künstlerisch sehe ich das schon als nochmaligen Entwicklungsschritt, den wir irgendwann mal gehen werden.

Johannes: Ich würde das auch eher in fernerer Zukunft verorten. Momentan sind wir noch an Probleme gebunden wie „Wie rennt man mit so einem Rieseninstrument quer über die Bühne“?

Jupp: Das lernt man auch nur in den Situationen, während man es tut! Wenn beispielsweise ein Gig ansteht, wo wir geplant haben, mal aufzustehen, proben wir das vielleicht auch mal – aber live ist es immer noch etwas komplett anderes. Wir spielen jetzt anderthalb Jahre zusammen, und noch sind neunzig Prozent der Gigs „gesessen“.

Ich finde das auch nicht schlimm, im Gegenteil! Es spricht doch nichts dagegen, sich auf die Musik zu konzentrieren anstatt auf die Show …

Jupp: Das kommt auf’s Publikum an. Es gibt ganz viele Menschen, die sind erst einmal total überfordert mit diesem „Woah, was machen die mit den klassischen Instrumenten?“ – und wenn wir dann noch stehen würden, dann würde die, glaube ich, abschalten und denken, „nee, das ist mir jetzt zuviel“. Aber wenn wir uns entspannt irgendwo in Berlin hinsetzen und dann so triomäßig beeinander, nicht nur für’s Publikum, sondern hauptsächlich auch für uns selbst etwas spielen, dann finden die Leute das toll. Da bleiben die stehen, denn sie denken, „Hey, was spielen die denn da? Das kenn‘ ich doch!“ Und da kommt wieder der Wiedererkennungseffekt zum Tragen. Die haben das zwar noch nie in dieser Form gehört, aber irgendwoher kennen sie es –

Johannes: Und das ist dann unsere Chance.

Gunnar: Vielleicht merkt man es, das ist auch ein kleiner, ewiger Diskussionspunkt zwischen uns dreien: Ich fordere natürlich, dass die Jungs viel mehr stehen …

Johannes: Ja, und manchmal tut mir das auch Leid für Gunnar. Weil der muss halt schon das meiste leisten, er rennt dann rum …

Gut, er muss die Show machen – aber ihr müsst die Musik machen!

Johannes. Ja, klar, wir haben vielleicht vom Kraftfaktor her in den Händen ein bisschen mehr zu tun … Aber das Entscheidende scheint mir, dass sich das noch entwickeln muss.

Gunnar: Es ist okay, so, wie es jetzt ist, das kommt auch meinem exhibionistischen Gehabe da auf der Bühne zugute, aber es wird darauf hinauslaufen, dass wir die Last gleichmäßiger verteilen – sowohl, was die Arrangements anbelangt, als auch, was die zukünftige Bühnenpräsenz angeht.

Du meinst, dass sich die Jungs showtechnisch nicht mehr hinter ihren Instrumenten verstecken können und du in der Rolle des Alleinunterhalters gefangen bist … Andererseits bist du derjenige in der Band, der neben B.S.O einem ganz normalen bürgerlichen Job nachgeht, während die Jungs Profimusiker sind, bzw. ein Profimusiker und ein angehender Profi. Wie fühlt man sich als Laie dazwischen? Kompensierst du diesen Status mit der Betonung des Showelements?

Gunnar: Das ist eine gute Frage. Für mich ist es eine Herausforderung, auf der Geige mit der Professionalität der beiden Celli mitzuhalten. Ich gebe ganz offen zu, dass auch meine Lernkurve nicht mehr so steil ist, wie bei den beiden, wenn ich mich verbessern will und im Interesse unserer Songs auch verbessern muss. Ich hoffe und es ist auch mein Ziel, dass ich da noch so lange wie möglich mithalten kann, aber die Frage trifft natürlich des Pudels Kern: Das, was ich da auf der Bühne mache, kompensiert natürlich eine ganze Menge. Alles, was in Richtung Show und Unterhaltung und auch Interaktion mit dem Publikum geht, ist schon eine Art der Kompensation dessen, aber natürlich auch eine Bereicherung im Sinne einer Vervollständigung des Gesamtangebotes an das Publikum.


… und latscht durchs Bild …

Auf eurer bald erscheinenden Platte fällt der visuelle Teil aber weg – und das, obwohl ich gerade gelernt habe, dass das Showelement bei B.S.O nicht nur eine wichtige Rolle spielt, sondern in Zukunft auch noch stärker hervorgehoben werden soll. Welche Bedeutung räumt ihr der puren Musik ein, welche der Show, anders gefragt: Ist B.S.O in erster Linie eine Live-Band?

Gunnar: Das ist eine Ergänzung – das kann nur eine Ergänzung sein! Das ist ein Unterschied wie Tag und Nacht. Und da wir jetzt das erste Mal im eigenen Studio sind und Aufnahmen machen, haben wir erfahren, dass das Recorden richtig, richtig schwere musikalische Arbeit ist. Ich selbst bin ein Live-Mensch. Ich stehe gern auf der Bühne und kommuniziere, ich gehe auf die Leute ein, ich geh hin, geh weg, ich tanz mit denen, ich leg mich hin … Im Studio bei den Aufnahmen soll ich mit einem Mal ganz ruhig sitzen. Das liegt mir so gar nicht und hat bei den Aufnahmen auch erstmal so einiges an Selbstdisziplin gefordert. Ich weiß nicht, inwieweit wir da effektiv waren beim Einspielen, was vor allem Quantität angeht – ich hab‘ pro Tag einen Song geschafft, mehr war einfach nicht drin.

Das ist doch eine gute Quote!

Gunnar: Aber um noch einmal auf deine Frage zurückzukommen, das muss eine Ergänzung sein. Unser Anspruch ist, dass wir live genauso klingen wie auf der Platte. Aber Live ist einfach … da muss man merken, dass die Jungs, die da vorn auf der Bühne stehen, beim Spielen auch mal daneben greifen, weil sie vor allem Spaß dran haben und richtig aufeinander eingehen. Wenn man die CD in den Player legt oder das File in den MP3-Player, dann muss das Gesamtbild von der Musikalität her stimmen. Auf der Bühne ist es Musikalität plus Show.

Ihr kommt ja aus der Live-Ecke, habt da angefangen und spielt seitdem unglaublich viele Shows … Ich kann mir vorstellen, dass er schwerfällt, dieses unmittelbare Gefühl auf Platte zu pressen. Ist das ein Grund, weshalb die Veröffentlichung des Albums immer weiter aufgeschoben wird? Erst sollte es voriges Jahr zu Weihnachten kommen, dann im Sommer, jetzt heißt es, dieses Jahr zu Weihnachten …

Jupp: Unter anderem. Vor allem aber liegt das daran, dass wir viele neue Ideen haben, dass unsere Arrangements nie so einen hundert-Prozent-Status erreichen – es wird immer etwas geben, was man daran noch so ein bisschen verändern kann, und dann wird das gemacht, und man hat noch eine gute Idee, macht auch das ein-, zweimal und sagt sich, „hey, das ist ja viel besser als das, was wir bisher hatten“, oder wir stellen fest, „ach nee, doch nicht“, und machen das wieder rückgängig …

Johannes: Obwohl wir auf dem Album versuchen, wirklich diesen finalen Status zu erreichen. Das ist jetzt neu. Dazu muss man auch sagen, dass ich, oder wir zusammen, die Songs noch einmal neu arrangiert haben, sobald die Nummern feststanden, die auf die Platte kommen. Wir haben uns überlegt, dass es einfach zu banal wäre, sie so einzuspielen, wie wir sie live spielen, und das allein war schon eine langwierige Arbeit.

Das beantwortet ja auch meine Frage nach eurer Musik, wenn die visuelle Komponente wegfällt … Ihr spielt auf der Platte also anspruchsvollere Arrangements!

Jupp: Ich will noch einmal was zu dem Unterschied CD und live sagen: Du hast recht, wir kommen vom Live her – und ein Grund dafür, dass wir das jetzt aufnehmen, ist – daneben, dass wir das alle auch selber wollten –, dass wir ständig gefragt wurden, „Habt ihr eine CD, habt ihr eine CD?“ Und insofern kann diese CD nur eine Ergänzung zu unserem Live-Ding sein, denn ich weiß nicht, wass die Leute erwarten, wenn sie – nachdem sie uns live gesehen haben – eine CD von uns einlegen. Ich persönlich könnte gar nicht dasselbe erwarten. Ich würde mich freuen, wenn der Song, den die Band live gespielt hat und der mir so gut gefallen hat, da drauf ist – aber ich würde jetzt … Keine Ahnung! B.S.O lebt auch davon, dass uns die Leute sehen, dass sie die Celli sehen und nicht nur hören! Dass sie immer gefragt haben, „Habt ihr eine CD, habt ihr eine CD?“, war einer der Gründe, dass wir uns gesagt haben, okay, nehmen wir mal ein paar Songs auf. Dass es jetzt so intensiv wird, dass wir wirklich noch mal die Arrangements überarbeiten – den Anspruch haben wir uns selbst gestellt.

Johannes: Wir stehen uns selbst im Wege. Aber im positiven Sinne.

Ich kann mir schon vorstellen, dass jemand, der euch auf einem Konzert sieht, die CD kauft, weil er das Live-Erlebnis ausdehnen möchte, weil er einfach ein Stück von euch mit nach Hause nehmen will …Die Frage, die sich mir stellt, ist eher: Was erwartet Leute, die euch noch nie live gesehen haben, auf dem Album?

Johannes: Das ist eine spannende Frage! Ich denke, mal auch ein Überraschungseffekt.

Jupp: Auf jeden Fall, weil diese Sache mit dem Covern auf Streichinstrumenten ist schon rein akustisch für die meisten neu …

Johannes: Ja, schon rein soundmäßig!

Jupp: Die Frage wäre hier, wie Leute, die uns noch nie gesehen haben, dazu kommen, die CD zu kaufen. Ich habe den Eindruck, dass die meisten sie nur kaufen würden, eben weil sie uns live gesehen haben! Ich kenne keinen, der über etwas anderes auf uns aufmerksam geworden ist.

Ach, ich glaube, das kommt auf die Art und Weise des Vertriebes an. Wenn sie jetzt beispielsweise auch als digitaler Download in die großen Online-Musikdienste wie Amazon oder iTunes eingespeist wird, liegt der Empfehlungsalgorithmus der Musicstores dahinter, nach dem Motto: Wenn Ihnen Apocalyptica gefällt, gefällt Ihnen bestimmt auch B.S.O, oder so ähnlich. Das sieht natürlich anders aus, wenn ihr nur einen Privatvertrieb geplant habt.


… um mit dem Jungs zu flirten – und die flirten zurück!

Gunnar: Ist das jetzt eine Frage? Also, es ist auf jeden Fall das Ziel, dass wir auch weltweit vertrieben werden, zumindest durch die ganzen neuen Medien. Mein Anspruch ist, was Leute erwartet, die, auch wenn sie uns noch nicht live gesehen haben, ein Album von uns kaufen oder downloaden, dass auf jeden Fall ein Unterschied zu hören ist zu den klassischen Ansätzen, wie sie üblich sind, beispielsweise bei Sterling EQ, die als Streicherband mit Querflöte unterwegs sind. Ich hab ganz hohen Respekt vor den vier Frauen, die das machen, aber mein Anspruch ist, dass die Leute, wenn sie uns sehen, nicht sagen, „aha, jetzt kommt Klassik, die Bon Jovis It’s My Live als kammermusikalischen Höhepunkt inszeniert“, sondern: „Mein Gott, was machen die auf diesen Instrumenten, das klingt ja so dirty …“

Jupp: Genau! Wir wollen unsere Instrumente sozusagen, nicht nur live, an ihre Grenzen führen!

Befreien von dem angestaubten Image?

Jupp: Ja, vom klassischen Schönklang. Das soll jetzt nicht heißen, dass bei uns alles kratzig und gedroschen klingt, sondern einfach nur, dass es eben auch mal so klingen kann, denn das ist auf Streichinstrumenten auch möglich! Wenn wir das machen, ist das nicht zwangsläufig immer gut oder immer passend, aber man kann es machen – und die Instrumente halten es aus!

Gunnar: Auch das muss man klar sagen: Es soll jetzt keine Revolution gegen die Kammermusik sein oder gar gegen die Klassik – es ist am Ende einfach eine andere Sparte, die wir bedienen.

Jupp: Wir nehmen unsere Inspiration einfach überallher, Kammermusik, Rockmusik, und dann machen wir unser eigenes Ding daraus!

Gunnar: Ich weiß gar nicht, ob die Zielgruppe da so riesengroß ist, wie wir das gern hätten – denn wir machen ja kein Crossover! Crossover ist so ein Mischmasch, irgendwie beliebig.

Da bin ich ganz auf deiner Seite! Ist es bei euch vielleicht eher so, dass ihr dem Rockfan das Herz öffnet für Kammermusikalisches und den Klassikfan auch für Rocksounds zu begeistern wisst?

Jupp: Na, das ist immer schwierig. Dann müssten wir ja auch Klassik spielen. Wir haben zwar darüber gesprochen, für bestimmte Anlässe ein kleines klassisches Programm im Repertoire zu haben, die Idee aber nie weiter ausgeführt. Das ist nämlich so eine Sache: Bei klassischer Musik gibt es viel mehr Leute, die einem da auf die Finger gucken und sich fragen, „Wie ist das denn interpretiert? Das ist doch eigentlich ein Mozart-Quartett für Holzbläser, warum haben die das jetzt auf Streichinstrumente übertragen und für einer Dreierbesetzung arrangiert?“ Bei klassischer Musik wird man immer sofort auf ganz andere Weise beurteilt. Deswegen: Klassische Musik spielen – mache ich persönlich gerne. Ist aber nicht Sinn und Zweck dieser Sache hier. Und dem Rockmusiker plötzlich ein klassisches Stück vorzuspielen – das würde dem gar nicht mehr gefallen. Dem gefällt es, dass er kennt, was wir spielen! Und das wäre nicht der Fall, wenn wir jetzt einen Mozart auf irgendeine besonders abgefahrene und rockige Weise spielen würden.

Johannes: Wenn ich ergänzen darf: Ich glaube, so ein bisschen auch unsere Mission, wenn wir sie auch noch nie formuliert haben, ist auch: Der Begriff „klassische Instrumente“ ist ja schon an sich ein Frevel, denn Klassik war damals einfach die Popmusik. Und wir leben im Hier und Jetzt und versuchen auch, so zu klingen! Es gibt Spezialisten, die können Barock viel besser spielen als wir – und machen es auch. Wir machen halt, was wir können.

Jupp: Heutzutage nennt man die Instrumente eben so, und das ist ein bisschen schade.

Johannes: Ja, das ist auch gleich so einschränkend!

Wobei ich diese U-Musik/E-Musik-Unterteilung für überholt halte …

Gunnar: Genau. Als wir neulich auf einer Hochzeit gespielt haben, kam einer danach zu mir, der war ganz schick im Anzug, und erzählte, dass er üblicherweise mit seiner Harley Davidson durch die Gegend fahre. Ich konnte mir den in Leder gar nicht vorstellen! Jedenfalls hat er gesagt, dass er unsere Musik so richtig cool findet. Und auf einmal hatten wir eine Ebene in der Diskussion, wo es gar nicht mehr um die Instrumente ging, sondern um die Musik. Damit war für mich so ein bisschen der Kulminationspunkt erreicht, dass wir das, was wir als Musik rüberbringen wollen, als Message rüberbringen wollen, auch wirklich rübergebracht haben. Egal, ob wir Gitarren spielen oder mit Streichinstrumenten.

Johannes: Jetzt hab‘ ich Gänsehaut!

Das wäre auch ein wunderbarer Schlusspunkt, aber eine Frage kann ich mir einfach nicht verkneifen: nämlich die nach diesem Familiending von B.S.O. Ich habe Anfang des Jahres ein Schwesternpaar interviewen können, das miteinander Musik macht, und sie sagten „singing with your sibling is just like singing with yourself“, weil du schon aus rein genetischen Gründen eine ähnliche Stimme hast, dass du dich in deinem Gegenüber wie im Spiegelbild fühlst … Lässt sich das auf Instrumentalisten übertragen? Macht man durch einen gemeinsamen Genpool Dinge unbewusst ähnlich, spielt man harmonischer zusammen, als wenn man nur befreundet, aber nicht verwandt wäre? Im Sommer hast du gesagt, die Verwandtschaft spiele keine Rolle, euer harmonisches Zusammenspiel liege vielmehr darin begründet, dass ihr die gleiche Ausbildung hättet.

Jupp: Ich erinnere mich, dass wir im Sommer schon mal intensiv darüber diskutiert hatten …

Johannes: … aber auch keine wirkliche Antwort gefunden haben …

Wir waren ja auch ziemlich betrunken … (Das sei uns verziehen. Es war am Tag von Köpfhörerhunds Beerdigung.)

Jupp: Ich persönlich würde heute sagen, das mit der Ausbildung ist wahr. Aber vielleicht, irgendwo ganz entfernt und ganz tief unterbewusst, spielt Verwandtschaft eine Rolle. Wichtiger aber ist: Wir sind auf einer Wellenlänge und kommen gut klar. Dass wir dann musikalisch auch auf einer Wellenlänge sind, ist natürlich ein Vorteil, den wir auch zu unseren Gunsten nutzen.

Gunnar: Und dabei spielt, zumindest aus meiner Sicht, das Familiäre eine immer untergeordnetere Rolle. Spätestens seit dem Zeitpunkt, seitdem wir einen eigenen Proberaum haben und aus dem elterlichen, familienbezogenen Umfeld des Übens raus sind, seitdem sind wir drei Freunde, die hier zusammensitzen.

Ihr seid als Band also nicht Onkel und Vater, Neffe und Sohn, Cousin und Cousin, sondern …

Gunnar: Ich hoffe mal nicht! Ich versuche, hier keinerlei väterlichen Aspekte einzubringen!

Jupp: Wenn mich jemand nach meinen beiden Mitmusikern fragt, sage ich zwar immer, das sind mein Cousin und mein Vater, aber dieses Familiäre verläuft sich immer mehr. Wir sind nicht mehr das Familienprojekt, das wir am Anfang waren und das gesagt hat, hey, du spielst Geige, wir spielen beide Cello, wir können ja mal so’n bisschen Metallica covern. Es war günstig, dass es so angefangen hat, es hat uns den Start erleichtert, aber das steht jetzt nicht mehr im Vordergrund.

Gunnar: Sonst könnten wir auch den ganz am Anfang formulierten Anspruch an die Demokratie innerhalb der Band nicht aufrecht erhalten.

Jupp: Dann wärst du der Patriarch!

Gunnar: Können wir ja mal drüber nachdenken – müsste aber auch wieder mit absoluter Mehrheit dafür gestimmt werden …

Jupp: Sieht also schlecht für dich aus.

Johannes: Ich würde hier noch einmal gern etwas loswerden: Ein ganz wichtiger Punkt bei dem Thema ist Vertrauen. Und das ist etwas, das uns auch den Einstieg so leicht gemacht hat. Familie ist schon … auch ein bisschen heilig. Das stand uns nie im Wege. Es wäre auch okay, wenn wir nicht verwandt wären – aber es wär‘ schade.

Gunnar: Jetzt hab‘ ich auch Gänsehaut.


Hat eben einen guten Geschmack, der Hund!

14. Oktober 2012

Klangköpfe # 3: Nur wer selbst brennt, kann andere entzünden oder: Ich bin kein unruhiger Mensch – aber ein ruheloser. Der Traveler im Interviewportrait

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: , , , — VSz | Klangverführer @ 17:42

Den Chemnitzer Musiker Falk lernte ich über Johnny Cash kennen. Besser gesagt über die Neuauflage von Cashs Autobiographie, die ich für fairaudio besprochen hatte. Falk hatte sie bei Amazon bestellt und stolz ein Foto seiner Neuerwerbung ins Netz gestellt. Gute Menschen kennen gute Lieder, dachte ich mir, und kurz darauf waren wir be-e-freundet. Okay, vorher hatte noch eine gemeinsame Freundin, die Altenburger Sängerin Franziska Brendel, ihre Hände im Spiel. Mit der habe ich vor einem oder zwei Jahren einen herrlichen Weiberabend bei dem einen oder anderen (eher dem anderen) Glas Wein verbracht – sie vor ihrem Computer in Altenburg, ich vor meinem Laptop in Berlin. Aber das ist eine andere Geschichte.

Da jedenfalls weder aus meinem geplanten Chemnitz-Besuch im Frühsommer, wo Falk mit seinem neuen Duo Diamonds&Rust spielte, noch aus seinem beabsichtigten Konzert in meiner Berliner Küche etwas geworden ist, dachten wir uns: Treffen wir uns doch in der Mitte! Und so kam es, dass ich mit Lina Liebhund an einem schönen Samstagmorgen im September passend zu Falks Künstlernamen Traveler nach einem im Landkreis Elbe-Elster gelegenen Städtchen namens Doberlug-Kirchhain travelte. Übrigens kostete – ich erwähne das aus Gründen der Verhältnismäßigkeit – mein Bahnticket 13,70 Euro, während man für Linas 9,90 Euro haben wollte. Ob sie dafür wenigstens auch einen Sitzplatz bekommt?, fragte ich mich.

Den bekam sie nicht, dafür aber einen im Auto des Travelers, mit dem es raus zur Klosterschänke am Schloss Doberlug ging, einem Restaurant mit ungarisch angehauchter Speisekarte, erstaunlich gutem Essen und sehr netter, hundefreundlicher Bedienung, noch dazu mit herrlichem Blick auf die spätromanische Backstein-Basilika der Klosterkirche und das behutsam modernisierte Refektorium des Klosters Dobrilugk. Ein Ausflug dahin lohnt sich auch dann, wenn man hier nicht den Traveler zum Interview und zur fröhlichen Einkehr trifft. Deutlich weniger lohnt sich ein Besuch von Steins Wein- und Bierstuben, der in seiner Unerfreulichkeit vermutlich aber nur die Vorbereitung auf die Meisterleistung der Deutschen Bahn war, welche Lina und mir auf der Rückfahrt einen unfreiwilligen, anderthalbstündigen, spätnächtlich-kühlen Aufenthalt in Falkenberg (Elster) bescherte. Nein, das ist nicht das Falkenberg bei Berlin-Hohenschönhausen, wo mein Emilyhund begraben liegt. Das ist das Falkenberg, wo der Hund schlechthin begraben liegt. Da gibt es nachts nämlich nichts. Die Nazis vor der örtlichen Pizzeria waren aber sehr nett zu uns.

Mittlerweile sind wir wieder glücklich zu Hause angekommen und freuen uns, dieses schöne, weil bescheidene und dabei ziemlich schlaue, Interview mit Ihnen zu teilen. Lesen Sie über des Travelers musikalische Erweckungserlebnisse, über die Unmittelbarkeit des Übertrags seiner Musik auf die Gitarre, darüber, dass man mit Frauen nicht streitet und weshalb er seine eigenen Songs, die ihm gewissermaßen zufliegen, nur ganz selten live spielt. Für den Klangblog hat er allerdings eine Ausnahme gemacht und uns neben einem Johnny Cash- und einem Gerhard Gundermann-Cover auch eine Eigenkomposition geschenkt. Viel Freude damit!

Klangverführer: Du bereist Thüringen seit einiger Zeit unter dem Namen Traveler. Erzählst du mir, wann und wie dieses Alter Ego entstanden ist?

Traveler: Also prinzipiell als Name verwendet habe ich das seit 2007 – damals war das aber noch ein Duo. Ich bin gerade von meinen „Wanderjahren“ wiedergekommen – ich bin im Westen drüben gewesen, in den „gebrauchten Bundesländern“, hab da ein bisschen rumgewohnt und verschiedene Geschichten gemacht, die Versicherungssache, beispielsweise. Und als ich wiederkam, habe ich einen Bekannten getroffen, der hat gerade angefangen, Geige zu spielen und wollte auch wieder so bühnenmäßig ein paar Dinge machen. Das konnte er aber nicht alleine, und so hat er gesagt: Komm, wir machen jetzt ein Duo. Und das erste, was mir dazu eingefallen ist, war „Traveler“. Im Prinzip deswegen, weil dieses Wort für mich eine ganze Menge bedeutet; es ist assoziiert mit dem „Zigeunerblut“, was ich immer so ein bisschen hatte, dass ich immer herumziehen musste, immer ein bisschen etwas sehen, irgendwo immer etwas Neues erleben und nicht immer das Gleiche um mich haben, und dementsprechend hatte ich dieses Wort schon lange im Kopf. Ich wusste nur nie, wofür es gut ist – dann hat sich aber herausgestellt, dass es ein guter Duo-Name ist. Und als es kein Duo mehr war, ein guter Alleinmusikername …

Wo du gerade diese Sache mit der Unruhe ansprichst, nimmst du schon ein bisschen meine zweite Frage vorweg. Ich wollte wissen, ob die Wahl des Symbols der Wanderers, zu dem ja nicht nur das Fernweh gehört, auch etwas mit dem Gefühl des Nie-richtig-Ankommens zu tun hat, eben mit einer allgemeinen Unruhe oder auch einem beständigen Auf-der-Suche-Sein? Ich glaube, eines deiner Lieblingszitate entstammt einem Lied der Berliner Dudelsack-Rocker Cultus Ferox, wo es heißt: „Über Land und unter Wasser/habe ich mein Glück gesucht/An den schönsten Meeresstränden/meine Einsamkeit verflucht; Überall bin ich zu Hause, nirgends komm ich wirklich an; Bin ich dort, bin ich ein Fremder, bleib ich hier, dann werd ich krank“ …

Ja, absolut richtig. Gerade in diesem Zitat habe ich mich ganz deutlich wiedergefunden. Das ist mir wirklich irgendwo aus der Seele gesprochen: Ich bin an vielen Orten gern gesehen, viele Leute kommen gut mit mir klar (ich auch mit vielen Leuten!), aber es ist wirklich so, dass ich – ich weiß nicht, warum das so ist –, wenn ich die Leute eine bestimmte Zeitlang hatte, wieder andere Leute und wieder eine andere Gegend brauche. Ich bin halt irgendwie sehr ruhelos – jetzt aber im positiven Sinne. Ich finde es auch gut, mal ‛nen ruhigen Abend zu verbringen, und ich bin jetzt auch kein unruhiger Mensch – aber ich bin ein ruheloser Mensch. So vielleicht, wenn du verstehst, was ich meine.

Ich denke schon. Als Traveler gehörst du mit deinen Auftritten ja beim City Pub Chemnitz schon fast zum Inventar. Wie bist du eigentlich zu dieser akustischen Irish Folk- bzw. keltischen Schiene gekommen?

Das war durch meinen Duo-Partner damals. Ich hatte mit Irish Folk nie was am Hut. Ich wusste, dass es die Musik gibt – aber ich kannte kein einziges Stück davon, abgesehen vielleicht von Drunken Sailor oder solche Geschichten. Er aber war schon immer Fan davon. Wenn er losgezogen ist, hatte er teilweise einen Kilt an und hat mit seinem langen Haaren und dem ganzen Drumherum da genau reingepasst. Und als wir gesagt haben, wir machen jetzt dieses Duo, war uns klar, dass das so ein bisschen auf die Pub-Schiene gehen wird – man braucht ja irgendwo ein Anlaufpublikum! Und deswegen haben wir uns zumindest teilweise auch ein Irish Folk Repertoire zusammengesucht, und dann ging es auch schon los!

Wie muss ich mir das jetzt vorstellen: Er an der Geige und du an allem anderen?

Nee, nee. Ich habe immer mein Gitarre-Mundharmonika-Gesangsding gemacht, und er hat Geige, Cajon, Bass, teilweise Dudelsack und Bodhrán gespielt, das ist so eine irische Trommel, die hat man in der einen Hand, während man in der anderen einen Schlegel hält, den man von beiden Seiten benutzen und dadurch ganz schnelle Dinge damit machen kann. Ach, und Mandoline hat er auch noch gespielt.

Eine Mandoline steht ja auch bei dir zu Hause rum, ich hab das Foto gesehen … Die spielst du ja auch, oder?

Nebenbei, ein bisschen. Nicht auf der Bühne, aber für Aufnahmen und solche Geschichten schon mal.

Du trittst aber nicht nur im Irish Pub auf, sondern spielst an den Wochenenden auf Festivitäten in ganz Sachsen und auch Thüringen, beispielsweise auf Hochzeiten. Ich glaube auf meine Frage nach deiner Musik hast du mir ganz nonchalant den Wikipedia-Link zum Stichwort „Mugge“ geschickt mit dem Nachsatz, du seist als Traveler ein „typischer Mucker“. Daneben hast du unter der Woche einen „bürgerlichen“ Vollzeitjob. Wie kommst du mit dieser Doppelbelastung klar? Gibt es da einen Trick? Das frage ich auch aus Eigennutz, weil ich ja auch zwischen Musikjournalismus und bürgerlichem Job oszilliere …

Für mich stellt sich hier gar nicht die Notwendigkeit eines Tricks dar, es ist vielmehr so, dass es für mich ein Ausgleich ist. So wie für manche vielleicht Sport, so brauche ich die beiden Geschichten. Ich könnte mir jetzt nicht vorstellen, Vollzeitmusiker zu sein, das wäre mir … Ich weiß nicht. Da würde mir zu viel Spaß an der Musik verlorengehen, wenn das zuviel werden würde. Umgekehrt brauche ich aber auch zu meinem Job irgendwo einen Ausgleich, und der ist für mich wirklich an den Wochenenden die Musik. Das passt total gut zusammen – auch wenn es manchmal ein bisschen anstrengend ist.

Kommen wir auf die Musik selbst zu sprechen und nicht nur darauf, wie man damit umgeht. Als ich zum ersten Mal dein Cover von Johnny Cashs „Hurt“ gehört habe, war ich total von den Socken – deine Stimme ist ja wie gemacht für seine Songs! Haben sich da Stimme und Musik gefunden oder, anders gefragt, woher rührt deine Faszination an Cash?

Prinzipiell ist es ja so, du kannst – und das ist jetzt ein Zitat aus dem Hefter, den ich für die Bühne benutze, wo meine ganzen Sachen drin sind, und da steht auf der ersten Seite: Man kann nur in anderen entzünden, was in einem selber brennt. Das hat mal der große Römer Aurelius Augustinus gesagt. Und das ist wirklich das Ding! Man kann in den Leuten nur dann etwas auslösen, wenn man selber überzeugt ist von der Geschichte. Und das ist schon bei Johnny Cash so gewesen – der war ja wirklich ehrlich. Er hat nur geschrieben und gesungen, was ihn bewegt hat, was ihm passiert ist, was ihm wichtig war. Ob das jetzt die „Man in Black“-Geschichte war oder Geschichten aus seinem Leben …Das haben die Leute gemerkt, das war ehrlich – was zu der Zeit ja gar nicht so modern war. Da gab es ja die ganzen Gospelsachen und so, was alles ein bisschen weiter hergeholt war. Und das ist auch meine Sache. Ich will wirklich niemandem erzählen, dass ich jetzt sonstwas für einer bin – ich bin halt wirklich ein ganz normaler Musiker, der ein ganz normales Leben lebt. Und diese Ehrlichkeit, die verbindet mich mit Johnny Cash.

Das heißt, du schlüpfst auf der Bühne nicht in eine Rolle, sondern präsentierst dich so, wie du bist?

Richtig. Es ist ja bei vielen wirklich so, dass sie sich ein Alter Ego schaffen und auf der Bühne dann total anders sind als privat. Das könnte ich gar nicht, weil das – Bühnenpersönlichkeit und Privatperson – für mich irgendwo eins ist. Ich will die Leute begeistern – und das kann ich nur mit mir selber!

Das heißt, ich habe meine erste Frage zur Figur des Travelers im Grunde falsch gestellt. Der ist gar kein Alter Ego, sondern der repräsentiert wirklich nicht nur einen Teil von dir selber, sondern dich komplett …

Komplett, wirklich komplett, ja, genau. Das ist auch wirklich die Sache, die sich durch mein ganzes (Privat-)Leben zieht, mit dieser Rastlosigkeit. Und das ist auch etwas, was mich auch noch mit Johnny Cash verbindet. Und deswegen auch – dass die Stimme jetzt passt, ist ein Zufall, wenn sie denn passt … aber diese Lieder sprechen halt zu mir, und deswegen kann ich sie vielleicht auch ansprechend rüberbringen.

Das wäre jetzt meine nächste Frage gewesen, denn diese Ehrlichkeit, die du vorhin angesprochen hast, gibt es ja auch durchaus noch bei anderen Musikern. Bei Johnny Cash sprechen also auch vor allem seine Lieder zu dir …

Richtig, das gibt es auch bei anderen Sachen, zum Beispiel bei Neil Young – aber auf einer anderen Ebene. Neil Young verbildert ja mehr. Der sagt jetzt nicht: so-und-so-und-so ist es gewesen, sondern der sagt, die grüne Wolke hat geleuchtet weil das-und-das war. Der schafft sich da irgendwelche Welten drum herum, das finde ich auch sehr toll, und er ist auch ein ganz großes Vorbild für mich von seiner Musik her, aber nicht auf der Ebene wie Johnny Cash.

Hast du Neil Young-Songs in deinem Repertoire?

Ja, sogar eine ganze Menge. Und der dritte, der mich ganz groß interessiert …

… Das passiert, wenn man sich gut kennt: Du nimmst meine Fragen vorweg! Ich vermute, du wolltest jetzt einen Liedermacher mit den Initialen G.G. ansprechen…

(lacht) Ja …

Dann frag ich jetzt trotzdem noch einmal ganz offiziell! Neben Cash und Young hast du noch einen anderen musikalischen Helden, nämlich Liedermacher Gerhard Gundermann. In einer Mail an mich hast du mal geschrieben, dass die Frau, die du mal heiratest, Gundermann zwingend mögen muss, obwohl das eigentlich gar nicht ginge, denn mit Gundermann könne man entweder nichts anfangen – oder man müsse ihn lieben …. Ich gestehe, dass ich als deine zukünftige Frau nicht in Frage komme. Aber ich möchte gern mehr über deine Gundermann-Faszination wissen.

Ich fange mal ganz am Anfang an. Gundermanns Musik habe ich erst sehr spät kennengelernt, da war er schon tot. Ich war in Leipzig auf dem Bahnhof gewesen und hatte Zeit. Und da war ein Saturn-Markt, in den ich zum Zeitvertreib rein bin. Zu dem Zeitpunkt habe ich es immer so gehandhabt, dass ich CDs von Leuten, die ich nicht kannte, gekauft habe, wo mir die Aufmachung gefallen hat. Und das, was ich damals dort gefunden hab, war das „Krams“-Album von Gundermann gewesen. Das ist ein Live-Album von seinem letzten Konzert eine Woche vor seinem Tod, das wusste ich damals auch noch nicht – mir hat einfach die Aufmachung gefallen. Das war so grau und zum Aufklappen und so ein bisschen erdig gemacht, irgendwo, das fand ich cool, also hab ich’s mitgenommen – und bin dadurch in eine ganz, ganz neue Welt hineingekommen. Absoluter Wahnsinn! Ich hab die CD in den CD-Player meines Autos gelegt, es war eine Doppel-CD, dachte, hörst du mal in die eine ein bisschen rein … Ich hab die eine ganz durchgehört, die zweite ganz durchgehört, die erste noch mal gehört – und dann bin ich erst losgefahren. Natürlich hab ich dabei weitergehört. Wahnsinn! Der mal einfach mal Bilder mit seinen Worten – das geht überhaupt nicht, das ist absolut unglaublich. Zum Hintergrund muss man sagen, dass Gundermann ein sogenannter Großgeräteführer war, er fuhr so einen riesigen Braunkohlebagger, und hat halt vorneweg seine Lieder geschrieben. Da würde man ja jetzt gar nicht soviel Philosophie erwarten, drumherum, eher so eine Proletengeschichte …

Er durfte in der DDR ja nicht studieren beziehungsweise wurde exmatrikuliert, weil er sich nicht „systemkonform“ verhalten hat, und musste dann Hilfsarbeiten leisten, oder?

Richtig. Er wurde dann vom Volk ja als „einer von uns“ oder „singender Baggerführer“ stilisiert, was er gar nicht so wollte, aber man muss das wirklich würdigen, dass dieser Mann so total bodenständig war. Er war auch ein Biofreund, der war ganz ganz nah an sich und an der Erde dran. Es tat ihm zum Beispiel immer weh, wenn er seine eigene Heimat, über die er geschrieben und gesungen hat, mit seinem eigenen Bagger kaputtgemacht hat, das hat ihn auch bis zum Ende beschäftigt, das wollte er gern auch wieder irgendwie gutmachen. Das war eine absolute innere Zerrissenheit; und vielleicht ist es auch das, was mich so an Gundermann fasziniert, denn diese Rastlosigkeit, diese Ruhelosigkeit, die irgendwo in mir wohnt, ist nah an dem dran, was Gundermann auch mit seinen Liedern beschreibt. Das ist unglaublich. Also, es gibt so zwei, drei Lieder von ihm, die sind wie eine Offenbarung. Vielleicht vergleichbar mit – auch, wenn das jetzt blasphemisch ist – einer Bibelerfahrung. Ich lese die Bibel – und mir sagt sie überhaupt nichts. Aber es gibt Menschen, die lesen sie und finden sich da wieder und finden da die absoluten Antworten auf ihre Fragen. Und das ist für mich Gundermann. Ich finde da wirklich Antworten auf Fragen, die ich mir teilweise schon gestellt habe, teilweise vielleicht mal stellen sollte, teilweise vielleicht auch erst in ein paar Jahren dazu komme, wo er schon soweit war. Das ist unglaublich.

So eine Art musikalisches Erweckungserlebnis.

Ja, so kann man dazu sagen.

Bei Johnny Cash sagst du, fasziniert dich die Ehrlichkeit. Bei Gundermann fasziniert dich die Zerrissenheit …

Es ist einfach immer die Geschichte, wo ich mich selber wiederfinde. Dass ich mich selber identifizieren kann und das entsprechend auch für mich selber irgendwo umsetze – jetzt für mich selber innerlich umsetze, aber auch nach außen den Leuten gegenüber. Dass ich das kommunizieren kann, in Musik und im Dasein.

Heißt, du hast natürlich auch Gundermann-Songs in deinem Repertoire …

Ja.

Musst du dich in allem, was du in dein Repertoire nimmst, selbst wiedererkennen?

Nein, eigentlich nicht. Dann muss es mir einfach gefallen. Wie gesagt, Traveler ist einer Mucker-Geschichte. Das heißt, ich will damit Leute erreichen. Leute erreichst du, wenn du die aus ihrer Welt rausholst. Und aus ihrer Welt holst du die am besten raus – also, wenn sie schon mal so vor Konzertkulissen sitzen –, indem du ihnen ein gutes Gefühl gibst. Und das machen 1.) Melodien, 2.) einprägsame Texte und 3.) Gefühle. Wenn ein Lied mir das gibt, dass ich sage, oh, das nimmt mich jetzt selber mit, das kann ich jetzt umsetzen, dann nimmt es auch die Leute mit. Wenn ich das für mich entscheide, dass es … Anders: Wenn ich für mich eine Version finde, es den Leuten entsprechend wiederzugeben, dann spiel‘ ich das auch gerne. Es muss jetzt nichts sein, dass das tiefgründig ist, oder dass das mich widerspiegelt, oder dass das die Welt widerspiegelt – es muss mir einfach die Möglichkeit geben, es so wiederzugeben, dass ich Leute begeistern kann.

Du sagtest gerade: Wenn du eine bestimmte Version davon findest. Da frag ich mich – und das bitte ich jetzt nicht polemisch zu verstehen, ich schätze die Kunst der Interpretation sehr! –, ob du „nur“ Coverversionen in deinem Programm hast, oder auch eigene Songs …

Diese Antwort kann man vielleicht am besten zweiteilen. Erstmal ist es ja so – um wieder auf Johnny Cash zu kommen, der ja seiner späteren Frau June Carter gegenüber gesagt hat, „der Sound, den ich spiele“ – dieser stampfende, wilde Sound da –, „der ist einfach entstanden, weil wir nicht besser spielen konnten. Wir haben uns eine Möglichkeit gesucht, uns auszudrücken mit den Möglichkeiten, die wir haben.“ Und so spiele ich auch. Ich bin jetzt nicht der Gitarrenvirtuose. Ich habe mal angefangen, am Lagerfeuer Gitarre zu spielen und bin nie in die Nähe virtuoser Fähigkeiten gekommen. Deswegen habe ich mir eine Möglichkeit gesucht zu interpretieren – auf eine Art, die mir gefällt und die den Leuten gefällt. So. Deswegen ist das covern von mir eine Interpretation, die … ja: Wenn ich besser spielen könnte, würde ich anders spielen. Das ist die Coversache. Zweitens: Ich habe auch eigene Sachen, aber die sind dann wirklich ganz ganz persönlich und mir oft … ja, ich weiß nicht, ich fühle mich da manchmal ein bisschen verletzlich, wenn ich so etwas spiele, weil es eben wirklich meins ist. Und ich bin der Meinung, wenn dann das Publikum vielleicht sagt, hmm, das ist jetzt ja nicht so das Ding und was spielst denn du jetzt für ’nen Zeug da, dass mich das persönlich treffen würde. Deswegen spiele ich die ganz selten, nur, wenn ich mir sicher bin dabei. Das heißt, ich hab‘ jetzt wirklich auch eigene Sachen, aber die kommen selten zum Einsatz. Meistens gegen Ende eines Konzertes, dann hab‘ ich die Leute schon erwischt, dann sind sie froh, dass sie da waren und meine Freunde, und dann kriegen sie noch etwas Eigenes dazu. Da sagt ich auch, oh, ich bin nicht so sicher, ob euch das jetzt gefällt, es ist etwas Eigenes, aber wir versuchen das jetzt mal.

Und es gefällt ihnen …

Ich glaub schon, ja. (lacht)

Möchtest du in dieser Richtung weitermachen, hast du zum Beispiel eine CD mit deinen eigenen Stücken oder so etwas in der Art geplant?

Das ist immer so ein bisschen im Hinterkopf, auf alle Fälle! Aber da ist vielleicht der Punkt, wo mich dieses zweigeteilte Leben davon abhält, weil eben wirklich wenig Zeit da ist für die Musik – außerhalb von den Gigs an sich. Und deswegen komme ich auch gar nicht in die Verlegenheit, näher darüber nachzudenken, auch wenn es mich auf alle Fälle reizen würde. Es ist auch genügend Material da, was dafür vielleicht taugen würde, aber …

Vielleicht ist das eher ein mittelfristiger Plan? Du hast bei unserem Vorgespräch anklingen lassen, dass du dir gern einen Mac mit LogicPro kaufen möchtest – könntest du dir vorstellen, im Heimstudio eine CD aufzunehmen?

Das könnte passieren.

Über eine Traveler-CD würde ich mich auf jeden Fall freuen! Bevor du aber zum Traveler wurdest, hattest du ein Projekt namens Traumfänger. Gibt es den Traumfänger noch – wenn ja, was macht er, wenn nein, warum nicht?

Den gibt’s noch, den Traumfänger gibt’s! Das ist mein Herz- und Seelenprojekt. Wenn ich mir Lieder aussuchen kann, die ich gerne spielen möchte, dann sind es meistens die, die mir ganz ganz nahe gehen, weil die mir wirklich viel bedeuten. Die passen aber selten auf Traveler-Bühnen. Weil: Da will ich die Leute holen, sie begeistern, da will ich sie wirklich aus ihrem Alltag rausdreschen, dass sie mal zwei Stunden etwas anderes hören und sehen … Traumfänger, das ist eine ruhige Geschichte. Da muss man zuhören. Da sind Gerhard Gundermann-Sachen dabei, da sind auch mehr eigene Sachen dabei, da sind Liedermachergeschichten dabei – und das muss halt auch wirklich passen. Und da habe ich momentan auch nicht so den Ansatzpunkt, wo ich so etwas spielen könnte. Das ist mir aber ein sehr sehr liebes Projekt, und immer, wenn es die Möglichkeit gibt, mache ich das sehr sehr gerne.

Seit April 2012 gibt es jetzt aber auch noch ein anderes Nebenprojekt, nämlich Diamonds&Rust, ein Duo. Erzähl mir doch auch ein bisschen darüber!

Es war eines Abends … (lacht) … in den Tiefen von Chemnitz/Karl-Marx-Stadt … Da hat eine liebe Bekannte zusammen mit anderen einen Liedermacherabend im studentischen Rahmen organisiert. Und weil das eben eine liebe Bekannte ist, war ich im Publikum, um mir das Ganze mal anzuhören. Und da war eine andere Bekannte von meiner Bekannten auch mit im Publikum – nämlich Miriam Spranger, die in der Region bei uns schon einen gewissen Namen als Singer/Songwriterin hat. Und wir haben gesagt, versuchen wir doch mal, zusammen etwas aufzumachen! Haben uns gefunden, haben uns ein Projekt erarbeitet – eben Diamonds&Rust – und bringen das jetzt in unregelmäßigen Abständen auf die Bühne. Das ist ein Coverprojekt, aber eine sehr sehr interessante Geschichte. Eben dieses Diamonds and Rust! Wir haben nach einem Namen gesucht und festgestellt, dass sie eher eine kleinere, zierliche Person ist – ich nicht so. Sie ist von der Stimme und ihren eigenen Texten her sehr feinsinnig – ich bin dann eher die Rampensau. Wir haben einen Namen gesucht, der diese Unterschiede repräsentiert, dachten an Feuer und Eis, an … was weiß ich, Pommes und Ketchup – ach nee, das passt ja wieder zusammen! (lacht) Und haben wir gesagt, Diamonds& Rust. Das ist der Titel eines Liedes von Joan Baez, das uns beiden sehr gefällt, und dann passt das natürlich: Diamanten und Rost.

Und du bist der Rost!

Ich muss Rost sein, logisch. Wir haben es mal so umschrieben: Die Diamanten, also die wertvollen, seltenen Geschichten, die durch Miriam repräsentiert sind, durch ihre Texte, durch ihre feinsinnige Stimme, und Rost ist eher … jetzt nichts Schlimmes, aber eher etwas, das …

… angreift.

Naja, eher, was ein bisschen mehr Erfahrung widerspiegelt. Ich will mich ja nicht ganz so schlecht machen! (lacht wieder) Und ich bin dann eben der, der schon mal die eine oder andere Geschichte erlebt hat in der Richtung und der auch ein bisschen rauher loslegt … Eben so, als wenn man mit der Hand eine rostige Oberfläche streift. Ja, und das sind unsere Diamonds&Rust-Gegensätze. Vom Programm her – da muss ich sagen, Miriam hat auch einen gewissen Bezug zu Johnny Cash – machen wir viele Johnny Cash-Geschichten, wo sie dann die June Carter gibt, das klappt ganz gut, und darüber hinaus Sachen, die ihr ein bisschen was bedeuten, die mir ein bisschen was bedeuten … Wir haben beispielsweise DDR-Musik im Repertoire – wir stammen beide aus dem DDR-Lager –, wir haben ein bisschen was, wo die Leute mitgehen können, ein bisschen was, wo die Leute nachdenken können, und können das halt mit einem richtig breiten musikalischen Spektrum machen. Wir haben zwei Gitarren, wir haben zwei Stimmen, wir haben das Cajon, wir haben ein Keyboard stehen …

Du springst dann während der Show an Keyboard oder Cajon?

Das macht Miriam. Ich halte mich da zurück, das ist ihre Aufgabe, ich bleibe an der Gitarre. Wir können da richtig viel machen, das ist eine ganz coole Geschichte. Ein Beispiel, das mich selber unheimlich geholt hat beim letzten Mal war „Nothing Else Matters“, da gibt es ja diese Version mit weiblichen Vocals und Klavierbegleitung …

Von Lucie Silvas!

Ja. Wir haben das aber noch anders gemacht, wir haben nämlich die Klavierversion kombiniert mit der Gitarrenversion, wie man sie kennt. Das ist unglaublich geil geworden, das macht richtig Spaß dann!

Wenn du sagst, Diamonds&Rust haben Songs im Repertoire, die euch beiden etwas bedeuten – gibt es auch Lieder, wo der eine sagt, Mensch, das würde ich unglaublich gern spielen, das würde so gut passen, und der andere sagt, nee, damit kann ich mich aber sowas von gar nicht identifizieren, nur über meine Leiche?

Ja, ja, ja! Entschuldige Miriam, wenn du das dann liest – das muss ich jetzt sagen: Als Mann muss man ja zurückstecken bei solchen Geschichten. Man streitet sich ja nicht mit den Frauen. Und deswegen ist es so, dass wir dann zwei, drei Sachen, die ich gern spielen wollte, rausgelassen haben, weil Miriam überhaupt keinen Bezug dazu gefunden hat. Das ist auch nicht schlimm, das ist gut so, weil … wir wollen ja beide in den Leuten was bewegen. Und das geht halt auch wirklich bloß dann, wenn wir beide hinter den Liedern stehen. Das ist einfach mal so. Und deswegen mussten wir auch beide Abstriche machen bei dem, was wir da reinnehmen. Wir haben uns zusammengefunden mit einem schönen Programm – aber alles ging dann wirklich nicht so, wie das nur der eine wollte, der dann meistens ich war, der dann zurückgesteckt hat.

Du hast vorhin gesagt, Miriam wechselt zwischen den Instrumenten, du bleibst aber bei deiner Gitarre. Das erinnert mich daran, dass du die Gitarre mal als „phantastische Art, Gefühle zu teilen“ beschrieben hast …

Aha? Wirklich? Solche schönen Sachen sag ich? Ist ja cool. Mein Gott, bin ich gut! (lacht)

Worauf ich hinaus will: Du spielst neben der Gitarre auch noch eine Handvoll andere Instrumente, Mandoline, Klavier … oder? Warum ist es dann bei der Gitarre geblieben?

Musik, oder vielmehr: die Musik, die ich spiele, die kommt ja aus mir selber raus. Viele Leute haben da noch ein Medium in der Hand. Wenn sie Gitarre spielen, haben sie beispielsweise noch das Plektrum. Das mag ich zum Beispiel gar nicht. Ich spiele direkt mit den Fingern, mache mir da immer einen Fingernagel kaputt, weil ich irgendwo sehr druckhaft spiele, aber ich will das, ich brauch das – ich muss die Musik wirklich von mir direkt auf das Instrument übertragen. Deswegen fallen schon mal alle elektronischen Instrumente für mich weg, ich brauche etwas Akustisches.

Das heißt, du würdest auch keine E-Gitarre spielen?

Nee. Lehne ich ab. Ich find’s gut bei anderen, aber es ist nicht meins. Deswegen auch kein Keyboard. Auch wenn ich’s zu Hause stehen hab‘ – ich nehm‘ es für Aufnahmen, für Nebengeschichten, aber ich würde es nie, auch wenn ich es sehr gut könnte, auf der Bühne spielen wollen.

Dir selbst würde da die Unmittelbarkeit fehlen, verstehe ich das richtig, aber bei anderen …

Ja, zum Beispiel bei Bands wie Neil Young mit Crazy Horse oder bei Ten Years After – ich liebe diese E-Gitarren, die die da spielen! Oder auch bei Künstlern wie Slash oder Mark Knopfler – ich liebe diese E-Gitarren! Aber selbst wenn ich es auch nur annähernd so gut könnte, was ich nie im Leben können werde, würde ich sie nicht so gern spielen wie Akustikgitarren. Weil das wirklich das ist, was in allen Kleinigkeiten … wenn ich die Saiten nur leicht anstupse, dann machen sie einen ganz anderen Ton, als wenn ich da mit Gewalt rangehe … Ich kann über die Akustikgitarre ganz genau sagen, was ich jetzt ausdrücken möchte – und das ist mir unheimlich viel Wert! Das kann ich auf der Mandoline nicht, weil mir da einfach die Fähigkeiten fehlen. Das will ich auf dem Keyboard nicht, weil mir das einfach zu elektronisch ist. Das kann ich auf dem Schlagzeug nicht, weil … keine Ahnung, was man da ausdrücken kann, das macht halt nur Krach. Die Gitarre ist wirklich meins geworden.

Siehst du dich als Gitarristen, als singenden Gitarristen, oder eher als gitarrespielenden Sänger?

Also, auf jeden Fall nicht als Gitarristen, weil … Ich habe angefangen Gitarre zu spielen, da war ich fünfzehn Jahre alt. Wir waren beim Zelten und einer hat Gitarre gespielt – und die ganzen Mädels saßen drum herum. Mit fünfzehn dachte ich, okay, du musst jetzt anfangen, Gitarre zu spielen …

Der klassische Grund!

Also, was ich damit sagen wollte: Es war damals Lagerfeuerniveau. Es ist jetzt ein bisschen besser geworden, ich kann wirklich viel ausdrücken, dafür reicht es aus, aber ich bin kein Virtuose.

Dagegen bist du ein begnadeter Sänger …

Ich bin ein auszuhaltender Sänger … (lachen beide). Ich werde tatsächlich sehr oft für meine stimmlichen Fähigkeiten gelobt, und ich selbst bin auch der Meinung, ich mache das nicht ganz schlecht. Deswegen vielleicht eher: Sänger mit Gitarrenbegleitung. Es gehört für mich zusammen, ich könnte nicht alleine mit Stimme oder alleine mit Gitarre die Leute so holen, wie ich es gerne möchte, das geht halt wirklich nur in der Kombination.

Ich hatte ja zu Beginn unseres Interviews gesagt, dass ich finde, bei deinen Johny Cash-Sachen haben sich Stimme und Musik getroffen. Jetzt aber, wo ich dich deinen eigenen Song und das Gundermann-Cover habe singen hören, finde ich, dass dir die deutschen Sachen noch besser stehen. Gibt es für dich einen Unterschied zwischen deutsch singen und englisch singen? Warum schreibst du deutsch?

Ich schreibe deutsch und englisch. Dazu muss ich sagen, dass mich die Lieder, die ich schreibe, manchmal ein bisschen überrumpeln. Das beste Beispiel ist ein Lied, das heißt „Moments“. Ich habe es innerhalb von zwanzig Minuten auf der Autobahn im Kopf gehabt. Ich hatte das Fenster auf, es kam reingeflogen – ich bin heimgefahren und musste es nur noch aufschreiben. Es war einfach da. Und so ist das bei vielen Liedern von mir: Die sind einfach da. Vielleicht ist dann der Moment einfach reif, die Zeit da für dieses Lied, aus irgendeiner Geschichte heraus, aus irgendeiner Person heraus, aus einer Erfahrung heraus, und dann ist das da. Und dann ist es egal, ob es deutsch oder englisch ist. Das Wichtige dabei ist, dass es aus mir kommt – oder aus einem bestimmten Grund zu mir kommt. Und so ist das auch mit den deutschen Liedern: Das sind Lieder in meiner Sprache, ich kann mir vorstellen, was der Künstler damit sagen wollte. Und wenn ich mir schon nicht vorstellen kann, was der Künstler sagen wollte, oder wenn ich eine falsche Vorstellung habe, dann habe ich doch zumindest eine eigene Geschichte dazu. Und deswegen ist es vielleicht auch die Authentizität, die mir so wichtig ist, die da noch besser rüberkommt.

Die man in der Muttersprache eher finden kann …
Ja, richtig. Mein Englisch ist nicht schlecht, aber es gibt ja immer so Spitzfindigkeiten in der Sprache, die man nur als Muttersprachler hat. Und dass das im Deutschen besser rüberkommt, könnte ich mir vorstellen. Zum Beispiel bei Gundermanns „Der Narr“, das berührt ja diese Traveler-Geschichte …

Ja, durch alle drei Lieder, die du gespielt hast, zieht sich das als roter Faden: Da hatten wir erst das Verletztsein, dann das Fernweh und zuletzt dieses Unstete, was sich unter der Narrenkappe verbirgt …

Und das ist genau die Geschichte: Dass mir halt die Lieder irgendetwas sagen müssen, was mich selber betrifft – oder was aus mir spricht. Und „Der Narr“ ist wirklich eins von den Liedern Gundermanns, die mir am meisten sagen. Das ist jetzt kein gutes Gundermann-Beispiel, denn eigentlich schreibt er ja mehr über Sachen, die in seine Zeit gehören, die ihn selber irgendwo betreffen, und das ist ja so ein bisschen aus der Zeit gerissen – aber es gehört wirklich zu denen, die mir am meisten bedeuten.

Hast du diese drei Lieder extra für unser Treffen ausgesucht und motivisch aufeinander abgestimmt, oder beinhalten Lieder, die dich bewegen, generell dieses Traveler-Motiv?

Nee, nee. Ich habe sehr viele Lieder, die dieses Thema zumindest vordergründig nicht haben. Aber ich wollte heute etwas spielen, das mir viel bedeutet. Und es ist auf jeden Fall so, dass diese Lieder, die in den roten Faden reinpassen, weil der rote Faden ja aus mir kommt, dass das also die sind, die mir am meisten bedeuten. Deswegen ist es bestimmt kein Zufall.

3. September 2012

Seelenfutter für Tagträumer und Sich-
Fallenlasser: die neue Victoriah’s Music ist da

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Lina Liebhund war gerade viereinhalb Wochen bei mir – und hatte in dieser Zeit schon vier Konzerte absolviert: Solch eine hohe Frequenz habe üblicherweise nicht einmal ich, sind Konzertbesprechungen in meinem Alltag doch eher die Kür, wo Plattenbesprechungen die Pflicht sind. Lasse Matthiessen aber, den ich gerade erst im Juli in Leipzig gehört hatte, ist es gelungen, mich – und eine sich unmittelbar vor Konzertbeginn im nahegelegenen Park in Kacke gewälzt habenden und dann notdürftig unter einem Hinterhofswasserhahn gereinigten, aber immer noch stinkenden Lina – zu seiner Show ins b-flat in die Rosenthaler Straße zu locken, was aber zugegebenermaßen nicht sonderlich schwer war, da mich der melancholische Poet vorher schon mit seiner Musik verführt hatte. Um die bzw. seine neue Platte Dead Man Waltz geht es dann auch in der aktuellen Ausgabe von Victoriah’s Music auf fairaudio.de.


Schöne Dinge kommen in schönen Briefen.

Verführen lassen können Sie sich aber auch direkt hier mit einem Live-Mitschnitt von Matthiessens Dead Man Waltz aus dem b-flat. Trotz des Lina-Debakels war es ein wunderschöner Abend!

Sie wollen den Singer/Songwriter auch live in Berlin sehen? Das ist kein Problem, wenn Sie noch etwas Geduld haben: Am 25. November spielt der sympathische Däne im Roten Salon.

Um sich von pupsenden Blasinstrumenten verwirren, von verjazztem Traditionsliedgut bezaubern und vom x-ten Nina-Simone-Tribut ärgern zu lassen, brauchen Sie allerdings keine Geduld, denn all das und mehr – wie etwa das Erreichen der nächst-höheren Chill-Ebene, die das Wohnzimmer, egal welchen Möbelstil man persönlich auch immer bevorzugt, plötzlich in einen Ort voller Rattanliegen, Seegraskörbe und weißer Hochflorteppiche verwandelt – erwartet Sie mit den neben Dead Man Waltz in Victoriah’s Music besprochenen sieben anderen Platten. Das sind diesmal

  • Esther Kaiser & Claus-Dieter Bandorf | Sternklar
  • Erika Stucky | Stucky Live (1985 – 2010)
  • Josete Ordoñez | Piedras y Rosas
  • Malia | Black Orchid
  • Sophie B. Hawkins | The Crossing
  • Chilly Gonzales | Solo Piano II
  • Various Artists | Electrospective. Electronic Music since 1958


Sophie B. Hawkins ist zurück und hat ein Cello im Gepäck

Lesen können Sie das Ganze wie immer hier auf fairaudio.de, Ihrem Lieblings-Online-HiFi-Magazin. (Nach-)Hören müssen Sie aber selber.
Viel Freude dabei und einen tollen Start in den meteorologischen Herbst wünscht
Ihr Klangverführer

7. August 2012

Klangköpfe # 2: Das schreibt sich schon am Leben entlang. Singer/Songwriter Jo_Hannes zwischen Ur-Momenten und alter Achtspur

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Jo_Hannes und ich liefen uns erstmals im Frühsommer 2011 digital über den Weg. Ja, wir kennen uns von Facebook – dabei wohnen wir an den gegenüberliegenden Ufern des Weißen Sees und treiben uns, mehr oder minder, in denselben Konzerten herum. Eigentlich sollten wir uns schon längst begegnet sein.

Das haben wir seitdem gründlich nachgeholt, ob Jo_Hannes nun in meiner Küche saß, sich mit Nudeln bekochen ließ, Kopfhörerhund mit Fisch fütterte und mir von seinen 12 Gitarren erzählte, oder wir samt Frau (er) und Hund (ich) ausgingen, um die wunderbare Illute – und einige weniger wunderbare Künstler – spielen zu hören, deren Album Immer kommt anders als du denkst Jo als „lebensrettende Platte“ bezeichnet hat. Treue Klangblog-Leser wissen spätestens jetzt, von wem hier die Rede ist. Bei der Gelegenheit möchte ich mal etwas richtig stellen: Nein, das hier sind nicht meine Eltern. Es ist Jo_Hannes samt Frau und Kopfhörerhund und mir.

Jo geistert aber nicht nur ab und zu durch den Klangblog. Sein (digitales) Alter Ego jo_berlin war bis vor Kurzem selbst im Netz aktiv – und seine Lieder berührten dort Herzen und Hirne – unter anderem meine. Ob es um die selten treffende Lichtenbergbeschreibung Zusammen (unter einer Decke) geht, um das vom Nietzsche’schen Diktum „Werde, der du bist“ inspirierte, wunder-wunderschöne Wunder dieser Tage oder Novemberticket, das durch sein unendlich zärtliches Gitarrenspiel besticht; ob Du schreibst nicht mehr, das auch eines der Schmittke-Lieder sein könnte, das genial postproduzierte Aus allen Wolken oder die bitterböse Abrechnung Ganz einfach – ich vermisse die Lieder von jo_berlin, wo schon mal in der Küche ein Beil liegt und der Bus, wie im wirklichen Leben, sein Boot ist. Denn mit dem Verschwinden von jo_berlin aus dem Netz entziehen sich auch seine Lieder dem öffentlichen Zugriff. Das gehört meiner Meinung nach geändert, und ich bin froh und glücklich, dass ich einige von ihnen in einer ganz privaten Akustiksession wieder einfangen durfte. Lina Liebhund, mittlerweile weithin konzerterprobt und auf Menschen mit Gitarre positiv konditioniert, war übrigens auch dabei.

Meinen jo_berlin-Lieblingssong Zusammen spielt Jo_Hannes allerdings nicht mehr. Das ist aber nicht schlimm, denn es ist ihm gelungen, mir stattdessen einen neuen Lieblingsfloh ins Ohr zu setzen, der eigentlich schon ein ganz alter ist: Forbidden Land mit seinem unwiderstehlichen „Time is a painter/to paint it on you“-Refrain aus Jos Grunge-Phase Mitte der Neunzigerjahre. Versuchen Sie mal, dieses Lied wieder loszuwerden: Keine Chance!

Warum er Zusammen nicht mehr spielt, weshalb der Lebenszyklus seiner Songs ganz allgemein inhaltsbedingt ist und was aus jo_berlin geworden ist, können Sie in diesem Interviewportrait nachlesen. Dazu gibt es nicht weniger als sechs Songs, vom Stevie-Nicks-Cover über Jos englische Phase bis hin zu, natürlich, den jo_berlin-Songs. Und wenn Sie dann die Lust überkommen sollte, mit ihm Musik zu machen, schreiben Sie ihm einfach eine Mail hierher, denn Jo sucht zurzeit einen musikalischen Side-Kick. Sie wird definitiv gelesen und weitergeleitet. Erst einmal aber viel Spaß mit dem am 22. Juli geführten Interview!



Klangverführer: Meine erste Frage ist ein bisschen off-topic – und wenn du willst, auch off-record : Als wir den Termin für dieses Interview vereinbart haben, hast du mir erzählt, dass der 22. ein besonderer Tag für dich ist – und nun bin ich natürlich neugierig, warum das so ist.

Jo_Hannes: Weil ich am 22. geboren bin, im Februar, und die Zahl in meinem Leben immer wieder in verschiedenen Zusammenhängen auftaucht. Meine Ehemalige hatte am selben Tag Geburtstag wie ich, wir haben in der Nummer 22 gewohnt in der Irenenstraße Lichtenberg … Meine jetzige Lebensgefährtin hat am 22. Mai Geburtstag, und ich bin auch fest davon überzeugt, dass der 22. Oktober der Tag sein wird, an dem unser Kind geboren wird! Diese Zahl taucht einfach immer wieder auf, es ist halt eine Schnapszahl, und dass sie für mich diese Bedeutung hat, hat sich so ergeben, bis hin zu Dingen wie beispielsweise … Als es die Domain zweiundzwanzig.net gab, da haben wir die wildesten Spielchen gemacht, zum Beispiel ein riesengroßes Fotoalbum, wo alle Hausnummern 22, die uns in Berlin unterkamen, drin waren und dann irgendwelche Dinge dazu spintisiert, aber auch recherchiert, was da tatsächlich stattgefunden hat. Es hat sich so eingeschliffen, mit der Zeit. Heute hat es auch nicht mehr die Bedeutung, die es mal hatte, aber die 22 ist eben einfach immer noch da.

Dann hoffen wir mal, dass sie auch ein gutes Omen für dieses Interview ist. In dem soll es ja nicht um Schnapszahlen gehen, sondern um deine Musik. Du bist ja als jo_berlin schon so manches mal durch meinen Blog gegeistert – allerdings nicht nur durch meinen, sondern vor allem auch durch deinen schönen MySpace-Blog, der seit einiger Zeit nicht mehr online ist. Und genau darum bin ich hier, denn ich will wissen, was ist aus jo_berlins MySpace-Seite geworden, was aus den Liedern, die man da hören konnte, kurz: Was ist aus jo_berlin geworden?

Ja, das ist ein bisschen indifferent, weil jo_berlin ist entstanden, als ich 2004 hierher gezogen bin. Mit den deutschen Texten ging es schon ein bisschen vorher los, aber so richtig hat das erst hier angefangen und war eigentlich längst überfällig: Für einen Nicht-Native-Speaker, der nur Englisch singt, ist das ab irgendeinem Punkt grenzwertig. In der Band, in der ich gespielt hab, kam zwar der Gitarrist aus Manchester, mit dem habe ich Sachen überarbeitet, aber es ist dann doch eine andere Art, sich in der Muttersprache auszudrücken. Ich habe noch in meiner alten WG in Gustavsburg (Hessen) so einen Ur-Moment gehabt, als ein Stück entstanden ist, das diese Zeit dort, diese Menschen und das alles beschreibt … Es heißt Die Torte. Wir haben damals mit dem Trio den letzten Auftritt gehabt, und meine damalige Freundin kam aus Berlin mit einer riesengroßen Torte, auf der Portraitfotos und so drauf waren. Jedenfalls, der Gig ist ausgefallen, weil diese Location an dem Abend feuerpolizeilich nicht zu bespielen war, und dann sind wir eben mit ich-weiß-nicht-wie-vielen Leuten in der WG bei uns eingefallen und haben dort ziemlich getagt, und am Ende hat sich dann irgendwie der Satz ergeben „Die Torte ist gegessen, doch es kommt immer noch Besuch“, und daraus ist ein Stück geworden. Es gab daraufhin so ein Echo, und die Beteiligten haben alle gesagt, warum machst Du das in Zukunft nicht immer auf deutsch? Früher habe ich immer gedacht, deutsch zu singen ist ganz ganz schwer. Es gibt ein paar Lieder, die echte Ikonen sind, wo das ziemlich gut gelingt, und es gibt ein paar Leute, die ich ziemlich mag für das, was sie mit Musik im Zusammenhang mit deutscher Sprache machen, das komplette Spektrum von Heute hier, morgen dort bis zu Nils Frevert, der ganze Weg ist damit mal abgeschritten, aber für mich selbst hatte ich lange nicht das Gefühl, dass das in irgendeiner Form funktioniert – und das hat sich mit diesem Stück aber gelegt.

Und dann habe ich mit Mac, einem ganz alten Freund, der bei uns in den Bands immer als Ersatzgitarrist am Start war und mich in dem Trio auch manchmal auch an der Gitarre verstärkt hat (denn wenn man Gitarre spielt und dazu singt, wird es einfach dicker, wenn man noch einen zweiten Mann mit auf die Bühne stellt!), mit dem habe ich dann jedenfalls im Proberaum ganz locker angefangen, er hat gespielt, und ich habe geschrieben, während er gespielt hat, und innerhalb von drei, vier Wochen hatten wir dann drei, vier Songs fertig, die wirklich etwas hatten, das mich selbst überrascht hat. Eigentlich ist es schade, das von diesem tollen Moment nur das Nie mehr geblieben ist, da spielt er auch Gitarre. Als ich dann hierherkam, war jedenfalls klar, wenn, dann nur in der Muttersprache, und die Sachen, die dann über die Jahre in der Irenenstraße mit der Achtspur entstanden sind, die sind alle davon geprägt, dass es ein totaler Einschnitt war: dass sich mein Leben völlig verändert hat mit dem Hierherkommen, die ganze berufliche Situation anders war und überhaupt alles, was da so auf einen einströmt. Es war ein Teil davon, das alles zu verarbeiten. Zum Beispiel die Lichtenbergbeschreibung Unter einer Decke, da fließt das alles so ineinander mit den privaten Sachen, es war halt eine sehr bewegte Zeit und ich habe mich darüber ausgedrückt. Es ist schade, dass diese Sachen live einfach nicht kompatibel waren.

Und der Blog, nach dem du gefragt hast, ist so entstanden, dass da 2007 diese MySpace-Seite schon herumstand und das dort irgendwie vorgefertigt ist, und ich dann 2010 in der Trennungsphase von meiner damaligen Freundin einfach weit weit weit auf mich selbst zurückgeworfen war und versucht habe anzufangen, solche Dinge wieder zu tun, die in den Jahren vorher hinten runtergefallen sind, und da gibt es für mich eben nicht nur die Musik, sondern da gibt es auch das Schreiben. Und dieser Blog war in erster Linie eine Fingerübung, in zweiter Linie dazu das, das raus zu tun, was einen da umtreibt und was man in irgendeiner Art und Weise auch loswerden muss, um nicht an die Wand zu springen – und die Musik dazu hat sich immer ergeben! Zum einen über die Musikschelme von Radio Eins, da ist es teilweise passiert, dass ich da gesessen bin und etwas gedacht habe und die haben etwas gespielt, was exakt darauf passt, oder umgekehrt, dass ich Sachen gehört habe und die dann wieder Gedankenflüsse ausgelöst haben, die da im Blog aufgeschrieben sind. In erster Linie war das aber wirklich eine Fingerübung, ein Tagebuch, für die Leute, die in dieser Zeit ziemlich Anteil genommen haben, die aber dann doch nicht vor Ort sind. Die haben mich von überall begleitet, und bevor man dann 25.000 Mails oder Briefe verschickt, schreibt man dann so’n Ding. Da kamen dann auch Reaktionen, da rief mal jemand an. Den Zweck hat es erfüllt, und das ist auch der Grund, weshalb ich es rausgenommen habe, weil das einfach vorbei ist, die Phase ist rum und in dieser Form nicht mehr wichtig. Es ist dokumentiert, ich hab die Texte noch da, schließlich sind das so ein paar Kerndinge, die mich immer noch begleiten, von daher ist das nicht verloren, aber rausgenommen aus dem Netz einfach, weil es nicht mehr aktuell ist.


Küchenkonzert

Aber mit Verschwinden des Blogs sind ja nicht nur deine Texte, sondern auch die Musikstücke von jo_berlin verschwunden. Viele Leute, die mit Myspace nicht mehr zufrieden sind, gehen dann zu, was weiß ich, bandcamp oder reverbnation oder eröffnen einen Soundcloud-Account, während man die jo_berlin-Sachen ja gar nicht mehr im Netz findet, was ich persönlich als einen Jammer betrachte! Heißt das, jo_berlin war ein Projekt, das jetzt vorbei ist, oder ist jo_berlin schon ein bisschen mehr, eine Art alter ego?

Es ist ein Projekt gewesen, das mich ja nicht nur allein betrifft, sondern dass ich auch mit dem Tom geteilt habe, einem alten Zivildienstkollegen aus Aachen. Tom Enge firmiert mit seinem One-Man-Dancemusic-Projekt unter Boneanswer, ist für mich aber vor allem jemand, der mich geprägt hat. Als ich nach dem Abitur zum Zivildienst nach Aachen gekommen bin, hätte ich schon nicht mehr mit Musik irgendwo angeknüpft, wenn es ihn nicht gegeben hätte. Da gab es so einen magischen Sonntag, als ich in das Pflegeheim kam, er hatte Wochenenddienst in der Hausmeisterei und saß da unten mit seiner Gitarre und einem kleinen Verstärker aus der Werkbank, und er hat da Sachen gemacht wo ich dachte, woah, was ist das denn, das möchte ich bitte auch können! Und sich dann so viele Jahre später wieder zusammenzusetzen, das war 2007 mit Zusammen, wir waren in Holland im Urlaub und sind dann bei ihm vorbeigefahren und haben das irgendwie gespielt, und innerhalb von einem Tag hat er das durchproduziert, und wir haben gemerkt, okay, das tut, und haben das dann so ein bisschen weiterverfolgt, aber … Ein „Ein-Jahrprojekt“ trifft es wohl am besten, wobei ich gar nicht sagen würde, es ist tot, denn Songs wie das Novemberticket und so, die werde ich mit Sicherheit auch weiter spielen, aber der musikalische Ansatz muss ein anderer sein. Meine Priorität liegt einfach darauf, das in Zukunft nicht mehr für mich, fürs stille Kämmerlein oder das Internet zu machen, sondern auch tatsächlich wieder aufzutreten. Das habe ich jetzt bei der Hochzeit, wo ich gespielt habe, gemerkt: Vor Leuten, die das wollen, was du da machst, das ist immer etwas ganz anderes; und ich habe da seit 2004 eine Riesenlücke, die ich gern demnächst wieder schließen würde.

Wenn du jetzt beschreibst, dass dein Blog und die jo_berlin-Lieder eigentlich eine Art Therapie waren, um Dinge, die passiert sind, zu strukturieren und zu verarbeiten, kann man dann davon ausgehen, dass sich der Privatmensch Johannes R. zu hundertprozent in jo_berlin spiegelt? Das käme für mich dem Anspruch von Wahrhaftigkeit in der Popmusik, den ich immer formuliere, dann schon sehr nahe …

Ich kann natürlich nur etwas schreiben, was in mir ist, was mich selber bewegt. Was ich selbst entwickle, das schreibt sich schon am Leben entlang. Manche Sachen sind aber auch ein bisschen weiter weg, zum Beispiel … das Stück, was du in der Vorbesprechung gemeint hast, wo es um Klischees ging, „muss sich niemand dafür schämen, dass heute wieder Kinder frieren“, das war so ein Satz, der wurde mir heftig vorgeworfen, dabei ist das tatsächlich so ein Ding, das entstanden ist, als so ein komischer Winter war, ich habe mich damals gerade in diese Busfahrerei hineingefummelt und angefangen, Berlin noch einmal aus einer komplett anderen Perspektive zu sehen, mit all dem Elend und jeder Sorte Krankheit, die da unterwegs ist, und allem, und deshalb ist es etwas gewesen, das mich beschäftigt hat, auch wenn diese sozialkritischen Sachen ja immer schwierig sind und so einen seltsamen Überbau haben, habe ich einfach versucht, das da hinzutun, mir gefallt das vom musikalischen sehr sehr gut – dass der Text „drüber“ ist, weiß ich selbst! Aber, da hat sich auch wieder gezeigt, es ist nicht alles authentisch bzw. autobipographisch, was ich schreibe, da gibt es manchmal Worte oder Sätze, die sich einfach einpassen und die in irgendeiner Art und Weise einfach eine Stimmung mitnehmen. Bei dem Nie mehr zum Beispiel ist das „an einem viel zu hohen Haken/hängt bedeutungslos ein Seil/fällt im Dämmerlicht ins Auge/in der Küche liegt ein Beil“. Im Zimmer bei einer bestimmten Beleuchtung hing eben noch die Strippe von einer Lampe runter, kurz vor’m Auszug, alles liegt brach, und dann guckt man da so drauf, das hatte schon was Galgenartiges! Und dann sind halt plötzlich solche Sätze da. Und ich habe mir irgendwann angewöhnt, die einfach aufzuschreiben, und manchmal ist das dann der Haken, an dem man einen ganzen Song aufhängt! Ich schreibe grundsätzlich relativ direkt auf Musik, die ich vorher aufnehme …

Das heißt, die Musik ist zuerst da?

Ja, ich kann es eindeutig andersrum nicht. Ich habe es diverse Male versucht, komplett fertige Texte zu vertonen, das geht für mich gar nicht. Die Musik wird aufgenommen, Ideen werden dokumentiert, und wenn sich dann eine durchsetzt, auch von der Struktur und vom Arrangement, dann setze ich mich wirklich mit der Achtspur hin, Mikro vorne dran, Block, Stift, und dann geht das fließend. Die meisten Sachen sind relativ kompakt gearbeitet, das heißt, wenn die Musik da ist und ich einen Text schreibe, dann versuche ich, das nicht zu unterbrechen, das kann auch schon mal ein oder zwei Tage am Stück dauern, wo hier dann auch die Tür zu ist. Je länger irgendwelche Pausen dazwischen sind, desto mehr verändert sich das, und häufig ist es so, dass es dann auch wieder wegkippt, weil diese ursprüngliche Stimmung einfach nicht zu erhalten ist.

Aber im Ganzen würde ich sagen, dass die jo_berlin-Sachen nicht tot sind, sondern es gibt welche, die sind nicht mehr aktuell, da habe ich den Bezug nicht mehr dazu, und es gibt welche, die werden weiter erhalten. Die Frage, die im Moment im Raum steht, ist eher, wie und auf welcher Plattform das weiter passiert. Mein sehnlichster Wunsch ist, dass es irgendwann mal einen Sidekick gibt. Es ist völlig egal, was für ein Instrument; ich habe beispielsweise eine Nachbarin, die ziemlich musikalisch ist, die kommt aber eher aus der klassischen Ecke, und wir jammer hier manchmal so rum, mit dem Akkordeon oder der Melodica, wie bei Wunder dieser Tage, das sind dann einfach diese drei Chords, die das Ganze rund machen, die das noch ein bisschen farbiger machen. Und das braucht es einfach, um die Sachen live aufzuführen, weil ich … ich bin nicht Ani DiFranco! Ich bin kein gelernter Gitarrist, dieses Instrument war immer Vehikel, und nach dreißig Jahren kann man es halt soweit, dass man Dinge umsetzen kann, aber ganz alleine ist mir das zu wenig.


Jo spielt. Lina lauscht.

Was ich jetzt auch bei der Hochzeit gehört habe, als ich diese Cover-Sachen gemacht habe mit einem alten Freund und Studienkollegen, der ad hoc in der Lage ist, zweite Stimmen zu singen, das sind wirklich Gänsehautmomente, wenn zwei Leute sich dann auch tonal auf die Art und Weise ergänzen, dass man das Gefühl hat, hier wird es gerade stimmig. Mit diesem Fokus mache ich die Sachen, die ich jetzt gerade mache, die Songs die ich gerade neu schreibe: Dass ich in der Lage bin, das umzusetzen, aber dass dann, wenn noch jemand dazu kommt, der das noch ergänzt, es dann in einer kleinen smoothen Angelegenheit auch einfach live umzusetzen ist, ohne dass man jetzt … Wie gesagt, Band ist immer so ein Ding, das wird auch gleich ein großer Transport und ein Haufen Kram, und vier Leute zu organisieren ,das sehe ich gar nicht. Sondern ein Format mit noch einem weiteren Menschen, der idealerweise auch mehrere Sachen kann, sich auch mal auf das Cajon setzt und einfach einen Rhythmus vorgibt oder so etwas in der Art. Was genau, da bin ich völlig offen.

Wenn du diesen Sidekick gefunden hast – soll das immer noch unter dem Etikett jo_berlin laufen oder bricht dann eine neue Zeitrechnung an?

Das weiß ich nicht. Ganz ehrlich, das kann ich noch nicht sagen. Auch unter der Berücksichtigung der Frage vorhin, was da im Netz steht bzw. nicht mehr im Netz steht und wie das im Netz steht … Ich finde das auch schade, dass die jo_berlin-Sachen so verlorengehen. Ich habe aber angefangen, meine Technik mal wieder auf einen neueren Stand zu bringen und kann schon so viel sagen: Es wird eine Website geben, die dann unter jo_berlin läuft oder auch unter was anderem …

Diese Sozionauten-Geschichte?

Ja, das ist eine Domain, die ich schon ziemlich lange habe und die ich dafür gegebenenfalls reaktivieren werde, das ist der Gedanke, mit dem ich im Moment spiele; aber auch diese jo_berlin-Sachen würde ich dort durchaus ins Archiv packen, denn es geht mir darum, dass das auch zugreifbar ist für Leute, die das mögen, die das hören wollen und das Ganze einfach auch frei ins Netz zu stellen – wie das Netz halt gestrickt sein sollte, das ist schon die Idee dabei! Ich hatte ein ganz witziges Erlebnis bei dieser Hochzeit gehabt: Wir haben damals zum vierzigsten Geburtstag des Bräutigams mit dem Trio im Wohnzimmer gespielt, richtig mit Kontrabass und so. Die Familie stammt ursprünglich aus Goa, er ist Inder, und das war vor acht Jahren das letzte große Fest, wo seine ganze Familie aus Indien hierherkam. Und als wir jetzt auf seiner Hochzeit gespielt haben, habe ich einen von diesen alten Songs allein gemacht. Später in der Nacht stand ich am Tresen, und dann kam der Cousin des Bräutigams und meinte, „It was so nice, I know this song, we kept the CD that you gave to us eight years ago and we are still listening to it”. Und das war so ein Moment, wo ich dachte: Das ist genau das, warum man das macht. Der Gedanke, dass irgendwo in Bombay Menschen sitzen, die man einmal getroffen hat, und die sich das ab und zu mal im Wohnzimmer auflegen, weil sie da Lust drauf haben – das ist ein ziemlich schöner Gedanke! Und es mit den Sachen wieder dahin zu bringen, dass sie verfügbar sind, dass sie greifbar sind und jeder damit machen kann was er will … Für neue Sachen würde ich das schon einschränken, dass es nämlich ein Traum wäre, das nicht mehr nur selber zu produzieren und offen ins Netz zu stellen, sondern vielleicht den Schritt weiter zu gehen und im Studio mal zu arbeiten und das gegebenenfalls zu verlegen … Das wäre der Traum, aber das ist im Moment ganz ganz weit weg.

Im Moment suchst du also erstmal, wenn ich dich richtig verstanden habe, einen Mitstreiter für Live-Auftritte – oder auch mehrere Mitstreiter?

Ich bin da nicht limitiert! Ich nehme auch eine eingespielte Rhythmusgruppe, die sagt, das finde ich toll. Und mit Sicherheit wäre es auch dem, was ich im Moment mache, der Idee, näher, wenn es jemand wäre, der Percussion macht, und jemand, der einen Kontrabass spielen kann, als jetzt ein „vollwertiger“ Schlagzeuger und ein E-Bassist – aber auch das! Denn so sind diese Trio-Sachen entstanden, die wir damals gemacht haben, aus Songs von mir, die schon da waren, und dann haben wir im Proberaum gestanden und das Ganze schneller gemacht und das klang auch – weil eben die beiden so gut miteinander konnten und ich mich da nur noch draufsetzen musste. Ich bin da relativ offen. Aber aus der Erfahrung heraus würde ich sagen, der Bandansatz – verstärkt und laut – ist einfach auch mit so vielen Umständen verbunden, angefangen beim Proberaum. Zudem ist Berlin randvoll mit so vielen Auftrittsgelegenheiten, ob das nun beim Achim (gemeint ist Seuberling mit Sepp Maiers 2Raumwohnung, die Red.) ist, ob das nun im Zimmer 16 ist, wo man eben genau die Sorte Musik, wenn man sie halbakustisch spielt, ziemlich gut präsentieren kann und das finde ich auch so ganz ganz toll, dass man hier das bekommt, was sonst so schwer zu generieren ist: nämlich ein Publikum, das sich auch auf fremde Sachen einlässt, das eben genau das will und das auch entsprechend reflektiert. Die Idee, die Konzeption geht also tatsächlich schon genau dahin, die kleine Bühne entsprechend zu bespielen. Das muss dadurch nicht weniger Druck haben.

Es kann also gern eine Rhythmusgruppe sein. Auf der anderen Seite: Wenn jemand da ist, der, keine Ahnung, Akkordeon, Geige, Trompete, was-auch-immer spielen kann … Das sind alles so viele Farben, und ich hab es auch immer so gehalten, dass Leute kamen, die irgendetwas beigesteuert haben, und man sieht schon relativ schnell, wo das hinpasst und welche Richtung das nimmt, und in dem Moment macht man es halt auch zusammen. Es ist nicht meine Idee zu sagen, hier ist die Vorgabe, so muss das klingen! Sich die Songs auch wieder mit anderen zu erarbeiten, das ist es, was es am Ende ausmacht.

Um nochmal auf die Rhythmusgruppe zurückzukommen: Du hast mir geschrieben, die Trio-Formation sei, ich zitiere, „nun mal immer noch die einzige ehrlichste, ursprünglichste und arschgeilste Rockbesetzung“ …

Da war aber das Wort „Rock“ relevant. Das hat einfach damit zu tun, dass ich in einer Zeit großgeworden bin, wo es auch unglaublich viel Pompöses gab, von Kansas über Styx und wie sie alle hießen, diese große Oper eben. Wir haben Meat Loaf geliebt und die dicke Inszenierung, aber was mir jedesmal, bis heute, die Schuhe auszieht, ist eine brottrockene, richtig kantige Trio-Besetzung, die das dann halt rüberbringt. Ich will jetzt Hendrix gar nicht anführen, sondern meine Urerlebnisse in den späten Neunzigern und frühen Nullerjahren: Chris Whitley. Das ist ein Texaner aus Austin, ein ganz spilleriger Kerl, der spielt Resonator-Gitarren, bzw. hat sie gespielt, denn er ist leider vor ein paar Jahren mit nur 45 an Lungenkrebs gestorben, und der hat seine Gitarre auf eine Art und Weise bearbeitet, wie ich das vorher noch nie gesehen habe, mit roher Gewalt, mit offenen Stimmungen … Der konnte live auftreten, alleine, mit einem DJ, mit einer Band – ich glaube, ich hab ihn zehn, zwölf mal live gesehen, einmal nur mit ‘nem Brett, mit ‘nem Tonabnehmer drunter und ‘nem Holzklotz, wo er sich selbst mit dem Holzschuh den Beat drauf gegeben hat … das hatte eine irrsinnige Kraft! Und dieses Ursprüngliche, was der macht oder gemacht hat, war einfach nicht dazu ausersehen, filigran zu sein, sondern da quietscht und knackt und knarrt es. Ein anderes Urerlebnis mit einer Trio-Besetzung waren Police, wo ich gemerkt habe, was mit drei Leuten so passiert. Und wenn man das dann selber macht … Wir haben früher ja auch zu fünft Rock gespielt. Aber als das dann zu dritt losging, habe ich gemerkt, was das für eine komfortable Position ist für einen Gitarristen – jetzt mal den Gesang außen vor gelassen –, sich einfach auf so ein … das ist wie ein Surfbrett, auf das du dich drauf stellst. Eine gut rollende Rhythmusgruppe ist … da kannst du fast nichts mehr verkehrt machen! Und in manchen Momenten gibt es da Felder, wo man losgelegt und sich angeguckt und dem irgendwie nachgespürt hat, denn das ist nicht alles ausarrangiert gewesen, und das hat auf einem Mal unheimlich gegroovt und hat unheimliche Füße gehabt! Kein zweites harmonisches Instrument zu haben bedeutet in dem Moment, dass eine Reglementierung aufgehoben ist, wo zwei Leute sich abstimmen müssen, wo irgendwas geklärt werden muss … und dadurch wird das viel viel freier. Gitarrenspieler – ob das nun Hendrix ist, ob das Clapton ist bei den alten Cream-Sachen – die tun in der Trio-Besetzung Dinge, die sie nicht machen würden, wenn ein zweiter Gitarrist oder ein Keyboarder da wäre. Da kommt diese Erkenntnis her: Das ist das Ursprünglichste, das ist die Wurzel von allem. Man kann das dann aufpumpen, man kann das produzieren und tun, aber selbst … selbst Mötörhead sind zu dritt immer besser als zu viert. Alles Unnötige weg, reduced tot he max, das sagt mir am meisten zu, das geht mich am meisten an.

Okay, ich sehe schon, es läuft wieder alles auf das Trio hinaus!

Jein. Nee, gar nicht mal. Denn was ich da jetzt bei der Hochzeit mit dem Olli gemcht hab‘, diese Cover-Sache, das war total schön. Es gibt da ein Portfolio an Songs, die sind alle relativ simpel, die haben wir uns hin- und hergeschossen, jeder wusste, was kommt – und dann steht man zusammen im Proberaum und macht die – und dann kommen ganz ganz ganz andere Sachen dabei heraus, als man eigentlich geplant hat. Er ist Keyboarder und spielt auch Gitarre, und wir haben zum Beispiel „Leavin‘ On A Jet Plane“ covern wollen und haben das zweimal gespielt, er singt ‘ne schöne zweite Stimme dazu … und es ist sofort im ersten Moment klar: Das geht gar nicht. Das war einfach zu ernst gewollt, und wir sind halt nicht Peter Paul & Mary. Wir wollten das Stück dann schon weglassen. Dann ist eine kurze Pause entstanden, ich war mal kurz draußen, und als ich wiederkomme, spielt Olli so einen Jazz-Standard auf der Gitarre, und ich hab da nur gestanden und auf den Text geguckt, das Metrum angehört und dann einfach angefangen, den Text da drauf zu singen – und das hat auf einmal funktioniert! Und so haben wir das Stück dann auch gespielt. Die Interaktion zwischen zwei Leuten ist wesentlich; nicht, ob das jetzt eine Rhythmusgruppe ist oder irgendwas, sondern ein anderer Input noch von jemandem, der noch einmal eine eigene Farbe drauf tut, weil – und das ist der andere Punkt – Kritik und Anmerkungen immer etwas sind, was einen weiterbringt, was einem eine andere Perspektive aufs eigene Schaffen eröffnet, zu der du selbst gar nicht in der Lage bist! Ich hatte immer das große Glück, von Leuten umgeben zu sein, die sich nicht nur gut auskennen, sondern die auch kein Blatt vor den Mund nehmen und die wissen, dass ich niemals böse bin, wenn man mich kritisiert. Zum Beispiel die Aussage, komm mal von dem Quintakkord runter, denn viele Dinge in deinen Stücken fangen sonst an, sich zu ähneln – das habe ich eine Zeitlang sehr oft gehört; und es ist eben viel einfacher, so etwas zu vermeiden, wenn man im Austausch mit jemandem steht, der sich da mit einbringt.

Wobei ich es gar nicht schlimm finde, wenn sich Dinge ähneln, von wegen Wiedererkennungswert und so …

Das ist richtig. Musikalische Farbe ist etwas Tolles, aber der Wiedererkennungseffekt bei dem, was ich mache, kommt schon ziemlich stark über den Text. Wenn das hier passiert, dann stört mich das überhaupt nicht. Auch wenn man gegebenenfalls was vorliest – es gibt da ja so schöne Experimente, Songtexte ohne Musik oder so etwas, und wenn jemand sehr direkt sagen kann, das hört sich jetzt aber sehr nach dem an, das finde ich dann okay.

Du hast uns jetzt erzählt, woher du musikalisch kommst und auch, wohin du willst und gegebenenfalls auch, mit wem. Was wir jetzt noch wissen wollen: Was können wir denn gleich von dir im Küchen- bzw. Wohnzimmerkonzert hören?

Das weiß ich noch nicht …

Oh, darf ich mir was wünschen?

Wenn es allein umsetzbar ist … Ich hätte jetzt von mir aus das Novemberticket gespielt, weil ich das einfach furchtbar gern spiele, auch wenn es überhaupt nicht in die Jahreszeit passt, aber, auf der anderen Seite, so wie der Juli ist, kommt es ja schon fast wieder hin!

Ich mag dein Gitarrenspiel auf dem Novemberticket sehr gern, lass uns das machen! Ich persönlich würde aber am liebsten Zusammen hören, mein absolutes Lieblings-jo_berlin-Stück, falls sich das umsetzen lässt …

Das spiele ich einfach überhaupt nicht mehr.

Schade!

Ich habe kürzlich das Back-up von der Achtspur gemacht – der Grundrhythmus davon lag da ewig noch drauf – und habe mir das dann in der Urversion nochmal angehört und die Akkorde rausgefummelt, die würde ich halbwegs hinkriegen, aber als ich es dann nochmal gespielt und den Text dazu gesungen habe, habe ich auch gemerkt, dass da bei mir überhaupt nichts mehr passiert, weil dazu eine unheimliche Distanz da ist. Der Song beschreibt eine Situation, ein Lebensgefühl, eine Konstellation und vor allem ein Vertrauen darein, das derartig nachhaltig zerstört ist, dass mir da jetzt einfach die Brücke hin fehlt. Das ist schade, und wenn es jetzt wieder eine Website geben wird, werde ich den Song dort sicherlich im Archiv zur Verfügung stellen, aber selber spielen werde ich ihn nicht mehr.

Das heißt, Songs sind bei dir dann doch tagebuchartige Momentaufnahmen, und wenn die Stimmung vorbei ist, sind auch die Songs durch und abstrahieren nicht davon …

Nicht, wenn die Stimmung vorbei ist, nein. Die Stücke haben einen Lebenszyklus, und der generiert sich im Wesentlichen aus dem Bezug zum Inhalt, auch wenn das Sachen sind, die abstrahiert wurden, die um die Ecke gedreht sind oder wenn da mal eine Geschichte anders ausgeht, als sie wirklich ausgegangen ist. Aber im Kern … meinetwegen beim Novemberticket, wo es darum geht, wie ich mich hier in den ersten Tagen gefühlt habe, wie das war im ersten Winter, kein Job, wie geht das weiter und diese ganzen Sachen. Das kann ich immer noch spüren, dazu habe ich immer noch einen Bezug. Aber wo dann meine ehemalige Beziehung einfließt und wie dann dieser ganze Traum geplatzt ist, das geht mir heute eher ab. Stattdessen würde ich dir lieber eins spielen, das heißt Keine Bilder, das ist entstanden Jahre nach dem Tod meiner Eltern, an einem Tag, wo sie aber auf einem Mal im Raum waren und ich das auch habe laufen lassen. Und das ist etwas, da weiß ich, das werde ich immer spielen, weil es einfach etwas ist, was ich immer in mir trage. Es geht so ein bisschen in die Richtung wie geht es weiter. Und dann gibt es Sachen, die sind heiß, die möchte man nicht anfassen, die schmecken bitter, die möchte man nicht essen … so ähnlich ist das auch mit Zusammen, und ich glaube, das bestimmt den Lebenszyklus von Sachen am ehesten. Es gibt zum Beispiel ganz ganz ganz alte Sachen von mir, die ich immer noch spiele, weil ich sie mir präsent machen kann. Und ich merke, dass Gesang auch nur dann funktioniert, wenn ich nachspüren kann, wenn ich es abschreiten kann wie so eine Landschaft. Wenn ich da kein Bild habe, wird es auch nicht gut. Und das ist das Wesentliche. Ich respektiere es total, wenn Leute ihre alten Songs nicht mehr spielen wollen. Ich war 2010 … wie hieß diese Single damals von Wir sind Helden? Das letzte große Ding, was sie gemacht haben, das passte genau in die Zeit … und ich habe eine Karte gekauft, bin nach Mainz gefahren und auf deren Konzert gegangen, das war eine tränenreiche Angelegenheit, und die haben genau die Nummer, die damals im Radio echt rauf- und runterging, nicht gespielt. Und im ersten Moment wollte ich irgendwie sauer sein, aber dann bin ich da raus und habe gedacht, ja, so wie das Konzert gelaufen ist, wie die da jetzt untereinander waren, hätte das einfach nicht gepasst, da nochmal so einen Tropfen Wermut reinzuschieben, und das dann einfach zu lassen, finde ich völlig legitim, völlig in Ordnung!

Videos von Keine Bilder, Die schönste Geschichte der Welt und natürlich Novemberticket finden Sie auf dem YouTube-Kanal von Klangverführer. Viel Freude damit!

Und wer mit Jo_Hannes Musik machen möchte, sollte daran denken, uns eine Mail hierher zu schreiben. Vieleicht hören wir uns ja bald im Klangblog?

12. Juli 2012

Leipzig my love!

Filed under: Klangblog — Schlagwörter: , , , — VSz | Klangverführer @ 19:39

Als ich vor gut zwei Jahren zur (Pop Up nach Leipzig gefahren bin und dabei auch auf den Spuren meiner Eltern wandelte, die sich dort als hoffnungsvolle junge Kunststudenten kennen und lieben lernten, was bedeutet, dass es mich ohne Leipzig gar nicht gäbe, war ich so geflasht von der Stadt, dass ich mir geschworen habe: Irgendwann ziehe ich dahin. Mein aktueller Leipzig-Besuch hat das damalige Gefühl nochmals bestätigt: Leipzig ist ein wunderbarer Ort zum leben und – freiberuflich – arbeiten! Irgendwann ziehe ich dahin.


Ja, das Notenschlüsselgrafitto in der Hardenbergstraße gibt es immer noch. Neu ist Kopfhörerhundnachfolgehund Lina …


… was sie allerdings nicht davon abhält, gleich mit den Thomanern zu singen!

Darüber hinaus ist Leipzig ein wunderbarer Ort, um Kopfhörerhundnachfolgehund willkommwn zu heißen und behutsam an sein künftiges Großstadtleben zu gewöhnen. Gestern noch im Tierheim, heute schon, nein, nicht auf unserer Showbühne, aber mittendrin im Städtetrip! Während Berlin immer aggressiver wird, ist Leipzig herrlich entspannt, die Menschen sind nett, das Bier billig … Herz, was willst du mehr? Zum Beispiel einen relaxten Abend unter Freunden, die ganz nebenbei auch noch gute Musik machen, denn das ist der eigentliche Grund unseres Aufenthaltes hier: Endlich einmal den Ambient Folk des Alma Church Choirs von Lieblingsgitarrist Andreas Laudwein, der mit Cat Ten Years ein kleines Lieblingsalbum gemacht hat, live zu sehen hören. Und da das in Berlin nie geklappt hat – Prophet und Berg und so.

Auch das übrige Line-up des Abends, zu dem Maler und Musiker Peter Piek im Rahmen seines diesjährigen Atelier-Sommerfestes geladen hat, war ein gutes Argument für die Reise, aber was sag ich da eins, viele gute Argumente waren es, viele! Nicht nur, dass sich der mir von Kitty Solaris via Facebook wärmstens empfohlene Lasse Matthiessen als Überraschungsgast angekündigt hat, auch der geniale Gitarrenzerstörer Ian Fisher ist ebenso mit von der Partie wie die mit Laudwein tourende Lina Paul; und dann wären da noch Jona Byron, Squalloscope und das experimentelle Weird-Folk-Electo-Duo SignA, die ich alle erst an diesem Abend kennenlerne – ganz zu schweigen vom Gastgeber selbst, der mit seinen großzügig zur Verfügung gestellten Räumlichkeiten nicht nur für eine ebenso relaxte wie inspirierende Atmosphäre sorgen, sondern sich im weiteren Verlauf des Abends auch als wahrer Mulitinstrumentalist erweisen soll.


Gleich geht’s lo-hos! Gleich geht’s lo-hos!


PPZK = Peter Pieks Zentrum für Kultur = Galerie. Sammlung Zeitgenössicher Kunst. Tonstudio. Kommunikationsplattform


Mama’s got a brandnew dog! Lauschen, lümmeln, liebsein – Lina macht ’nen tollen Job. Und überzeugt damit selbst passionierte Katzenfreunde

Nicht zuletzt ist dieser Abend der erste „Arbeitstag“ von Kopfhörerhundnachfolgehund Lina, nom de guerre fortan: Lina Liebhund, denn Kopfhörerhundnachfolgehund, das müssen Sie zugeben, ist ja kein Zustand!, die das Ganze total gechillt aussitzt, genauer: ausliegt, dezentes Schnarchen inklusive, wie man hier hören kann:

Von Fell-Linas Geatme abgesehen – denn die Dame im roten Rock aus dem Video heißt auch Lina! – portisheaded das Stück Laudwein-typisch vor sich hin, es geht wohlig depressiv und wunderschön zur Sache, Lina Paul an der Melodica ist ein würdiger Ronny-Seiler-Ersatz, und ich liebe liebe liebe es!

Nicht minder schön und überraschend ruhig: Laudwein und Ian Fisher – die Simon&Garfunkel-Nummer hat diese Paarung auch drauf! Wobei, was heißt hier nicht minder, ihr Harmoniegesang auf der Alma-Church-Nummer „Not This Kind Of Man“ ist einfach zum Niederknien! Auch wenn ich mich wiederhole und Sie damit eventuell langweile: Ich liebe es, und auch das Steuermarkengeklimper der mitten im Song zappelig gewordenen Lina tut dem keinen Abbruch. Es geht doch nichts über eine authentische Live-Atmo!

Aber keine Angst, Fisher – dessen kommendes Album gerade von Laudwein gemixt wird – soll im Verlauf des Abends noch gewohnt durchdringend werden, sodass ich Lina Liebhund, die im Gegensatz zu Kopfhörerhund nicht taub ist, zum großen Amüsement des Publikums die Ohren zuhalten musste! Aber auch das meisterte sie mit Bravour; mein Fehler allerdings war zu glauben, ich könne das Hundetier als Stativ nutzen – jetzt haben die Videos leichten Seegang. Okay, stellenweise auch starken, wie beispielsweise bei diesem sehr bethgibbonsesken Lina-Paul-Song, da ist mehr Rock als Kopf zu sehen, sorry dafür! Der Soundspur tut dies glücklicherweise keinen Abbruch:

Haben Sie diesen unglaublichen Stefano Schiavo Campo an der Gitarre gehört? Und sind Sie ebenso begeistert wie ich? Noch mehr zu sehen und zu hören, genauer: Solo-Videos von Ian Fisher, Squalloscope und Gastgeber Peter Piek, der, gemessen an seiner Sprechstimme, eine völlig erstaunliche Gesangsstimme hat, finden Sie im Klangverführer-Videokanal auf YouTube. Die Künstler, die ich nicht gefilmt habe, können Sie hier und hier und hier sehen und hören. Ach ja: Videos gucken entbindet Sie natürlich nicht von der Pflicht, die Künstler zu unterstützen und deren CDs zu kaufen. St. Google wird Sie schon zum richtigen Ort führen. In diesem Sinne: Eine schöne Urlaubszeit!


SignA

P.S.: Da ich ja nun leider wieder zurück in Berlin bin, habe ich für die kurzentschlossenen Hauptstädter unter Ihnen einen Tipp: SignA spielen morgen um 20:30 Uhr in den Neuköllner Gelegenheiten, Weserstraße 50. Wenn ich es schaffe, komme ich auch und hole hier versäumtes Filmen nach. Und wenn Sie wollen, können Sie bei dieser Gelegenheit Kopfhörerhundnachfolgehund, pardon, Lina Liebhund, live treffen.

Nachtrag vom 13. Juli: Leider schaffen wir es nicht zur Show. Aber Sie gehen ja ohnehin nicht wegen Lina Liebhund, sondern wegen der Band hin. Und das sollten Sie trotz des Regens tatsächlich tun – es lohnt sich, versprochen!

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