Nachdem das Wort “krank” ganz oben in der Suchbegriffsstatistik vom Klangblog rangiert – dicht gefolgt von “lesbisch”: erstaunlich, wonach die Leute in einem Musikblog so suchen! Sollte es eines Tages mit dem Musikjournalismus nicht mehr funktionieren, mache ich eine Krankenstation für Lesben auf -, möchte ich einmal mehr einen Treffer für das Suchergebnis liefern, denn: ich bin krank. Rotz, Halsschmerz, Nase zu – was auch immer Sie sich an Schnodder vorstellen können, hier ist er. Meine besten Freunde heißen zurzeit Gelomyrtol, Sinupret und Aspirin Complex. Damit bin ich nicht allein: Der überraschende erste Frühlingstag vor einer Woche hat ganze Belegschaften dahingerafft. Juchuh, zwanzig Grad, jubelte man tagsüber, und zog aus, was auszuziehen ging. Oh Mist, auf zwei Grad runtergekühlt, dachte man abends, als Schal und Jacke weit entfernt zu Hause lagen, man selbst aber fröstelnd im Biergarten saß. “Wenn Sie erst einmal das Gefühl haben zu frieren, ist es schon zu spät”, erklärte mein Apotheker am nächsten Morgen. Jaja, nachträglich schlaumeiern ist jetzt unglaublich hilfreich! Jedenfalls: Ich gehöre eigentlich ins Bett. Und nicht in den Konzertsaal. Aber: Wann spielen schon mal 5, in Worten: fünf, begnadete Musikerinnen auf einmal an einem Ort, darunter so anbetungswürdige wie Illute, Katriana und Catharina Boutari? Der findige Leser hat es erkannt: Das passiert, wenn das Label Pussy Empire Geburtstag hat und seine Künstlerinnen als The Stewardesses auf Tour schickt. Da muss man hin – und wenn es vorerst das Letzte ist, was man macht!

@ Work: The Stewardesses mit lauschendem Klangverführer. Foto: Jo_Berlin

In der wunderbaren Neuköllner Musenstube sind dann aber nur vier der Damen im Pan Am-Look gelandet, darunter allerdings meine drei Lieblingsstewardessen – und eine Chantal de Freitas, die zur Überraschung des Abends werden sollte. Davon aber später mehr. Eröffnet wird die Show von Catharina Boutaris Version des Tokio-Hotel-Hits Durch den Monsun, und live beweist Boutari einmal mehr, wie gut das Yael-Naim-Prinzip (Man nehme den unmöglichsten Song, den man sich vorstellen kann, und mache dann etwas ganz Wundervolles daraus) funktionieren kann: Der Song, muss ich feststellen, ist eigentlich ganz schön. Nur wussten Tokio Hotel das damals nicht. Chantal de Freitas singt im Refrain die zweite Stimme, und wie schon bei der L-Filmnacht zeigt sich auch jetzt, dass die Stimmen Boutaris und de Freitas’ wie füreinander geschaffen sind. Schön!

Sexy: Chef-Stewardess Catharina Boutari

Gast-Stewardess Illute hat ihren ersten Auftritt als Backgroundsängerin bei Chantals Mousse-T.-Cover Is It Cos I’m Cool, und sofort fühle ich mich ganz zu Hause in dem Klang. Ich liebe diese Stimme, die so anders ist als die der Kolleginnen und sich dennoch harmonisch in den Satzgesang der drei einfügt, der Katrianas Juli-Cover Geile Zeit begleitet. Aber die Stewardesses unterhalten das Publikum nicht nur mit den Akustik-Cover-Songs von ihrem Jubiläumsalbum Pussy Empire hebt ab, sondern auch mit ausgewählten Stücken aus ihren Soloprojekten. Ich freue mich auf Catharina Boutaris Alter Ego Puder mit ihren Großstadtkonkurbinen und meinem All-Time-Favorite Puder, wobei ich mich nicht entscheiden kann, ob mir Click Clack mit seinem “Farben, wo sind die Farben”-Refrain hier und heute nicht sogar noch besser gefällt – beide Disco-Nummern sind purer Glitter auf Speed!

Perfect von Chantal de Freitas mochte ich damals nicht besonders, aber entweder habe ich mich mittlerweile an den Song gewöhnt wie an einen guten Nachbarn, der vom Bekannten langsam zum Freund wird – oder de Freitas ist heute Abend in Hochform. Wie sich noch herausstellen soll, ist Letzteres der Fall; und nicht zuletzt gefällt mir das Thema des Liedes ausnehmend gut: alles soll heutzutage möglichst perfekt erscheinen, willkommen Botox, hallo plastische Chirurgie, und was das mit der Seele macht, interessiert keinen Menschen. Auch hier vereinen sich de Freitas’ Mezzo und Boutaris heller Sopran zu einer vollendeten Symbiose, und das, um beim Thema zu bleiben, ist etwas, das die Bezeichnung “perfekt” dann wirklich verdient hat. Nicht zuletzt gelingt es Chantal de Freitas, mir den Song Jetzt erst recht des Bravo-Geschöpfes LaFee näher zu bringen, für den ich bislang in etwa so viel übrig hatte wie für Durch den Monsun. Langsam verstehe ich, weshalb diese Lieder solche Hits sein konnten, denn entkernt man sie bis zum Kleinstmöglichen und lässt sie von einer lebensklugen Frau interpretieren, kann man tatsächlich so etwas wie Schönheit in ihnen finden. Tokio Hotel und LaFee fehlte es schlicht an Lebenserfahrung für die eigenen Songs. Wer schon ein bisschen gelebt hat im Leben, der kann auch banalen Teenagertexten Würde verleihen. In dieser Rolle gefällt mir Chantal de Freitas ganz wunderbar. Bislang habe ich sie eher als singende Schauspielerin denn als Musikerin wahrgenommen – das hat sich nun grundlegend geändert, und das Genre “gehauchte Ballade” steht ihr ganz vorzüglich.

Souverän & elegant: Chantal de Freitas

Das Lied, auf das ich mich freue, seitdem ich die Setlist gesehen habe – Dünner Tag von Illute -, kommt so ganz ohne jegliche elektronische Verstärkung indessen seltsam lo-fi daher. Ich gebe zu, es in der Album-Version mehr zu mögen – und dennoch zeigt Illute, dass man nicht mehr als Stimme, Ukulele, ein bisschen Fingerschnippen und eine Katriana an der Melodica braucht, um die ungeteilte Aufmerksamkeit des Publikums zu erhalten. Ohnehin ist das Publikum der musizierenden Illustratorin wie immer mehr als geneigt – als sie in ihrem Hund-am-Strand-Cover Jungen Mädchen “Alle Jungen, alle Mädchen, zieht eure T-Shirts aus” fordert, beginnt die erste Reihe tatsächlich, einen Spontanstrip hinzulegen. Spätestens bei ihrer Version von Major Tom, die ich erstmals beim Fabulous Female Folk-Festival hören durfte, sind ihr alle verfallen. Damals war Illute der Lichtblick eines ansonsten trüben Abends – heute endlich hat sie ebenbürtige Mitstreiterinnen.

Katrianas Mensch aber ist das Lied, das über den Abend hinaus tagelang in meinem Kopf hängenbleibt. Im Grönemeyerschen Original verhasst, ist es bei ihr einfach nur wunderschön und, was dem Original nicht gelingt, berührend. Sehr süß ist Chantal de Freitas bei Teenage Love, einem ihrer eigenen Songs, mit dem sie wieder den über dreißigjährigen Frauen kollektiv aus der Seele zu sprechen scheint. Einer der Höhepunkte des Abends aber ist ihre Version des Rammstein-Hits Amerika. Schon auf der Platte großartig, toppt die Live-Version alles, haben die Stewardesses doch eine Andrews-Sisters-artige Close-Harmony-Nummer daraus gemacht. Ganz groß!

Nicht nur eine tolle Sängerin: Katriana

Das gilt auch für Katrianas Ich singe dir ein Lied mit seinem “Ich lieb dich heute Nacht/und wenn du nicht schlafen kannst/dann sing ich dir ein Lied”-Refrain, das in der Stewardesses-Version ebenfalls durch einen mitreißenden ooh-woo-whoo-Chor besticht. Bei Catharina Boutaris ‘türlich, ‘türlich verwandeln sich die Andrews Sisters dann in die Supremes; und genau hier zeigt sich, worin die Stärke der Stewardesses liegt: dass es vier Solo-Künstlerinnen geschafft haben, einen Gruppenklang zu entwickelnn, dessen Harmonien sich nicht hinter den großen Girlgroups der Sixties verstecken müssen.

Der durch Krankheit leider fehlenden fünften Stewardess Birgit Fischer (Ex-Motorsheep) wird gedacht, indem man das von ihr aufgenommene Ich+Ich-Cover Vom selben Stern als Zugabe anstimmt. Geben wir es zu: Ich+Ich haben schon recht pathetische Texte. “Du bist das Pflaster meiner Seele” hieß es in Pflaster, und hier heißt es “Ich nehm’ den Schmerz von dir”. Uff. Hätte man dabei nicht Adel Tawils großartige Stimme im Ohr – solche Texte könnte einem keiner verkaufen! Allein, Catharina Boutari, Chantal de Freitas, Illute und Katriana können es auch. Ganz zauberhaft funkelt der Song mit einem Mal, und ganz zauberhaft ist auch, wie Katriana hier tapfer mit Satinhandschuhen Klavier spielt, während de Freitas bei ihrem Part einmal mehr mit souveränem Leadgesang überzeugt. Die Künstlerinnen sind nicht nur stimmlich zusammengekommen, sondern eine jede hat sich während ihrer Tournee auch in die Lieder der jeweils anderen eingefunden, und mehr kann man sich von einem als einmaliges Projekt zusammengekommenem Musikerkollektiv wohl kaum erwarten.

Gitarre, Klavier, Ukulele, Melodica – Illute spielt sie alle

Wer die Stewardesses in Berlin noch einmal live sehen will, hat schon bald wieder die Möglichkeit dazu: Sie spielen ihr Programm am 5. April 2012 in der Langen Nacht noch einmal. Vorher machen sie aber noch Station in Dortmund, Köln und Hildesheim. Die genauen Tourdaten gibt es hier. Wir sehen uns, wenn es wieder heißt: Pussy Empire gebt ab!

Ich habe eine Kindheitsfreundin, die genau genommen Schuld daran ist, dass ich mit der Musik angefangen habe. Sie belegte einen Kurs in musikalischer Früherziehung, und ich glaube, meiner Mutter gefiel das. Jedenfalls fand ich mich innerhalb kürzester Zeit, fünf- oder knapp sechsjährig, im selben Kurs und dort im Kreis gehend und „ta-ta-titti-ta, ta-ta-ta-ah“ klatschend, wieder. Meine Freundin wurde dann der Klavierfakultät der Musikschule zugeteilt, ich den Geigern, denn es standen nur drei Instrumente zur Auswahl: Klavier, Geige und Konzertflöte. Klavier spielten alle, und Flöte, also mal ehrlich, wer wollte das schon? Also entschied ich mich für Geige, und wohin das geführt hat, sehen Sie ja selbst.

Meine Freundin habe ich dann aus den Augen verloren, aber nach knapp dreißig Jahren haben wir uns, wo auch sonst, auf Facebook wiedergetroffen und sehr darüber gefreut, dass wir unabhängig voneinander beide ein „Emmchen“ haben, sie ein selbst gemachtes zweibeiniges, ich ein adoptiertes felliges. Natürlich hat das zweibeinige Emmchen auch einen Vater, den Mann meiner Freundin. Und der spielt, wenn er keine Filme macht, in seiner Freizeit Cello. Wieder vorgekramt hatte er es eigentlich nur als Hochzeitsüberraschung für meine Freundin: Gemeinsam mit einem Freund, der zufällig Singer/Songwriter und Gitarrist ist, sollte ihr ein romantisches Ständchen gespielt werden. Und wie das so ist mit „Eigentlich sollte es nur eine einmalige Sache werden“ – man hat es ja gerade erst bei B•S•O gesehen, das sich ursprünglich ja auch nur als Geburtstagsüberraschung gegründet hatte –, wurde auch hier eine regelmäßige, intensive Zusammenarbeit daraus, die dann auch einen Namen bekam. Zum Namen kamen Auftritte, kamen Facebook-, Youtube- und MySpace-Seiten, kamen Fans, kommt eine Platte – und komme ich heute hierher.

„Hier“ ist diesmal ein ganz besonderer Ort: Die von der sympatischen Heike Mössner betriebene, nur einmal die Woche öffnende, halb-private und ebenfalls im Filmumfeld angesiedelte Seimobar, eine Art Wohnzimmer mit angeschlossener Küche, wo es für wenig Geld hausgemachtes Essen plus Nachschlag und -tisch ohne Ende gibt. Da verwundert es wenig, dass manche sogar auch nur wegen des Essens kommen, heute Abend beispielsweise die Heavy Metal Band, die sich vor ihrem Auftritt in einem benachbarten Laden an Rotkohl, Klößen und Krustenbraten gütlich tut. Und tatsächlich hat die Wohnzimmerszene an der langen Tafel unter dem beleuchteten „Million Dollar Hotel“-Wandbild etwas vom Abendmahl.

Während die anderen essen, habe ich die Gelegenheit, für ein Mini-Interview mit den beiden Protagonisten des heutigen Abends, Joseph Bolz, den Singer/Songwriter, und Friedhelm Pörner, der zu der Bolz’schen Musik die Cello-Arrangements schreibt und spielt. Klar, dass ich erst einmal wissen will, wie das Duo denn auf den Namen „Gwen Hyfar“ gekommen ist. Ursprünglich, so erfahre ich, wollte man sich „Zoe“ nennen, doch gibt es leider schon zu viele Bands dieses Namens. Da es aber ein Frauenname sein sollte und man melancholische Träumerinnen aus Schweden wie Mire Kay und Audrey schätzt, kam man auf das nordische „Gwen Hyfar“, das nichts als ein verklausuliertes „Jennifer“ ist, die als „Jenny“ wiederum einen wichtigen Teil im Bolz’schen Textkosmos einnimmt. Und in der Tat taucht sie in mindestens zwei Stücken des Abends auf.

Erst einmal aber rumpeln Gwen Hyfar beim Opener Like Wool, den mir die wohlmeinende Ehefrau vorab schon als Youtube-Link geschickt hat, vor sich hin, die Raumakustik schluckt viel der leiseren Gesangpassagen, das Cello dominiert zu stark. Dann aber hat man sich eingespielt, auf den Raum, aufeinander, worauf auch immer, in jedem Falle fällt hier schon die außergewöhnlich schöne Songstruktur auf, mit ausgeklügeltem Arrangement und fein austarierter Aufnahmetechnik ist das etwas, was ich sehr gern auf CD hören würde. Schon ab dem zweiten Song ist man von der Intensität der Bolz’schen Songstrukturen völlig in Bann gezogen, und zunehmend fällt auf, dass hier ein im positiven Sinne absolut Besessener am Werk ist. Wo hat man den denn bis jetzt versteckt und warum hat man ihn vor uns versteckt? Die Welt braucht solche Lieder, ganz sicher.

Pörner hingegen mag kein Profi-Cellist sein, und obwohl ich mit so etwas sonst sehr streng bin, fällt mir heute Abend dazu nur ein: Das muss er auch nicht, denn hier geht es um etwas völlig anderes. Zudem: Weshalb auch eine Laienmusiker an den Maßstäben für Profis messen? Allein die Songs von Joseph Bolz machen alles um einen herum vergessen, nicht nur ich bin froh, hier zu sein, auch das restliche Publikum ist regelrecht hypnotisiert. Die Klangfarbe seiner Stimme, seine Phrasierung, ja sogar die Art der Songs erinnert mich an jemanden, der mir gerade auf Teufel komm raus nicht einfallen will, der von solchen Songs aber nur träumen kann. Chris Cornell vielleicht?

Wenn es Ihnen einfällt, schreiben Sie mir. Ansonsten bleibt mir nur noch zu sagen: Kaufen Sie das Album, wenn es nächstes Jahr erscheint. Ich werde Sie ganz bestimmt daran erinnern.

Lieder, die man nach einem Konzert noch auf dem Heimweg singt, haben das Zeug zum Ohrwurm/Sommerhit/Klassiker/… (bitte nach eigenem Gutdünken ankreuzen bzw. ergänzen) und sind in jedem Falle angetan einen wissen zu lassen, dass man gerade Zeuge eines ganz besonderen Abends wurde. Das Indien-Lied mit so schönen Textzeilen wie „die Gurus brauchen neue Schüler“ der neuen, noch nicht erschienenen Platte von Nikolai Tomás, ist so eins. Und in der Tat ist ein Großteil des Publikums gekommen, den Poems for Laila-Schöpfer zu sehen, obgleich er mit einer Handvoll neuer Stücke nur das Vorprogramm der Show bestreiten sollte. Sein letztes Solo-Album Alles auf Anfang habe sie in einer schwierigen persönlichen Phase angetroffen, verrät mir eine Dame, und dort prompt seine heilende Wirkung entfaltet. Und ein junger Rechtsreferendar aus einem der bürgerlicheren Bezirke Berlins wurde von seinem Freund mitgeschleppt, der „Tomás unbedingt sehen wollte“. Dafür scheute man dann auch die Autofahrt ins hippe Friedrichshain nicht.

Klar, dass auch ich gespannt war auf diesen Landsmann meines Vaters, dem die Kollegen schon mal attestieren, wie ein „verwegener ungarischer Prinz“ (Tagesspiegel, 14. März 2002) auszusehen und was das Puszta-Paprika-Klischee (Zigeunergeiger! Csárdásfürsten! Lángos und Palatschinken! Ja, es ist nervig, in Deutschland mit seinen geliebten Exotismen Ungar zu sein.) noch alles so hergibt. Und wenn er dann noch lebensrettende Lieder à la Illute macht … Zumindest macht er sehr schöne Lieder, irgendwo zwischen Rätselhaftigkeit („Ich war die Sechs und du die Zwei/ich die Methode, du der Hai“) und Zeitgeist. So beispielsweise beklagt sein Facebook-Lied Ich kenn dich doch von Facebook mit dem schönen „Gefällt mir/gefällt mir nicht“-Refrain den merkwürdigen Umstand, dass man von seinen Facebook-„Freunden“ zwar fast alles weiß, angefangen davon, was sie gerade zu Mittag gegessen haben, aber recht eigentlich kennt man sie gar nicht. Bezeichnenderweise sind Nikolai Tomás und ich – Ironie des Schicksals: Facebook-Freunde. Haben sich hier schon viele schmunzelnd wiedererkannt, war der absolute Brüller des Abends aber Tomás‘ Indien-Song, ein perfekter Rausschmeißer, bei dem das Publikum lachend am Boden lag und der vergessen macht, dass die Lieder des Sängersongschreibers, genauso wie die vom heutigen Main Act Krispin, nicht zuletzt durch poetische Wortneuschöpfungen wie „Wundertütenland“ oder „Regenmantelmann“ bestechen. Ein toller Songs ist auch Baby Berlin – auf die Platte kann man sich definitiv freuen!

Freuen tut sich einzig Kopfhörerhund nicht. Der ist zwar wieder gesundet, aber schon den ganzen Tag über unruhig, um nicht zu sagen: unleidlich. Zu allem Überfluss habe ich ihm die Ohren geputzt, was die schlechte Hundelaune nur noch verstärkt. Während Nikolai Tomás‘ Auftritt will das Getier dann auch nur eins: raus. Kaum aber betreten Roland Krispin und Christoph Thiel die Bühne, die diesmal nicht von Andreas Laudwein und Ronny Seiler an Gitarre und Schlagzeug, sondern als „Krispin Light“ von der ebenfalls über Facebook rekrutierten Cellistin Franziska Kraft begleitet werden, rollt sich Kopfhörerhund wohlig zusammen und schläft. Auch er mag die Krispin-Lieder zwischen Fröhlichkeit und Wahnsinn. An alle verzweifelten Eltern da draußen: Wenn sogar mein renitentes Hundetier bei den Krispin-Liedern einschläft, probieren Sie sie doch mal an Ihren zappeligen Kindern!

In jedem Falle stehen den Songs die neuen luftigen Kleider, wobei Papierherz das wohl coolste Cello-Arrangement hat, obwohl – oder gerade weil – es eben nicht gar so luftig daherkommt, sondern mit einem weittragenden, fast schon den fehlenden Bass ersetzenden Cello. Dass kein Schlagzeug dabei ist, merkt man erst am Schluss des Sets, wo Thiel zum Tamburin greift (oder vielmehr damit füßelt) – hier offenbart sich, dass die Songs in der alten Besetzung mehr Tiefe hatten; und bei der letzten Zugabe Spät – einem wunder-wunderschönen Lied – vermisse ich die portisheadschen Klangflächen Andreas Laudweins schon sehr. Das geniale Cover Paula hingegen ist auch in der Light-Version die wohl schönste Zugabe, und es ist ein Jammer, dass der Song es nicht auf das Album geschafft hat. Mit Ich habe dich gern gibt es auch einen neuen (oder zumindest beim Zimmer-16-Auftritt uneghörten) Song, den habe ich Ihnen direkt einmal mitgebracht. Natürlich darf da auch der mittlerweile wieder zappelige – weil, wie sich zu Hause herausstellte, obwohl gefütterte trotzdem mordshungrige und entsprechend randalierende – Kopfhörerhund nicht fehlen:

Er hört es zwar nicht gern, der Herr Krispin, wenn ich ihn als „Liedermacher“ bezeichne. Doch auch wenn der Begriff mit gewissen Konnotationen aufgeladen ist, tut Roland Krispin im Grunde genommen genau das: einfach schöne Lieder machen, und somit ist – und bleibt – er für mich ein Liedermacher im besten Sinne. Dennoch ist es am Ende des Tages Indien von Krispin-Produzent Nikolai Tomás, das mich auf dem Nachhauseweg, durch die Nacht und auch noch in den nächsten Morgen begleitet. Und nach einem halben Kilo Hähnchenhals und der „Notdose“ Thunfisch war das Hündchen auch wieder friedlich …

Freitag war wieder einer dieser Abende, an denen die Entscheidung zwischen konkurrierenden Veranstaltungen schwerfällt. Da spielte zum einen Ex-Cultured Pearls Sängerin Astrid North live & unplugged in der St. Elisabeth-Kirche. Dann der Gitarrist Andreas Laudwein, den ich zum ersten Mal bei Krispin gehört habe, mit Lina Paul. Beides hätte ich gern gesehen, hatte aber schon der Record Release Party des Balkan-Tango-Swing-Trios Tsching mein Jawort gegeben, zu der mich Franziska Kraft, die Cellistin des Trios, eingeladen hat. Überhaupt die Celli in letzter Zeit! Auch das muss etwas Atmosphärisches sein, mit all diesen kleinen Bassgeigen im Moment. Nicht nur, dass Krispin in der Herbst/Winter-Saison mit Cello-Unterstützung auftreten werden und ich neulich bei B•S•O die Gelegenheit hatte, gleich zwei jungen Cellisten auf einmal zuzuhören, auch das Trio Tsching wartet mit der eher ungewöhnlichen Besetzung Saxophon, Gitarre und Cello auf.

Das Theater Unter dem Dach jedenfalls, auf dessen Musikbühne Tsching spielen, wird seinem Namen schon mal gerecht: Es befindet sich tatsächlich direkt unterm Dach. Einen Fahrstuhl gibt es nicht. Kopfhörerhund wäre dem Aufstieg nicht gewachsen gewesen; und tragen Sie mal einen 30kg-Stafford drei Altbautreppen hoch! Eben.

Los geht es mit einiger Verspätung, da der – stockdunkle! man stelle sich vor, was das für die spätere Lesbarkeit der Kritikernotizen bedeutet! – Theaterraum ob des Ansturms erst noch mit zusätzlichen Sitzgelegenheiten bestückt werden musste, und dem namensgebenden Stück Tsching, einer Komposition Helmut Mittermaiers, der als Saxophonist des Trios auch live – ebenso wie auf der CD – unglaublich viel Lufthauch in seinem Spiel hat, der auch durch das im zweiten Stück verwendete Tenorsax weht – hier versteht man, weshalb die Holzbläser auf English „woodwinds“ genannt werden. Der Celloton hingegen unterscheidet sich sehr von dem auf dem Album, was zum einen daran liegt, dass es hier von Sax und Gitarre akustisch erdrückt wird – in Zeiten elektronischer Verstärkung komplett unnötig –; zudem wird dann doch so manches Mal nach der richtigen Intonation gesucht. Allerdings bin ich, was Celli angeht, im Moment auch sehr verwöhnt. Gitarrist Ben Aschenbach wiederum spielt einen sehr sympathischen Fingerstyle mit nur gelegentlichem Griff zum Plektron, aber auch bei ihm ist die allgegenwärtige Loop-Station nicht wegzudenken, die mittlerweile auch den Akustikbereich komplett erobert zu haben scheint. Einzig fragt man sich, weshalb Aschenbach in diesem Genre keine Cut-Out spielt, sondern stattdessen angestrengt nach den oberen Bünden langt.

Ausgesprochen gut gefällt mir das dritte Stück des Abends, das wie ein Southern Blues im Cassandra-Wilson-Stil startet, sich aber recht schnell als die Lennon/McCartney-Komposition Come Together entpuppt – schon auf der CD mein absolutes Lieblingsstück, wegen dessen allein sich der Kauf des Albums lohnt! Allerdings spielt Franziska Kraft in Widerspruch zu ihrem Namen auch hier ein sehr zartes, wenn nicht zu zartes Cello.

Beim Mocca Swing verschwindet dann endlich das allzu Luftige, und der Saxophonton kommt stark und klar. Wie schon auf dem Album wird hier ohrenfällig, dass Helmut Mittermaiers Spiel eher für Swing, Dixie, Jazz gemacht ist als für Klezmer und Balkan. Wahrscheinlich ist er auch ein formidabler Freejazzer. Leider spielen Tsching als fünften Titel den Libertango, der nicht nur meine absolute Lieblingskomposition aller Zeitenist, sondern die ich auch einfach schon besser gehört habe – beispielsweise von dem großartigen Tango Nuevo Trio Surreste Tango mit Witek Kornacki an der Klarinette, Guido Jäger am Kontrabass und Angel Garcia Amés an der Gitarre. Zudem hat hier die Cello-Version von Yo-Yo Ma, die auch im Tango Lesson-Soundtrack verwendet wurde, Maßstäbe gesetzt, an denen sich alle Cellisten messen lassen müssen, die sich an diesem wundervollen Stück versuchen. Insofern: Mutig von Tsching.

Der Libertango geht nahtlos über in etwas Balkaneskes, Hora-Artiges, womit man dem Klezmertango-Klischee bzw. dem Mythos vom jüdischen Tango schon wieder gefährlich nahe kommt. Das Stück allerdings entpuppt sich bei genauerem Zuhören als Misirlou, das ursprünglich ein griechischer Rebetiko ist, sich aber sowohl in der arabische Musikwelt als auch in der Klezmer-Szene solcher Beliebtheit erfreut, dass es im allgemeinen für etwas orginär Orientalisches gehalten wird.

Was an der Tsching-Version von Misirlou so schön ist, dass ich sie filmen muss, obwohl sie schon begonnen hat, ist das Zusammenspiel der Drei. So langsam haben sie sich warmgespielt. Auch von der Helmut-Eisel-Komposition Blindroter Chor und Wirtshaustöchter – oder vielmehr: von der Tatsache, dass hier ein Klarinettenstück für Saxophon adaptiert wird und damit erst einmal die Klangerwartungen bricht – bin ich nicht mehr so irritiert wie noch von der Album-Version. Live gerät das Stück zu mehr als der bloßen Imitation des Klarinettenklanges; Mittermaier macht es sich vielmehr so sehr zu eigen, dass ein genuines Saxophonstück entsteht.

Bei mir bist du schön besticht durch sein schönes Cello, doch leider ist selbst die Akustikgitarre lauter. Eine Aussteuerung wie auf dem Album wäre hier wünschenswert, damit Franziska Kraft nicht neben ihren Mitstreitern und besonders neben Mittermaier verblasst. Das Zusammenspiel indessen läuft zur Hochform auf; am Abend der Dichter mit seinem bedrohlich grummelnden Cello und einer perkussiven Gitarre sowie dem folgenden, nahtlos anschließenden Stück findet auch der kritischste Kritiker nichts auszusetzen. Die Stücke von Tsching, und das ist auf der CD schon ahnbar, sind wie gemacht für die Live Show. Ausufernde Soli und Stücklängen zwischen sieben bis zehn Minuten sind bei Tsching keine Seltenheit, funktionieren aber. Einzig die Ausgewogenheit zwischen Saxophonsoli und denen der anderen Instrumente könnte nochmals überdacht werden. Natürlich, das Saxophon ist der Melodieträger bei Tsching. Will man aber zu einem gleichberechtigten Trio-Klang kommen und nicht Gefahr laufen, Gitarre und Cello zu bloßen Sidemen bzw. Sidewomen zu degradieren, müsste diesen live noch etwas mehr Raum eingeräumt werden.

Als Zugabe spielen Tsching Summertime mit einem jazzigen Cello-Solo, welches das Herz erfreut. Sinn für Dramaturgie kann man ihnen ganz bestimmt nicht absprechen; das Stück erweist sich als perfekter Rausschmeißer, denn auch hier gilt: Die Leute mögen, was die Leute kennen. Ich singe das Lied noch den ganzen Nachhauseweg auf dem Rad, und auch am nächsten Morgen klingt mir Summertime noch nach. Ein gutes Zeichen.

Die Albumbesprechung gibt es in der nächsten Ausgabe von Victoriah’s Music, zu haben ist Serenata aber schon jetzt beim Schallplattenhändler Ihres Vertrauens. Am schönsten ist es natürlich immer, Zwischenhändler zu überspringen und das Album direkt im Spätkauf der Künstler zu erwerben.

Gestern Abend hatte ich das Glück, einem kleinen, aber sehr sehr sehr feinen akustischem 5-Song-Set beizuwohnen. Eingeladen hatte mich Puder-Sängerin Catharina Boutari, die mit ihrer Pussy Empire-Labelkollegin Chantal de Freitas die L-Filmnacht am Potsdamer Platz musikalisch eröffnen sollte. Was ich nicht wusste: L stand in diesem Falle für lesbisch, und unversehens fand ich mich inmitten eines ausschließlich weiblichen Publikums wieder, das vor allem gekommen war, um den Film zu sehen – und nicht die beiden Sängerinnen. Dabei war der ungewöhnliche Rahmen de Freitas zu verdanken, die in Alles wird gut, einem deutschen Film aus dem Jahr 1998, die Karrierefrau Kim spielte, deren bisheriges Leben durch die plötzliche Zuneigung einer anderen Frau in Frage gestellt wird. Der Film wurde in der lesbischen Szene Kult – und de Freitas zur Kultfigur.

Das hält aber das mittelalte, miesepetrige Pärchen neben mir nicht davon ab, während des kleinen Überraschungskonzerts mit Kommentaren wie „Naja, die sind ja noch jung“ um sich zu werfen und genervt mit den Augen zu rollen. Als Boutari und de Freitas nach je zwei eigenen Songs – Perfect und Independence bei de Freitas sowie Puder und Großstadtkonkubinen bei Boutari – dann noch Kathy Perrys I Kissed A Girl anstimmen, haben sie verloren: „dieses homophobe Lied“ gehe ja nun einmal gar nicht, ist man sich einig. Während die Werbung anläuft, die den beginnenden Film einläutet, dreht sich die Dame zu meiner Linken mit einem Seufzer der Erleichterung zu mir um: „Wird ja auch Zeit! Finden Sie nicht auch?“ In dem Moment, in dem ich antworte: „Mir egal, ich bin nur wegen der Sängerinnen hier“, habe auch ich verloren. Wenn genervte Blicke töten könnten, dieser Blogbeitrag wäre nicht entstanden.

Das Video hat leider ziemlichen Seegang, da im Kino noch eifriges Kommen und Gehen herrscht – der Song ist trotzdem gut zu hören

Damit lässt sich’s leben – allein für die Künstlerinnen ist es schade, denn die machen sehr schöne Musik und konnten hier nicht zuletzt beweisen, dass ihre üblicherweise sehr elektro-lastigen Songs auch akustisch funktionieren. Das geht schließlich nur, wenn der Song so vielschichtig ist, dass er es zulässt, bis auf sein Grundgerüst entkernt zu werden – nicht unbedingt üblich für eine Musik, die mich am ehesten an den Bubblegumelectropop einer Gwen Stefani oder an Madonnas elektronischste Momente erinnert. Natürlich macht das am meisten Spaß, wenn man die Originale kennt. Puder packt aber auch so – ein unglaublich energetischer, positiver Song, ich mag ihn sehr, wenngleich er unplugged schon sehr an 2Raumwohnung erinnert:

Dem Entkernen werden die beiden auch weiterhin treu bleiben: Anfang nächsten Jahres erscheint ein Pussy Empire-Sampler, auf dem sich die fünf Künstlerinnen des Labels – darunter Katriana, deren Song Kluge Gedanken mit dem herrlichen Refrain „ich bin so beschissen doll verliebt in dich“ definitiv zu meinen persönlichen All-time favorites gehört – bekanntem deutschen Liedgut aus den letzten zehn Jahren angenommen haben, von Rammstein über Grönemeyer bis hin zu Das Bo. Ob man die pussyfizierten Songs dann noch wiedererkennen wird, sei dahingestellt – ziemlich sicher ist, dass die Mädels etwas ganz Zauberhaftes damit machen werden. Ganz neu im Boot bei den Pussy Girls ist auch die wunderbare Illute, die auf dem Sampler auch zu hören sein wird. Bis er erscheint, hier noch eine wunderschöne Ballade:

Dass ich Duos aus weiblichem Gesang und männlichem Kontrabass von allen Musikformationen am liebsten mag, dürfte sich mittlerweile schon herumgesprochen haben. Man denke hier nur an Frau Contrabass oder Beady Belle! Und jetzt also auch Dominique Lacasa und Tobias Kabiersch. Vor allem Lacasa. Tochter von DDR-Schmusebarde Frank Schöbel und Sängerin Aurora Lacasa, hat darüber hinaus aber noch weitere Vorschusslorbeeren bei mir gut: Ich bin mit ihr ein oder zwei Jahre lang in die selbe Klasse gegangen, bevor ich mich entschloss, dem Wendenschlosser Gymnasium Good-Bye zu sagen und mein Glück am Georg-Friedrich-Händel-Gymnasium zu suchen. Mit Blick auf Lacasas Werdegang wäre das nicht nötig gewesen – auch Wendenschloss scheint Berufsmusiker hervorgebracht zu haben. Oder ihnen zumindest nicht allzu sehr im Weg gestanden zu haben.

Die Mädchen in der Zehnten jedenfalls haben Dominique Lacasa damals bewundert – und vielleicht auch ein bisschen beneidet. Sie hatte lange Locken und konnte Spagat. Lange Locken zumindest hat sie immer noch, doch anstatt von ihren sportlichen Qualitäten möchten wir uns heute Abend von den musikalischen überzeugen lassen. Ohne Make-up heißt das Programm sympathischerweise, und es verspricht, ein relaxter Abend zu werden. Ganz relaxed geht es dann auch mit einer etwas abseits am Bühnenrand im Schneidersitz sitzenden Lacasa los – allein, die zur Schau gestellte Entspanntheit will sich trotz Barfüßigkeit und Hippierock (Kleidungsstück. Nicht Musikstil.) nicht so recht einstellen und soll schon sehr bald einer aufgedrehten Hyperaktivität à la Duracellhäschen weichen. Heutzutage hat man für solche Fälle doch Ritalin! Lacasa aber hüpft und zappelt und läuft bald hier, bald dahin, quasselt ohne Ende, animiert das Publikum zum Mitmachen, läuft auch mal in die Zuschauermenge hinein – hat dabei aber stets den leicht über der Menge vorbeischauenden Blick des Profis. Ihre Interaktion ist einstudiert, ebenso die Ansagen, die spontan wirken sollen, es aber nicht tun. Hier ist alles auswendig gelernt, alles hundertprozentig durchchoreographiert, und damit genau das Gegenteil von locker – und vor allem das Gegenteil von Ohne Make-up. Dieses Programm ist komplett überschminkt. Schon ab dem ersten Lied nervt vor allem das Gequassel Lacasas, denn schließlich sind wir hier nicht zur Speaker’s Corner gekommen, sondern ins Konzert.

Vielleicht schlägt hier die Musical-Vergangenheit Lacasas durch, denn hier sitzt jede scheinbar beiläufige Geste: In welchem Winkel halte ich das Mikro und was mache ich in der Zwischenzeit mit dem Kabel? Mit viel gutem Willen könnte man das als routiniert bezeichnen. Recht eigentlich aber ist das Auftreten Lacasas einstudiert und aufgesetzt, was sich mit Jazz ungefähr genauso gut verträgt wie Vanessa Mae mit der klassischen Geige: Die kann das, sicher, aber niemand nimmt sie als Musikerin ernst. Denn wirklich musiziert wird an diesem Abend nicht.

Das ist umso bedauerlicher, als dass Bassist Tobias Kabiersch einer der besten ist, die ich in letzter Zeit gesehen bzw. gehört habe. Den fetten Fünfsaiter, den er da spielt, zweckentfremdet er mal ganz en passant als E-Gitarre; er kann aber auch Schlagzeug auf seinem Bass spielen. Nicht zuletzt gehört Kabiersch am Kontrabass zu jener seltenen Spezies unter den Jazz-Bassisten, die auch mit dem Bogen umgehen können. Konzentriert man sich ganz auf Kabiersch, kann man Lacasa dann auch sehr gut ausblenden, und je lauter sie wird, desto mehr verschwindet sie in der Wahrnehmung.

Das ist auch gut so, denn auch die Texte von Dominique Lacasa machen die Sache nicht besser. Im Gegenteil. Sie mäandern irgendwo zwischen belanglos und pseudoemotional, sind ein permanentes Erbrechen von Introspektion; und Titel wie Alles, was ich in dir sehe erinnern am ehesten noch an die Lyrik einer Yvonne Catterfield. Und dann gibt es auch noch diese „engagierten“ Texte auf dem Niveau einer vom Weltverbesserungsgedanken ergriffenen 15-jährigen Waldorfschülerin. Die erwarte ich genau in diesem Rahmen – bei einem Schülerkonzert. Phrasen à la „es geht um jeden einzelnen Schritt“ bzw. „es beginnt bei mir/hinter meiner eigenen Tür“ aber haben auf einer erwachsenen Jazz-Pop-Bühne hingegen nichts verloren, auch wenn sie im Prinzip genau das selbe ausdrücken, was schon Michael Jackson mit Man In The Mirror meinte. Und es liegt nicht an der Sprache, dass es bei dem einen abgedroschen daher kommt, beim anderen aber nicht – den Lacasa wird uns auch noch ein englisches Lied zur Rettung des Waldes singen, und nein, Michael Jackson ist das immer noch nicht. Vielmehr weckt das begleitende Regenrohr Aggressionen. Ohnehin mochte ich es noch nie, wenn jemand mit seinem Engagement hausieren geht. Und Erzieherisches in Jazzkonzerten das ist, vorsichtig ausgedrückt, schwierig. Nicht zuletzt erinnert mich die ganze Attitüde ungut an FDJ-Singekreise, wo solch vorgeblich „kritischen“ Texte gefördert wurden.

Gegen die Musik an sich ist überhaupt nichts zu sagen, und auch nicht gegen den Gesang. Dominique Lacasa kann singen. Und sie kann auch Klavier spielen. Sie ist hoch professionell ausgebildet. Auch ihre Show ist perfekt – und genau daran krankt sie, denn perfekt bedeutet hier nichts anderes als seelenlos. Lacasa ist die perfekte Jazz-Barbie: Singt schön und sieht schön aus. Doch was nutzt die perfekte Barbie, wenn sie nicht Herz und Seele berührt? Überhaupt: Was nützt Musik dann?

Jenseits der Betroffenheitslyrik können Lacasa und Kabiersch allerdings so etwas wie einen gemeinsamen Zauber entfalten. Ein ganz schönes Stück ist beispielsweise der dritte Song des ersten Sets, Du – ein nahezu klassisches Soulstück, bei dem das Publikum einen du-du-du-Chor gibt, und das ebenso gut von Joss Stone oder Alicia Keys hätte stammen können. Und natürlich funktioniert die Animation des Publikums: Es hagelt frenetischen Beifall. Wie immer feiert das Publikum am liebsten sich selbst.

Das zweite Set lässt dann ahnen, wie es sein könnte, wenn man die ganze Aufgesetztheit abzieht. Zwar haben die Lieder immer noch nahpubertäre Texte. Aber zum ersten Mal entsteht so etwas wie echte musikalische Interaktion zwischen den beiden Musikern, und es tut den Songs gut, wenn Dominique Lacasa einfach auf der Klavierbank sitzt und singend ihre Geschichten erzählt.

Ich bin ich versteht es, zu überzeugen. Und scheinbar haben sich die beiden jetzt warm gespielt, denn auch das bossaesque Stück vom Tag am Meer ist überaus gelungen. Das gilt auch für das Lied vom ungekannten Meer, Auf hoher See. Hier kreieren Lacasa und Kabiersch eine ähnliche Atmosphäre, wie ich sie zuletzt bei Mara & David gehört habe; und obwohl Dominique Lacasa hier beweist, dass sie neben dem ansonsten hier präsentierten Gehauche und Ausgeatme auch eine unglaubliche Stimmresonanz erzeugen kann – Künstlerinnen wie Mara von Ferne können das im selben Genre allemal besser. Waren mir Mara & David immer viel zu akademisch, muss ich ihnen jetzt zugestehen: Lieber akademisch als aufgesetzt. Denn wirklich berührt haben mich auch die Songs des zweiten Sets nicht. Ich erfahre heute Abend nichts über Dominique Lacasa, sie versteckt sich hinter ihrer Bühnenpersönlichkeit, und keine halbe Sekunde lässt sie sich hinter die Maske blicken.

Der Rausschmeißer des Abends, Tschüss, Puppe, ist dann wieder so ein Mitschnipper, der hundertprozentig funktioniert – aber immerhin auch der erste Song des Abends, bei dem ich etwas fühle. Zunichte gemacht wird dieser Effekt allerdings schnell von dem kleinen blonden Mädchen mit Blumenstrauß, das jetzt in bester Samstagabendsunterhaltungsshowmanier auf die Bühne kommt. Mein böszüngiger Begleiter kommentierte: „Dieter Thomas Heck, wenn er schon tot wäre, würde im Grabe rotieren!“ Kitschiger konnte es nicht mehr kommen, dachte man da. Bis Lacasa mit der wieder einmal sehr engagierten Zugabe Save It („where is the forrest gone?“) noch einen drauf setzt und klar zeigt, weshalb das hier eben nicht Michael Jackson ist, sondern eher Maffay und Mandoki. Und Wendungen wie „Mother Earth“ will ich wirklich nie mehr in der Popmusik hören!

Die zweite Zugabe dann allerdings überrascht. Es ist ein Wiegenlied mit spanischem Text, und nicht nur passt das Spanische optimal zu Lacasas Stimme – auch nehme ich ihr die Mutterrolle von allen Rollen des Abends als einzige ab. Nicht die des sich von sozialen Konventionen emanzipierenden Individuums. Nicht die der Umweltaktivistin. Aber die der Mutter. Ich weiß nicht, ob Lacasa tatsächlich Mutter ist, und es tut hier auch nichts zur Sache. Hier jedenfalls ist sie ganz bei sich. Ansonsten bleibt zu dem Abend nur zu sagen: Furchtbar geiler Bassist.

Aufgrund der großen Nachfrage wurde das Konzert in den FritzClub im Postbahnhof verlegt – und der bietet immerhin bis zu 1200 Besuchern Platz. So viele sind dann zwar nicht gekommen, aber voll ist es doch, als Yael Naim um 21:05 Uhr die Bühne betritt und den Abend als storytelling, pianoplaying fräulein mit My Dreams eröffnet.

Besonders freue ich mich auf den zweiten Song des Abends: auf Yael Naims Version von Rihannas Umbrella. Schließlich hat sie im Klangverführer-Interview im April versprochen, ihn zu spielen. Ihr geniales Toxic noch im Hinterkopf, bin ich seitdem gespannt darauf, auch diesen Pop-Ohrwurm endlich naimisiert zu hören – und werde nicht enttäuscht. Wenn auch komplett anders als bei Toxic gelingt es Yael Naim, den Song bis zur Unkenntlichkeit zu verfremden und sich gleichzeitig zu eigen zu machen. Konnte ich Umbrella im Original nie leiden, wird er mir in Yael Naims Version auch tags darauf nicht aus dem Kopf gehen. Nicht zuletzt kommt schon hier der „Annett-Louisan-Effekt“ zum Tragen: Sängerinnen, die auf ihren Alben eine aus stilistischen Gründen eher zurückhaltende Vokalperformance hinlegen, entpuppen sich live als Besitzerinnen von wahren Chaka-Khan-Stimmen. Erstaunlich. Wer das im Falle von Yael Naim nicht glaubt, sehe sich bitte mal Minute 3:26 bis 3:33 an.

Come Home, die Single des aktuellen Albums, wird dem Berliner Publikum mit einem gutgelaunten David Donatien am Bass-Cajon im Happy-Go-Lucky-Arrangement mit Twist-Einlage präsentiert und gerät wie Händels Messias in der Quincy-Jones-Bearbeitung zu einer „Soulful Celebration“ mit dem Publikum als Gospelchorersatz – klar, dass Naim die Zuhörer spätestens jetzt vollends auf ihrer Seite hat, denn auch hier bewährt sich die alte Bühnenweisheit, dass das Publikum jene Stücke am meisten liebt, bei denen es mitmachen darf!

Allein beim Anblick der Lurex-Socken und wollenen Pulswärmer gerät man ins Schwitzen

Die nächste Nummer, Never Change, wird nicht nur von Naims Gitarristen mit einem klassischen Bluegrass-Intro eröffnet – auch die Sängerin selbst greift zur Gitarre und gibt überzeugend die Country-Bardin. She Was A Boy wiederum besticht – nicht zuletzt dank des schmachtenden Akkordeons – durch sein Pariser Flair mit orientalischen Anklängen. Auch die auf einem Barhocker vorgetragene Nummer Paris, der erste Song des Abends, der von Yael Naims 2008er-Album stammt, bleibt der französischen Leichtigkeit treu. Fast könnte man ihn als klassisches Chanson bezeichnen – wäre da nicht der hebräische Text.

Während sich die Band zurückzieht, intoniert Yael Naim solo am Roland Today, die Mörderballade des aktuellen Albums. Auch ihr 2008er-Album hatte mit Lonely seine ganz eigene Mörderballade – eine tragischer als die andere, was Naim sehr bewusst ist. „Don’t worry“, ruft sie in die Menge, „it will not be sad like this all the time“. Erst einmal aber kämpft der Bühnentonmann auf ziemlich verlassenem Posten mit einer fiesen Rückkopplung, die leider bis zum Konzertende nicht vollständig in den Griff gekriegt wurde. Dann aber hat der Bassist bei I Try Hard seinen großen, weil songtragenden Moment – ganz im Gegensatz zur Album-Version, wo die Nummer eher ruhig vor sich hinplätschert, verfeinert lediglich von ein paar Streichern. Im Live-Arrangement entpuppen sich Naims Songs aber allesamt als wahre Kracher; und wer nur wegen des zarten, plätschernden Albums gekommen ist, soll sich schon bald umgucken!

Die Live-Version von Go To The River beweist, dass ich mit meiner in der fairaudio-Rezension aufgestellten Behauptung nicht ganz Unrecht hatte: Dieser Song mit seinem treibenden „Go go go with the river flow“ ist eine Art Pump It Up für Intellektuelle; und auch Yael Naim kickt ihre Pumps weg.

Mit dem Pumps fallen auch die Haare …

Und wo sie schon einmal so schön am Rocken ist, macht Yael Naim aus Mystical Love ein klatsch-stampfendes We Will Rock You mit russischem Männerchor, das sich mit der Zeit unter Zuhilfenahme von zwei elektrischen Gitarren und vollem Körpereinsatz am Schlagzeug in eine krasse Hardrock-nummer ziemlich dicht an der Grenze zu Heavy Metal wandelt. Und wieder gucken die Plattenkäufer, die das Album in der Adult Contemporary-Ecke entdeckt haben und sich schon an einer ‚zweiten Norah Jones‘ erfreuten, ziemlich dumm aus der Wäsche. Der Gitarrist lässt es sich inzwischen nicht nehmen, den Eddi van Halen zu geben; und Naim selbst erweist sich als formidabler Shouter. Das Publikum tobt.

Auch bei Stupid Goal bleibt man im Metal-Modus – zumindest, was den Gitarristen betrifft. Und je mehr auf der Bühne gezappelt wird, desto augenfälliger ein sympathischer Anachronismus: Alle Mikros und Instrumente hängen noch an Stolperfallenkabeln. Nix mit Wireless, das ist schön! Schön ist auch, wie Stupid Goal zum Virtuosenstück gerät, an dessen Ende selbst die vor Energie berstende Sängerin fix und fertig und komplett außer Puste ist.

Sie sammelt sich bei einer Piano Interlude, die Atmen erst einmal obsolet macht, sich dann aber langsam zu Man of another Woman entwickelt, welches hier allerdings mit dem Text „man from another woman“ gesungen wird und so dem Ganzen noch einmal ein Mehr an Bedeutungsschärfe gibt. Yael Naims musikalischer Partner, der von Martinique stammende David Donatien, spielt die Hi-Hats mit bloßen Händen, als wären es Percussions, was einen großartig gedämpften Effekt hervorbringt. Nichtsdestotrotz glaube ich immer noch, in der zugrunde liegenden Rhythmusstruktur eine Bessarabische Hora zu hören – aber ich kann mich da auch irren.

Auf Game Is Over gibt es wieder ein bisschen Juke-Joint-Honky-Tonk-Klavier, das sich mit einer Elektromandoline paart. Und als Vokalistin beweist Yael Naim hier wieder einmal, dass sie glaszerberstende Höhen zu erreichen spielerisch in der Lage ist, ohne es nötig zu haben, eine Ich-habe-vier-Oktaven-Mariah-Carey-Show daraus zu machen. Wer sie als Sängerin aufgrund ihrer Platten bislang nicht ernst genommen hat, wird live in jedem Falle eines Besseren belehrt.

Von Find Us kursieren viele Ton- und Videomitschnitte im Netz, vor allem von der Ukulelen-Session. Auf ein Album scheint es dieser live schon lange gespielte Song bislang indessen (noch) nicht geschafft zu haben – schade eigentlich, denn Find Us ist ein schwingendes Ding, das mich an die russischen Elemente etwa bei Regina Spektor oder den Tiger Lillies erinnert, und spätestens beim furiosen Finale hat Yael Naim auch den Kritiker zum Rocken gebracht. Und gerade bei diesem Song, wo man die Musikerin in die Tasten greifen sieht, als gäbe es kein Morgen, versteht man auch, weshalb sie schon im zarten Alter von 18 Jahren mit einer Jazzgröße wie Wynton Marsalis auf der Bühne stehen konnte: Weil Yael Naim ein ungeheures musikalisches Talent besitzt, das sie auf ihren Platten im Sinne des Understatements eher verbirgt.

Der fünfzehnte Song des Abends findet sich auf keiner Setlist, denn er dient dazu, die ausufernd solierenden Musiker vorzustellen – ein Text oder Titel sind nicht erkennbar (auch Naim bedient sich ausschließlich nicht-bedeutungstragender Scat-Silben), weshalb wir ihn einfach das französische Ukulelen-Tambourin-Lied nennen wollen. Hier stellt sich heraus, dass der Keyboarder von Yael Naim nicht nur Akkordeon spielen kann, sondern sich auch noch ein eigenes Schlagzeug mitgebracht hat.

Offiziell ist der Abend nach dieser Nummer zu Ende, aber – na klar – es werden noch Zugaben fällig, und zwar in einem intimen Wohnzimmerrahmen. Die Stagehands bauen einen Miniflügel und Xylophone auf, denn NATÜRLICH spielt sie IHN noch. Erst einmal aber kommt Puppet, und ich selbst komme nicht umhin, wieder einmal die Freuden des Bloggertums zu preisen: Während die Kollegen der Tagespresse eingedenk des Redaktionsschlusses schon längst verschwunden sind, nachdem sie ihre Bilder im Kasten hatten, darf ich erleben, wie Naim und ihre Musiker hier schönen Unsinn machen, und auch das Publikum wird zum wechselweisen Bellen und Miauen aufgefordert.

Und dann kommt endlich der Song, auf den alle gewartet haben und den auch diejenigen kennen, die mit dem Namen Yael Naim ansonsten nichts anzufangen wissen: New Soul, das Lied aus der Apple-Werbung, trickreich angekündigt als Song, den sie erst kürzlich geschrieben hätte und der ganz neu sei … Und tatsächlich hat es auch ein paar Takte gedauert, aus dem neuen Arrangement den alten Hit herauszuhören, so sehr wurde er verändert.

Nein, das „Wuff“ bei 2:56 war nicht Kopfhörerhund!

Persönlich gefällt mir diese Version nicht besonders, aber vermutlich ist das komplette Um-Arrangieren von Zeit zu Zeit die einzige Überlebenschance für Musiker, die DIESEN EINEN Song im Repertoire haben, den alle immer wieder hören wollen und den sie wohl bis zu ihrem Lebensende spielen müssen. Auf jeden Fall kann man sich dank dieses Arrangements vorstellen, wie Yael Naims Songs im heimischen Wohnzimmer entstehen, mit den um Miniaturinstrumente versammelten Musikern. New Soul jedenfalls gelingt es, die Energien des jubelnden Publikums geschickt herunterzufahren – und eigentlich müsste der Abend jetzt beendet sein.

Ist er aber nicht, denn Yael Naim und ihre Mannen setzen mit dem ironischen Britney-Spears-Cover Toxic noch einen drauf. Noch einmal wird nach einem verhaltenen Anfang ein fernes Echo des Schwermetalls ausgepackt, und das vorhin auf ein friedliches Nachhausegeh-Level heruntergefahrene Publikum wieder entsprechend aufgepeitscht. So hat sich das Britney Spears sicherlich nicht vorgestellt!

Dramaturgisch vielleicht nicht die schlaueste Entscheidung, denn hiernach gibt es allen Zugabe-Rufen zum Trotz keinen weiteren Song. Dafür aber hat die Menge jetzt genügend Energie, den Kampf mit den Naturgewalten aufzunehmen und sich durch das herunterprasselnde Unwetter auf den Heimweg zu machen. Es ist 22:50 Uhr, Yael Naim hat eine Stunde und fünfundvierzig Minuten gespielt, dabei bis auf If I Lost The Best Thing, der ursprünglich laut Set-List anstelle von Toxic als letzte Zugabe geplant war, alle Songs von ihrem aktuellen Album gespielt, dazu zwei des alten Albums und drei weitere Songs. Wer eine Karte gekauft hat, kann sich wirklich nicht beschweren, für sein Geld zu wenig geboten bekommen zu haben! Ich jedenfalls fühle mich wie nach einem Langstreckenlauf: durchgeschwitzt, vollkommen erledigt – aber sehr glücklich. Und ich glaube, den anderen Menschen im Publikum geht es ähnlich.

Gestern noch hat er mit seinem wunderbaren Projekt trondheym das Freudenzimmer in den Kreuzberger Ritterhöfen gerockt, da steht er schon wieder auf der Bühne: der unermüdliche Gerhard Schmitt, der heute mit seinen Schmittkeliedern beim Pop-Pourri, einer Veranstaltungsreihe der Freunde Guter Musik, besser bekannt als Ich bin Pop, auftritt.

Auch wenn Kopfhörerhund sich vermutlich besonders über den Auftritt von Labrador aus Dänemark gefreut hätte, habe ich den elendigen Steuermarkenverlierer – ab der wievielten weigert sich das Finanzamt eigentlich, eine Ersatzmarke zu schicken? – in seinem Tagesrudel geparkt, um ein paar ungestörte Musikstunden zu verbringen. Und da Bassplayerman wieder im Arbeits-Orbit verschwunden ist, gibt sich heute Hofcompositeur als Co-Kritiker die Ehre, dessen Goldene Worte zum Tage lauten: „Osnabrück – musste mal hingehen. Ist so groß wie Neukölln, ist aber nicht Neukölln“. Und trotz dieser Weisheit wird mir selbst im angetrunkenen Zustand und zu später Stunde bewusst, dass es eigentlich recht fies ist, immer Leute vom Fach mitzunehmen, die ihre bösen Zungen schon wetzen. Andererseits muss damit leben, wer sich den Kritiker ins Haus holt.

Der Abend wird eröffnet von Singer-Songwriter-Pop-Elfchen Diane Weigmann, an deren Mädchen-versteckt-sich-hinter-Gitarre-und-singt-über-persönliche-Befindlichkeiten-Auftritt das Bemerkenswerteste die Kosmetiktasche im Polka Dot-Look ist, die auf der Bühne herumsteht. Ohnehin hat die Sängerin ein Händchen für Mode. Ausgehend von ihren Fotos hätte ich allerdings eher Fiona-Apple-Musik erwartet; stattdessen höre ich etwas, das – zumindest, was den thematischen und emotionalen Kosmos angeht – an die Berlinerin Anjaka erinnert, würde man dieser die Elektronika wegnehmen. Akustisch bin ich einem interessanten Stereo-Effekt ausgesetzt, da Dianes Freundin direkt hinter mir jedes einzelne Wort mitsingt – ach was, singt: mitjubiliert! Unfreiwillig komisch dann das ebenso unfreiwillig zweideutige „Du versprichst mir den Sommer/ich kann Dir nur Regen geben/viel zu feucht für diese Jahreszeit …“

Es folgt Schmittke im obligatorischen Streifenpulli, der heute im Gegensatz zu seinem b-flat-Auftritt im März, wo er von Bassklarinette und -gitarre flankiert wurde, ganz allein vier seiner schönen Schmittkelieder spielt, die wie immer irgendwo zwischen grenzwertig (Liebe) und cool (alle anderen) oszillieren, kurz: am ehesten als Singersongwriterschlager zu beschreiben sind. Ja, manchmal fragt man sich schon, ob Textzeilen wie „Dein Ohr grinst mich an/es schaut durch Deine Haare“ überhaupt „gehen“! Bei Schmittke gehen sie auf jeden Fall, und man muss diese Lieder einfach lieben – ich zumindest tue es heiß und innig. Hofcompositeur ist sich noch unschlüssig, da ihn Schmittkes zum Stilmittel erhobener Nicht-Gesang beim ersten Song an die ungeliebten Tocotronic erinnert; doch schon beim zweiten Song hat Schmittke auch ihn auf seiner Seite: Den Bordun-Bass auf Das Leben macht Geräusche findet auch der Mann vom Fach cool. Nicht zuletzt ist dieser Song im – wie ich finde für die Schmittkelieder völlig untypischen, für die Solobesetzung aber natürlich optimalen – Liedermacherstil eine Premiere, und ich freue mich, hier eine Klangprobe präsentieren zu können:

Als drittes spielt Schmittke das Lied für mich, und hier wird auch der stilistische Unterschied zwischen b-flat-Auftritt und heutiger Kleinstbesetzung eklatant: War dieser Song im März noch ein großer Lacher, kommt er heute ungeheuer melancholisch daher; die damalige treibende Energie ist einer depressiven Grundstimmung gewichen, statt des hedonistischen nur-für-mich-Aspekts dominiert heute jener Teil des Liedes, wo, Textzitat, „mit Mollakkorden rumgedealt“ wurde – gewissermaßen Lied für mich in Slow Motion, aber schön. Aus seiner Tristesse wird das Publikum von Song Nummer vier gerissen, Verlieb Dich, dessen Refrain sich zumindest in der Live-Version innerhalb einer Quarte bewegt – jenem Intervall, welches jeder von dem Türschließsignal der S-Bahn bzw. jeder Polizei- und Feuerwehrsirene kennt – und ergo eine angenehm alarmierende Wirkung hat. Gern würde ich mit diesem Lied den ganzen Sommer über Fahrrad fahren, den Fahrtwind im Haar, den Fernsehturm vor Augen und den wunderbaren Imperativ Verlieb Dich im Ohr. Ähnlich geflasht hat mich bislang nur 2Raumwohnungs 36 Grad, mit dem ich ganze zwei Sommer lang Fahrrad gefahren bin.

Ähnlich einprägsam und mit jedem Hören schöner ist nur noch Mittendrin (ja, das ist das mit „Wimperntusche, Futterneid“ und den „edlen Stoffen und schönen Mustern, die sich über kurviges Gebiet spannen“ aus dem b-flat!), welches Schmittke heute zwar nicht spielt, man sich aber auf seiner Soundcloud-Präsenz anhören kann – wie auch sieben andere Schmittke-Lieder, die in der Studio-Version noch dazu extrem gut produziert sind. Die Schmittkelieder brauchen einfach die größere Besetzung, dann machen sie wirklich froh.

Da erst einmal alles um- und eingestöpselt werden muss, bietet der angekündigte Auftritt von Hans Rohe & die Felsenschrippe Gelegenheit zum um-die-Ecke-Gehen, das hier recht eigentlich ein die-Treppe-runter-Gehen ist. Dann ist die vierköpfige Formation, die mit einer weiblichen Bassisten einen heutzutage leider immer noch seltenen Anblick bietet, erst einmal eines: laut. Ansonsten schwelgen die vier in Popzitaten irgendwo zwischen La Boum-Soundtrack, den Stones und Pink Floyd, wobei das Lied über die polyphone Achterbahn schon nicht mehr als „inspired by Pink Floyd“ durchgeht, sondern vielmehr reinrassiges Echoes-Cover ist. Spätestens bei Dorothea leide ich dann sehr und begrüße einmal mehr das Konzept des Abends, welches den Künstlern nur Raum für vier bis fünf Songs lässt.

Labrador aus Dänemark dann sind schlichtweg großartig. Und nein, nicht nur wegen des Namens, der jeden Hundehalter entzücken muss. Man sagt es als Landsmännin der drei vorangegangenen Künstler ungern, aber der Qualitätssprung zu Labrador, diesem bleiben, rothaarigen Riesen mit Tom-Waits-Hut, ist – Schmittke ausgenommen – ganz enorm. Mittlerweile neige ich dazu, meinen Interviewpartnern aus Skandianvien und Dänemark zu glauben, dass dort tatsächlich „something in the water“ ist, das diese Menschen unglaublich gute Musik hervorbringen lässt.